Античная комедия

• Вид работы: Реферат
• Предмет: Культурология
• Язык: Русский , Формат файла: MS Word 17,09 Кб

Античная комедия

Содержание

Введение

1. Античная комедия: понятие, история, особенности

2. Античные комедии Аристофана в современности

3. «Античный проект» Е. Журавкина в Национальном Заповеднике «Херсонес Таврический»

Заключение

Список использованных источников

Введение

Интерес постановщиков к античной драматургии существовал всегда. Чем более долгий срок жизни проходит театр, тем естественнее переосмысление им своих истоков. Обращаются к античным произведениям постановщики разных поколений и эстетических взглядов. Именно это объясняет актуальность темы реферата.

Греческая комедия возникает в VI в. до н.э. из следующих четырех элементов: а) шумные и веселые бытовые сценки пародийного и карикатурного характера (особенно распространенные среди дорийцев); б) драматизированные песни обличительного характера у селян, ходивших в праздники Диониса в город высмеивать тамошних жителей; в) оргиастически-жертвеннный культ Диониса; г) песни в честь богов плодородия на Дионисовых празднествах.

В результате объединения этих четырех элементов возникают веселые, буйные праздничные шествия и сцены карнавального типа, наполненные балаганным шутовством, остротами и даже непристойностями, с песнями, плясками, ряжением в разных животных (козлов, коней, медведей, птиц, петухов), любовными приключениями и пирушкой. Самое слово комедия происходит от комос, то есть празднично-веселая толпа, гулянка (или, по-другому, от соте – "деревня" и ос1е~ – "песня").

Эти необузданные игры переряженных свободных землевладельцев получили весьма острое социально-политическое значение в борьбе против богатевших городских предпринимателей, тянувших страну к новым завоеваниям, к морской экспансии и разорявших мелкого свободного производителя. Древняя аттическая комедия была острейшим драматическим памфлетом против заправил демократии и софистов и проповедью старинных землевладельческих и земледельческих идеалов.

Классическая комедия развивалась под сильнейшим воздействием растущего антагонизма между свободными частными мелкими землевладельцами (как крестьянством, так и консервативной аристократией), с одной стороны, а с другой – городской торгово-промышленной и воинственной демократией, возросшей в середине V в., после греко-персидских войн.

Для раскрытия особенностей темы в реферате было решено раскрыть следующие аспекты:

рассмотреть понятие, историю и особенности античной комедии;

уделить внимание более детальному изучению античных комедий Аристофана в новое время;

раскрыть особенности «античного проекта» Е. Журавкина, осуществляющего свою деятельность в Национальном Заповеднике «Херсонес Таврический».

. Античная комедия: понятие, история, особенности

Термин «комедия» восходит к древнегреческому слову comoidia, буквально обозначающая «песню комоса», т.е. песню участников праздничного деревенского шествия, посвященного прославлению животворящих сил природы.

Другим ее источником послужила элементарная и столь же древняя форма народного балагана – шуточная сценка, в которой глупый богач, плут, вор пытается обмануть, ущемить интересы основного героя, но всегда терпит поражение, и с позором покидает эстраду, сопровождаемый ударами палки и дружным хором зрителей.

Аристофан – единственный представитель древней комедии, пьесы которого дошли до нас (а именно 11 пьес, написал же он более 40 пьес). Расцвет его творчества совпадает со временем Пелопоннесской войны. Ее тяготы легли тяжелейшим бременем на народ Аттики, который разорялся. Поэтому тема осуждения войны с силой зазвучала в творчестве Аристофана (комедия «Мир», «Ахарняне», «Лисистрата»). Аристофан сыграл значительную роль в развитии сатиры, заложив её основные приемы, широко используя гротеск, карикатуру, фантастику.

Комедия Аристофана, этого «ярко выраженного тенденциозного поэта» и сейчас поражает бесстрашием своей сатиры.

Менандр написал более 199 комедий, но по свидетельству древних авторов одержал победу на драматических состязаниях только 8 раз. Менандр практически единственный представитель новой аттической комедии, произведения которого дошли до нас. Он приобрел славу великого драматурга своим великолепным владением искусством психологической характеристики, позволяющим ему создавать индивидуализированные человеческие характеры, предавая традиционным маскам подлинно человеческие черты, разнообразить и углубить условные типажи театра масок.

Менандр пользовался в Античности огромной потребностью, очень широко были распространены сборники его изречений, известные и в Древней Руси.

Комедия Менандра оказала большое влияние на последующее развитие мировой драматургии.

Теренций (195-159 гг. до н.э.) создал 6 комедий, и все они дошли до нас. Дошли и краткие указания к ним, из которых мы узнаем о времени постановки комедий и их исполнителях.

Первая комедия Теренция – «Андриянка» была поставлена в 166г., вторая – «Свекровь» ставилась впервые в 165 г., но представление было сорвано, т.к. зрители в середине пьесы убежали смотреть кулачных бойцов и канатоходцев. Второй раз Теренций ставил комедию в 160 г., но зрители после первого акта бросились на игры гладиаторов. В том же 160 г. ему все же удалось поставить комедию «Свекровь».

Третья комедия Теренция – «Самоистязатель» поставлена в 163 г., четвертая «Евнух» – в 161 г., пятая – «Формион» – тоже в 161 г. и шестая комедия – «Братья» – в 160 г.

Теренций ставит в своих пьесах вопросы семьи, быта, воспитания, пропагандирует идеи гуманности, уважения к женщине. Характерные конфликты в комедиях Теренция – это конфликты между отцами и детьми, между мужем и женой.

У Теренция герои говорят изящным литературным языком. В их речи нет грубых просторечивых выражений, почти нет архаизмов, но в ней и той сочности, которая характерна для языка плавтовских персонажей.

Высоко ценили Теренция в XVIII в. Теоретики так называемой «слезливой комедии», они считали его своего рода зачинателем этого жанра.

Плавт – виднейший римский комедиограф (середина III в. – 184 г. до н.э.). О его жизни нет достоверных сведений. Плавту приписывают около 130 комедий, но в 1 в. До н.э. известный римский ученый и знаток литературы Варрон выделил из этого количества 21 комедию, считая их подлинно плавтовскими, и эти комедии дошли до нас. Наиболее популярны из них «Клад» (или «Горшок»), «Куркулион» (или «Проделки парасита»), «Менехмы» (или «Близнецы»), «Хвастливый воин», «Псевдол» (или «Раб-обманщик»), «Пленники» и «Амфитрион».

Плавт любил изображать ловких, умных, энергичных рабов, которые обычно выручают своих далеко не умных и пассивных господ. Комедии Плавта были очень популярны в плебейских массах, захватывали остроумием, динамичностью, необычайной сочностью языка.

. Античные комедии Аристофана в современности

Современники называли Аристофана отцом комедии. И были правы. Сочинения Аристофана не только дошли до наших дней, но и положили начало жанру, по трудности ничуть не уступающему трагедии. Из 44 пьес сохранилось только 11, и среди них есть одна, по праву занимающая особое место. Это «Птицы», постановка которой пришлась на Великие Дионисии в 414 году до нашей эры. Именно в «Птицах» неукротимый талант Аристофана обрел мощь, силу и глубину, заставившую все последующие поколения восхищаться безграничной смелостью, утонченным сарказмом, остроумием, фантазией драматурга, и одним из самых редких талантов человека – привычкой называть вещи своими именами.

Обращение современного театра к «Птицам» требует от режиссера не только художественного, но гражданского мужества. Без него Аристофан невозможен.

На сцене Первой студии Театра имени Евгения Вахтангова появился спектакль, направленный на достижение поставленной цели. А значит, наполненный иронией, драматизмом и неукротимой стихией игры, ни на минуту не позволяющей забыть о том, что дело происходит в ТЕАТРЕ.

«Птицы» в постановке молодого режиссера Михаила Милькиса и при участии художника по костюмам Нины Васениной – это вольная фантазия на темы комедии Аристофана, в которой текст автора, написанный еще до нашей эры, тесно переплетается с историческими фактами последующих времен и остроумными актерскими импровизациями. Где мировые катаклизмы европейских стран и драматические страницы жизни российского государства неразрывно связаны друг с другом. Где музыкальное и пластическое решение спектакля встроено в строгую сценографию, выполненную в стиле «этно».

Московский театр «Et Cetera» под руководством А. Калягина также представил свою сценическую версию пьесы «Птицы».

Главные герои пьесы и спектакля – Писфетер и Эвельпид, роли которых исполняют Г. Старостин и К. Лоскутов. Они решили найти для жизни более тихое место, чем Афины, пришли к Удоду, царю птиц, и убедили птиц в том, что они созданы для мирового господства. Писфетер, по его словам, должен стать правителем нового города птиц и забрать власть у богов Олимпа, чтобы новыми богами стали птицы.

В этой комедии умело переплетены тонкая сатира и утопия, и это делает постановку невероятно современной.

В комедиях Аристофана, неразрывно связанных с породившей их эпохой, полных намеков на современные события и выпадов против разных политических деятелей и поэтов, многое стало непонятно без соответствующего комментария людям последующих поколений, и потому попытки играть их на сцене редки.

Наибольшее внимание русского театра всегда привлекала «Лисистрата» с ее вечной темой мира и осуждения войны.

Из дореволюционных постановок Аристофана следует упомянуть постановку «Лисистраты» в Саратовском театре в 1910 г. в бенефис помощника режиссера Петровского. В том же году «Лисистрата» под названием «Афинянка Лизистрата» была сыграна в Киевском театре Соловцова. Пьеса была с большим вкусом поставлена известным режиссером Н. А. Поповым, но из-за слабой игры актеров спектакль успеха не имел. В роли Лисистраты выступала актриса А. А. Пасхалова.

История советских постановок Аристофана открывается в 1918 г. «Лисистратой» в Театре-студии имени В. Комиссаржевской. Режиссеры Ф. Ф. Комиссаржевский и В. Г. Сахновский, взяв за основу античные фрески, мастерски создали насмешливый фарс с яркими гротескными сценками. Однако спектакль получился несколько стилизованным, камерным, он не подымался до истинного пафоса и суживал проблематику древней комедии.

В 1923 г. Вл. И. Немирович-Данченко (помощник режиссера Н. Д. Баратов) поставил «Лисистрату» в Музыкальной студии МХАТа, вписав блестящую страницу в историю советского театра. Привлеченный антивоенной идеей произведения, радостным мироощущением Аристофана, он создал живой современный спектакль, сохранив глубину мысли и правдивость чувств древней комедии. Немирович-Данченко отказался от всякой стилизации и реконструкции античного театра. Он подчеркивал свое стремление говорить со сцены только правду, но правду не в натуралистической ее сущности, а в красоте яркого обобщения.

Успеху спектакля во многом способствовало блестящее новаторское оформление тогда еще молодого художника И. М. Рабиновича. Сцена была освобождена от кулис, задников и представляла собой вращающийся круг. Легкие стройные белые колонны в сочетании с белыми лестницами и площадками на фоне ярко-синего неба создавали обобщенный образ Греции. При каждом повороте сцены группа колонн выглядела по-иному и давала новые возможности для построения мизансцен. Не было никакой смены декораций, не опускался занавес, актеры выходили из люка.

Главным действующим лицом в спектакле была толпа – то народ, то хор. Не заслоняя отдельных актеров, игравших главные роли, толпа и хор как бы воплощали в себе аристофановскую эпоху. Благодаря блестящему режиссерскому решению этот спектакль имел большое принципиальное значение для развития советского театра, хотя критика и отмечала отдельные недостатки (плохой перевод Д. Смолина, не вполне удачную музыку Р. Глиэра, неровную игру некоторых актеров).

Через год, в 1924 г., С. Э. Радлов, как бы полемизируя с Немировичем-Данченко, дал в Ленинградском Малом академическом театре совсем иное решение той же комедии. Большой знаток античного театра, Радлов попытался реконструировать его в своем спектакле и таким образом восстановить истинный дух аристофановской комедии. В постановке сочетались элементы народного балагана, цирка, оперетты. Музыка H. М. Стрельникова, выдержанная в героическом, лирическом и юмористическом тоне, отвечала стилю спектакля. С блеском исполняла роль Лисистраты В. Р. Стрешнева. Но включение переводчиком А. Пиотровским в текст «Лисистраты» отдельных сцен из других комедий Аристофана – «Ахарняне», «Мир», «Осы» – нарушало стройность сюжета, прерывало основное действие пьесы, вызывая подчас недоумение зрителей.

В 1941 г. на сцене Театра Ленсовета шел «Бабий бунт», вольная композиция Д. Смолина из разных комедий Аристофана. Основная тема была взята из «Лисистраты», отдельные мотивы из «Ос», «Женщин на празднике Фесмофорий», «Птиц» и «Женщин в народном собрании». Главной героиней стала не Лисистрата, а Праксагора (из «Женщин в народном собрании»). В композиции, лишенной общей идеи, было много противоречий и неувязок в действии. Мысли Аристофана преподносились зрителям в искаженном виде, характеры действующих лиц были произвольно изменены. Все это определило полную неудачу постановки, которую не смогла спасти хорошая игра таких актеров, как К. М. Половикова и Н. В. Чистяков.

В 1960 г. «Лисистрата» была поставлена в Рижском театре русской драмы (постановщик В. М. Балюна). И на сей раз задача театра усложнилась введением в пьесу фрагментов из других комедий Аристофана.

В 1965 г. на гастролях Афинского художественного театра в Москве были показаны «Птицы» в постановке выдающегося греческого режиссера Каролоса Куна. Оставаясь глубоко современным художником, К. Кун сохранил все элементы аристофановской комедии, веселые пляски, пение, сценические трюки. Ему удалось передать свободное мироощущение древнего поэта, его протестующий пафос и иронию. Актеры играли так, словно спектакль шел не в закрытом помещении современного театра, а на афинской площади. Особенно большая удача Куна – изображение хора полуптиц-полулюдей, этого «птичьего» царства, которое жило на сцене настоящей жизнью.

В 1977 г. Афинский национальный театр привез на гастроли в Москву «Всадников» в постановке Алексиса Соломоса. В этом ярком спектакле была прекрасно решена сложная проблема партии хора (хореограф Дорас Цацис-Химеониди, хормейстер Элли Николаиди). Артисты хора выступали в оригинальных костюмах, создавая иллюзию скачущих на коне всадников. Их безупречная пластичность, владение искусством декламации и пения принесли «Всадникам» успех.

В 2002 году в Калининградском театре драмы «Лисистрату» ставила А. Трифонова и с тех пор она стала хитом местного театра. «Лисистрата» калининградцев была участником Всемирной театральной Олимпиады в Москве и была высоко оценена зрителями и прессой.

Античный сюжет послужил основой и для яркого и зрелищного балета «Лисистрата», премьера которого состоялась в нынешнем сезоне. Балет в двух действиях – плод совместной работы театра «Новая опера» и Государственного академического театра классического балета под руководством Натальи Касаткиной и Владимира Василёва. Музыку для постановки написала современный популярный композитор Ольга Петрова.

3. «Античный проект» Е. Журавкина в Национальном Заповеднике «Херсонес Таврический»

Уникальным местом постановок античных пьес является севастопольский заповедник под открытым небом «Херсонес Таврический». Летом, с конца июня по конец августа, здесь существует Античная программа, которой руководит актер и режиссер Севастопольского академического драматического театра имени А.В. Луначарского Евгений Журавкин. До недавнего времени этот проект считался «Античным филиалом» театра имени Луначарского, но сейчас руководство театра предоставило постановщику практически полную самостоятельность, в первую очередь финансовую. Участники проекта продолжают считать себя «неформальным филиалом», тем более что все они – члены труппы этого театра. Стоит заметить, что для многих постоянных зрителей театра имени Луначарского путь на основную сцену был проложен именно через Херсонес. античная комедия аристофан

В заповеднике собираются особые, чаще всего неподготовленные, зрители. Сюда группами приходят дети и туристы, далекие от античных произведений, хотя нередки поклонники и театра имени А.В. Луначарского, и античности. «Херсонеситы», как называют себя сами участники проекта, лишены взаимодействия с театральным оформлением, привычной работы в ансамбле, который здесь имеет более камерный характер. Становится особенно важным взаимопонимание партнеров, когда актеры под небом Херсонеса остаются наедине со зрителем и друг с другом. Любая фальшь и недопонимание стали бы еще виднее, но за годы работы «Античного проекта» актерское взаимодействие стало столь тесным, что можно сказать о том, что актеры на сцене существуют практически в ритме единого дыхания.

В репертуаре театра следующие спектакли: «Троянская война окончена» – по пьесе В.П. Коркия «Что ему Гекуба» (в основу которой легли, в свою очередь, пьесы Еврипида «Гекуба» и «Троянки», а также были внесены дополнения Е. Журавкиным). Автором пьес «Облака» и «Женщины в народном собрании» в афише значится Аристофан, но его произведения также переработаны и дополнены Е. Журавкиным. Он же их и поставил, сам во всех занят.

«Троянская война окончена!» названа Е. Журавкиным гомерической (или комической) трагедией. Эта постановка дает представление современному зрителю о том, что такое античный театр. Среди действующих лиц – Гекуба, Поликсена, Кассандра, Ифигения, тень Ахилла, Агамемнон, Одиссей, а сам Евгений в роли Корифея комментирует все, что происходит на сцене. Веселый и прозаичный тон Корифея – Журавкина, в котором он рассказывает о «древнем актере, подвешенном за древнюю веревку на древний крюк» и «древнем зрителе, который верил, что актер летит по небу», сменяется задумчивым, философски-печальным, когда Корифей воздевает руки и обращает взор к небосводу:

Глаза подымешь – небо над тобой,

Руины в золотых лучах заката –

И три тысячелетия долой!..

И все же преобладают в нынешней афише театра в Херсонесе комедии, а самым «репертуарным» автором по праву может быть назван Аристофан. Вслед за постановками «Лягушек» и «Женщин в народном собрании» Е. Журавкин обратился к его пьесе «Облака», и спектакль по ней получил Гран-при XVI Международного фестиваля античного искусства «Боспорские агоны», прошедшего в начале лета в Керчи. Жанр этой аристофановской постановки – «комедия соль-минор». В спектакле действительно много музыки именно в этой тональности. Юмор словно спрятался под тонкий покров стилизованной классической музыки, контрастно оттеняющей вроде бы несовместимые вещи. Так, под невесомую фортепианную мелодию за главным героем, Стрепсиадом, гонятся сердитые кредиторы, и они же под легкие трели наносят друг другу внушительные удары, не сумев договориться, кто будет первым получать долг. Евгений Журавкин по своему обыкновению переработал и дополнил текст Аристофана, дописав логичную сцену, в которой обучившийся премудростям Сократа Фидиппид выручает отца, сыграв на жадности его кредиторов.

В «Облаках» больше, чем в ранних спектаклях нынешнего «Античного проекта», видна работа художника театра имени А.В. Луначарского Ирины Сайковской. Над неизменно присутствующей во всех постановках низкой фимелой развевается алый занавес, ветер треплет сине-голубые, как небо над Херсонесом, воздушные платья девушек-Облаков, образующих хор… Они, как и Херефонтатут, пытаются вразумить Стрепсиада, и чистым серебром звучат их сильные голоса, дополняя гармонию музыкального оформления.

Актеры, по обыкновению, активно обращаются к зрителям: здесь Стрепсиад просит то мелочи на обучение, которую клянется отдать (и впрямь отдает после спектакля), то огонька, то помощи кого-нибудь из детей, прячась от кредиторов. Про его учеников в программке сказано: «Хулиганы делают всё, чтобы превратить строгий, очень-очень серьёзный спектакль в балаган». Они же – пожарная команда, приехавшая на бывшей колеснице Фидиппида тушить Стрепсиада огнетушителем после того, как его, спрятавшегося в ветошь, чуть не подожгли Паисий и Аминий.

Те же «хулиганы» выступали в роли храпящих слуг в начале, когда Стрепсиад и его сын видят страшный сон: фантасмагорическое появление кредиторов в черных чулках на голове, с гигантскими ножницами и утюгами, грозно взывающих: «Стрепсиад, верни долги!». Эти произносимые ими жуткие звуки – результат экспериментов Е. Журавкина с компьютером и собственным голосом, как и беседа его героя с Херефонтатутом при помощи заполненных гелием воздушных шариков, придающих голосам актеров забавное звучание. Но эти театральные шалости, столь привлекательные для всех поклонников спектаклей «Античного проекта», не разрушают аристофановского мира, в который Е. Журавкин и его коллеги неизменно вносят свой взгляд, энергию и труд. Его Стрепсиад прямодушен и не столь туповат, сколь доверчив. Недаром Евгений ставит Стрепсиада в ряд с другими героями Аристофана. По его мнению, это один и тот же персонаж, только имеющий проекцию в возрасте: легкомысленный герой «Лягушек» Ксанфий, что «балбесничает с Дионисом», затем «немного повзрослевший, потрепавшийся в «Женщинах в народном собрании» бывший воин Хремет, который жизненный опыт приобрел какой-никакой», и вот уже Стрепсиад, «отягощенный семьей, долгами, расходами, т. е. третья часть практически одного персонажа». Но постоянное пребывание на сцене – это и благо для самого режиссера, имеющего возможность влиять на ход спектакля, и основная трудность…

Вероятно, эта тяга к первоосновам театрального зрелища более всего привлекает режиссера, а его постановки роднит и между собой, и с тем прообразом современного театра, который снова и снова заставляет обращаться к античной драматургии театры столь разных стран, различных эстетических концепций, помогает использовать разные театральные средства.

Незадолго до премьеры «Облаков» севастопольское телевидение подготовило передачу о Е. Журавкине, и в ней он сказал: «Какое счастье, что театры могут быть разными: для разного зрителя, для разных возрастных и интеллектуальных категорий… Театр может быть простодушным, наивным, может быть интеллектуальным, экспериментальным, может быть каким угодно…». Сочетая развлекательность с серьезностью, и прежде всего – в части отношения к делу, севастопольский театр занимается популяризацией античной драматургии, видя свою главную цель в «продлении жизни древнему театру Херсонеса».

Именно в аристофановских постановках поддерживается тот «уровень импровизации и легкости», который служит ориентиром для Евгения.

Для взрослых и детей – частых посетителей театра в Херсонесе – руководителю Античной программы удалось создать на обоих спектаклях настоящий праздник. «Античный проект» продолжает традиции и древнего театра, и театра Мольера, и всех последующих эпох.

Легкость творческого самочувствия, которая отличает репетиции «херсонеситов», передается залу, делая посещение театра таким же важным событием для современного зрителя, как было в древние времена. Для того, чтобы это произошло, спектакль должен «набрать форму», по убеждению Е. Журавкина. Как кажется, последние постановки театра ее уже набрали и продолжают совершенствоваться с каждым новым сезоном.

Заключение

Среди многих литературных жанров, доставшихся современной культуре в наследие от античного мира, комедия принадлежит к числу наиболее жизнестойких. Эпических поэм, наподобие «Илиады» или «Энеиды», в наше время уже не пишут; «высокая» трагедия давно уступила место более широко понимаемому виду сценического искусства – драме, где допускается и благополучная развязка, и присутствие комических персонажей. Комедия же, с ее энергичной интригой, направленной против носителей социального зла, с неожиданной, никем не подстроенной и, в конце концов, разъяснившейся путаницей, грозившей благополучию семьи или счастью влюбленных, продолжает жить в творчестве великого множества современных драматургов и ставиться в театрах всего мира.

Причина неумирающего воздействия античной комедии на культуру нового времени состоит в том, что в древнегреческой и римской комедии впервые в европейской литературе получил художественное выражение самый принцип комического как один из способов мировосприятия. При огромной амплитуде разнообразнейших оттенков смеха – от добродушного, порой сочувственного юмора до беспощадной сатиры – трудно дать единую формулу, раскрывающую сущность комического во всех его проявлениях. Эстетическая мысль бьется над этим со времен Платона до наших дней. Все же наиболее общим свойством комического в художественном осмыслении мира следует, вероятно, признать стремление вскрыть несоответствие между внешним и внутренним, между претензиями комического героя и способом их реализации, между его «видимостью» и истинной сущностью. Разоблачение, ниспровержение такого героя является законом комического, который в этом смысле объединяет Аристофана и Плавта с Рабле и Мольером, с Гоголем и Щедриным.

Вряд ли кто-то из нас станет утверждать то, что наша жизнь исключительно комична или трагична. Однако существует место, где эти две крайности узаконены и где жизнь часто рассматривается через призму жанра. Это место – театр. Именно поэтому рассмотренные при написании реферата вопросы можно считать своевременными и актуальными.

Список использованных источников

Аристотель. Поэтика (отрывки). Пер. В.Аппельрота // Дератани Н.Ф. , Тимофеева. Хрестоматия по античной литературе. В 2 томах. Греческая литература. – М.: Логос, 2012.

Барт Ролан. Как играть античность. Пер. М.Зерчаниновой // Театр. – 2013 – №2. – С.50-52.

Веселое творчество в античных руинах // #”justify”>Годер Дина. Развод сегодня, как тысячу лет назад // Время новостей от 02.11.2009

Кун Н. Мифы и легенды древней Греции. Под редакцией Е.Родиной. – М.: Олма-МедияГрупп, 2011

Первая студия Вахтанговского театра открывается премьерой комедии Аристофана "Птицы"// #”justify”>Сенека. Медея (Отрывки). Перевод С.Соловьева. // Дератани Н.Ф., Тимофеева. Хрестоматия по античной литературе. В 2 томах. Т. 2 Римская литература. – М.: Логос, 2010.

Спектакль «Птицы» в Театре «Et cetera»// #”justify”>Сценические приёмы в постановке комедий// http://bravo-t.kiev.ua/afinskaya-dramaturgiya/255-scenicheskie-priyomy-v-postanovke-komedij.html