- Вид работы: Контрольная работа
- Предмет: Культурология
- Язык: Русский , Формат файла: MS Word 17,58 Кб
Художественный стиль ‘модерн’ в западноевропейской культуре
УРАЛЬСКАЯ АКАДЕМИЯ ГОСУДАРСТВЕННОЙ СЛУЖБЫ
КУЛЬТУРОЛОГИЯ
стиль модерн импрессионизм серебряный
КОНТРОЛЬНАЯ РАБОТА
Специальность: 030501. 65 "Юриспруденция"
Курган
Вопрос 1. Художественный стиль "модерн" в западноевропейской культуре 19-20 вв.
Модерн считается начавшимся, когда группа художников в знак протеста против официального академического искусства вышла из состава мюнхенской выставочной организации "Glaspalast". Отсюда происходит и название стиля Sezession ("отделение"), которое привилось в Австрии. В Чехии наиболее распространено название Secese. В Германии и Латвии он именовался Jugendstil ("молодой стиль"). Название Jugendstil возникло в связи с названием мюнхенского литературно-художественного журнала "Jugend", вокруг которого объединялось молодое поколение. В Англии – Modern Style Floreale ("современный стиль", "стиль модерн"); Modernismo – в Испании Во Франции новое движение распространялось под названием Art Nouveau ("новое искусство"). Свое название стиль получил в 1895 году в Париже, на открытии галереи "Maison de l` Art Nouveau". Ряд других названий, которые получил новый стиль – Style Liberty или Floreale в Италии (по имени владельца одного из мебельных магазинов), стиль Metro, или, по именам художников, стиль Орта (Horta); и, наконец, стиль Мухи – что лишь подчеркивало его широкое распространение и популярность.
Этот стиль достиг своего расцвета в 1900 году и почти весь цикл его жизни – зарождение, развитие, упадок – уместился в два десятилетия. Новый стиль характеризуют в основном волнистые кривые линии, которые выражают динамику в плоскости. Ни одного резкого движения, наоборот, движение спокойное, легко текущее. В формах – подчеркнутая асимметрия. Листья, цветы, стволы и стебли, так же как и контуры тела человека или животного с присущей им асимметрией являются руководством к действию и источником вдохновения.
Cвоим универсальным художественным рядом он охватил все разнообразные проявления современной жизни – от монументальной архитектуры, живопись, скульптуру, до всех видов прикладного искусства. Он проник в литературу, театр, танцы, музыку, овладел модой на одежду, прически и даже нашел отражение в жестах и формах общения людей.
В основе стиля – тезис, согласно которому форма в искусстве важнее содержания. Любое самое прозаическое содержание может быть представлено в высокохудожественной форме. Источником этой "новой формы" стали природа и женщина. Этому стилю свойственны изысканность, утонченность, одухотворенность, изменчивость. Из этого следовал определенный набор цветов – блеклые, приглушенные; преобладание плавных, сложных линий. Набор символов – причудливые цветы, морские редкости, волны.
Рассчитанные не на музейные залы, а на бытование в повседневной жизни произведения модерна – от архитектурных сооружений до ювелирных изделий, афиш и поздравительных открыток – активно вторгались в окружающую человека среду, в обыденное сознание обитателей этой среды, не только отражая сложную духовную атмосферу времени, но и заметно влияя на нее.
Тecнo cвязaн c мoдepнoм cимвoлизм, пocлyживший эcтeтикo-филocoфcкoй основой для мoдepнa, опиpaясь нa мoдepн кaк нa плacтичecкyю peaлизaцию cвoиx идeй. Все произведения эпохи модерна являются ярким примером сочетания коммерции и творчества. В этот период практиковалось понятие элитарного стиля, который, будучи созданием художника, ставился на конвейер производства, и который пытались сделать доступным каждому. Общедоступность красоты оказывается лозунгом времени.
Модерн в архитектуре
Идея синтеза искусств пронизывала модерн. Его основой виделась архитектура, объединяющая все другие виды искусства – от живописи до моделей одежды. Согласно основной концепции – архитектура здания, интерьер и вся обстановка помещений должны были составлять художественный единый ансамбль, зачастую осуществленный по проекту одного архитектора или художника.
Вместе с тем модерн наследует и развивает такие перспективные принципы архитектурной эклектики, как образование формы "изнутри наружу" со свободным ассиметричным построением плана и объема, чисто декоративную функцию декора, независимо от внутреннего пространства.
Фасады зданий модерна обладают в большинстве случаев динамичностью и текучестью форм, порой приближающихся к скульптурным или напоминающих органические природные явления.
Основоположником модерна в архитектуре принято считать Генри Ван де Вельде. Он выразил основную тенденцию стиля, влечение к орнаментальности, которая не только имела функцию украшения, но и становилась самой сущностью нового искусства.
Модерн в изобразительном искусстве
В живописи преобладающее значение получают панно, в скульптуре – рельефы. Для живописи модерна характерно сочетание декоративной условности орнаментальных ковровых фонов и натуралистической осязательности отдельных деталей или фигур, силуэтность, использование больших цветовых плоскостей, тонко нюансированной монохромии.
Примечательно, что среди лучших представителей этого стиля фактически нет широко известных художников. Модерн, в отличие от импрессионизма, стиль прежде всего дизайнерский. Он изначально направлен на привнесение искусства в частную жизнь человека, в первую очередь, мира вещей, его окружающих.
Интерьер в стиле модерн
Модерн ввел в дизайн интерьера принципиально новые декоративные элементы, отдавая им предпочтение перед конструктивными. В отделке большое внимание уделяется стилизованному растительному узору, гибким текучим формам; также здесь поражает необыкновенная связность всех элементов (мебель, керамика, металл, текстиль) – принцип, который ляжет в основу интерьерного стиля.
На изготовляемой в это время мебели появляются изгибы завитков, перемешанные с растительными формами, женскими масками с длинными распущенными волнами волос и пр. Тон мебели или светло-желтый, натуральный, или же светло-зеленый. Лакировка не употребляется, но дерево отделывается под воск.
Прикладное и станковое искусство
Модерн вообще появился во всем, к чему было приложимо понятие дизайна – мода, ювелирные украшения, мебель, посуда, вазы.
Книжное дело
В рамках модерна получила большое распространение книжная и журнальная графика, афиша и плакат. Выходило небывалое множество журналов и ревю в области искусства, которые пропагандировали стиль модерн: "Jugend" в Германии, "The Studio" в Англии, "Van Nu an Straks" в Бельгии, "Art et Decoration" во Франции, "Ver Sacrum" в Вене, "Juventut" в Барселоне и, наконец, "Volne srnery" в Праге.
Модерн закончился с началом Первой мировой войны в 1914 году. Крах всех положительных основ старого мира и всех надежд означал и конец этого стиля – последней попытки спасти мир с помощью красоты.
Вопрос 2. Импрессионизм и постимпрессионизм как живописные школы.
Весной 1874 года группа молодых художников-живописцев, включающая Моне, Ренуара, Сислея, Дега, Сезана и Берту Моризо, пренебрегла официальным Салоном и устроила собственную выставку. Подобный поступок уже сам по себе был революционным и рвал с вековыми устоями, картины же этих художников на первый взгляд казались еще более враждебными традиции. Реакция на это новшество со стороны посетителей и критиков была далеко не дружественной. Они обвиняли художников в том, что те пишут просто для того, чтобы привлечь внимание публики, а не так, как признанные мастера. Наиболее снисходительные рассматривали их работы как насмешку, как попытку подшутить над честными людьми. Потребовались годы жесточайшей борьбы, прежде чем эти, впоследствии признанные, классики живописи смогли убедить публику не только в своей искренности, но и в своем таланте. Всех этих очень разных художников объединила общая борьба с консерватизмом и академизмом в искусстве. [3] Импрессионисты провели восемь выставок, последнюю – в 1886 году. На этом собственно и заканчивается история импрессионизма как течения в живописи, после чего каждый из художников пошел своей собственной дорогой.
Одна из картин, представленных на первой выставке "независимых, как себя сами предпочитали называть художники, принадлежала Клоду Моне и называлась "Впечатление. Восход солнца. В появившемся на следующий день газетном отзыве на выставку критик Л. Леруа всячески издевался над отсутствием "сделанности формы" в картинах, иронически склоняя на все лады слово "впечатление" (impression), будто бы заменяющее в работах молодых художников подлинное искусство. Против ожидания, новое слово, произнесенное в насмешку, прижилось и послужило названием всего течения, поскольку оно как нельзя лучше выражало то общее, что объединяло всех участников выставки – субъективное переживание цвета, света, пространства. Стараясь максимально точно выразить свои непосредственные впечатления от вещей, художники освободились от традиционных правил и создали новый метод живописи.
Импрессионисты выдвинули собственные принципы восприятия и отображения окружающего мира. Они стерли грань между главными предметами, достойными высокого искусства, и предметами второстепенными, установили между ними прямую и обратную связь. Импрессионистический метод стал, таким образом, максимальным выражением самого принципа живописности. Живописный подход к изображению как раз и предполагает выявление связей предмета с окружающим его миром. Новый метод заставил зрителя расшифровывать не столько перипетии сюжета, сколько тайны самой живописи. Сущность импрессионистического видения природы и ее изображения заключается в ослаблении активного, аналитического восприятия трехмерного пространства и сведения его к исконной двухмерности холста, определяемой плоскостной зрительной установкой, по выражению А. Хильдебранда, "далевым смотрением на натуру, что приводит к отвлечению изображаемого предмета от его материальных качеств, слиянию со средой, почти полного превращения его в "видимость, внешность, растворяющуюся в свете и воздухе. Не случайно П. Сезанн позднее называл лидера французских импрессионистов Клода Моне "только глазом. Эта "отстраненность зрительного восприятия приводила также к подавлению "цвета памяти, т.е. связи цвета с привычными предметными представлениями и ассоциациями, согласно которым небо всегда синее, а трава зеленая. Импрессионисты могли в зависимости от своего видения небо написать зеленым, а траву синей. "Объективная правдоподобность приносилась в жертву законам зрительного восприятия. Например, Ж. Сера с восторгом рассказывал всем, как он открыл для себя, что оранжевый прибрежный песок в тени – ярко синий. Так в основу живописного метода был положен принцип контрастного восприятия дополнительных цветов.
Для художника – импрессиониста по большей части важно не то, что он изображает, а важно "как. Объект становится только поводом для решений чисто живописных, "зрительных задач. Поэтому импрессионизм первоначально имеет еще одно, позднее забытое название – "хромантизм (от греч. Chroma – цвет). Импрессионисты обновили колорит, они отказались от темных, земляных красок и наносили на холст чистые, спектральные цвета, почти не смешивая их предварительно на палитре. Натурализм импрессионизма заключался в том, что самое неинтересное, обыденное, прозаическое превращалось в прекрасное, стоило только художнику увидеть там тонкие нюансы серого и голубого.
Характерна краткость, этюдность творческого метода импрессионизма. Ведь только короткий этюд позволял точно фиксировать отдельные состояния природы. Импрессионисты были первыми, кто порвал с традиционными принципами пространственного построения картины, восходящими к Возрождению и Барокко. Они использовали ассиметричные композиции, чтобы лучше выделить заинтересовавших их действующих лиц и предметы. Но парадокс состоял в том, что, отказавшись от натурализма академического искусства, разрушив его каноны и декларировав эстетическую ценность фиксирования всего мимолетного, случайного, импрессионисты остались в плену натуралистического мышления и даже, более того, во многом это было шагом назад. Можно вспомнить слова О. Шпенглера о том, что "пейзаж Рембрандта лежит где-то в бесконечных пространствах мира, тогда как пейзаж Клода Моне – поблизости от железнодорожной станции.
С конца XIX – начала XX вв. разнообразные новые течения во французской живописи объединились под названием постимпрессионизм, который сознательно выступил против некоторых принципов импрессионизма. Постимпрессионизм повысил интерес к философским и символическим началам искусства. Художники этого направления не придерживались только зрительных впечатлений, а стремились свободно и обобщенно передавать материальность мира, прибегали к декоративной стилизации (П. Сезанн, Ван Гог, П. Гоген). К постимпрессионизму относится творчество А. Тулуз-Лотрека, который изображал на своих полотнах жизнь актеров, циркачей, певиц, танцовщиц.
Художники, которых в истории искусства именуют постимпрессионистами – Сезанн, Ван Гог и Гоген, – не были объединены ни общей программой, ни общим методом. Они начали работать параллельно с импрессионистами и испытали их влияние. В действительности же каждый из них представляет собой яркую творческую индивидуальность, каждый оставил свой собственный след в искусстве.
Одновременно с импрессионистами в 80-х гг. Во Франции выступает со своими картинами голландец Винсент Ван Гог (1853-1890), искусство которого теснейшим образом связано с развитием французской живописи. Обладая яркой самобытной индивидуальностью, Ван Гог выработал свою собственную живописную манеру. Человек напряженной внутренней жизни, обостренных чувств, художник не мог смириться с окружающей действительностью, полной противоречий и несправедливости. Образы его картин окрашены пессимистическими и тревожными настроениями. Любой портрет, пейзаж или натюрморт наполнен у Ван-Гога теми беспокойными чувствами, которые обуревали и его самого. Он достиг небывалого до сих пор в искусстве эмоционального воздействия цвета, динамичности мазка и линий, острой выразительности форм. При жизни Ван-Гога его картины не встретили признания и были высоко оценены лишь впоследствии.
Позднее признание получило и творчество Поля Сезанна (1839-1906). Опираясь на отдельные завоевания импрессионистов, он во многом отходит от них, создав свою особую манеру. Художник стремился найти постоянный, не зависящий от освещения в данный момент цвет изображаемого предмета. Сущностью его исканий была передача формы соотношениями красочных тонов. ‘Цвет лепит предметы’, – говорил Сезанн. Так, в ‘Натюрморте с персиками и грушами’ форма каждого предмета передана тончайшими градациями цвета, а композиционное расположение продуманно во всех деталях. Всё кажется материально ощутимым и объемным. Но, завоевав эти качества, живопись Сезанна утратила, однако, конкретность в изображении реальных предметов. Часто в его произведениях нельзя понять, какие именно фрукты изображены, какие взяты ткани, из чего сделан тот или иной предмет.
Поиски своего особого пути в искусстве характеризуют и творчество Поля Гогена (1848-1903). Подобно Ван-Гогу, он тоже хотел протестовать своим искусством против окружающей действительности. Но он не боролся с её пороками, а бежал от них. В1891 г. Гоген уезжает на Таити – один из островов Тихого океана. Художника пленяет экзотическая природа этого острова, а жизнь таитянских племен, нетронутых современной цивилизацией, привлекает его своей наивностью и чистотой. В картине ‘Таитянка, держащая плод’ силуэт женщины очерчен простыми и ясными контурами. Художник любуется её спокойным смуглым лицом, естественной грацией позы. Узор юбки напоминает форму ветвей и листьев над головой женщины. Гоген не стремится к оптической верности в передаче окружающего мира. Он пишет не столько то, что видит, сколько то, что хочет увидеть вокруг себя.
Модернизм (от французского. moderne новейший, современный) – художественно-эстетическая система, сложившаяся в 20-х гг. XX века, как своеобразное отражение духовного кризиса буржуазного общества, противоречий буржуазного массового и индивидуалистического сознания. Модернизм объединяет множество относительно самостоятельных идейно-художественных направлений и течений, различных по социальному масштабу и культурно-историческому значению (экспрессионизм, кубизм, футуризм, конструктивизм, имажинизм, сюрреализм, абстракционизм, поп-арт и другие), каждое из которых имеет определенную идейно-эстетическую и художественно-стилевую специфику, но вместе с тем обладает принципиальной философско-мировоззренческой и социокультурной общностью с другими. Становление модернизма как законченной художественно-эстетической системы и соответствующего типа миросозерцания было подготовлено такими его стадиями, как декадентство и авангардизм.
Эти общие тенденции для различных направлений и течений модернизма не исключают разнообразия их стилевых поисков. В крайнем своем воплощении формальные искания модернизма направлены на абстрактное отрицание предшествовавших художественных форм и основных эстетических принципов: изобразительности – в изобразительном искусстве (абстракционизм, поп-арт); звуковой организованности (мелодии, гармонии, полифонии) – в музыке (конкретная и электронная музыка); осмысленности художественной речи в словесном искусстве (дадаизм, сюрреализм), логики развертывания драматического действия – в театре (театр абсурда, хэппенинг) и т.д.
Формальные же изыски позднейших представителей модернизма (постмодернизм) нередко приводили к размыванию грани между эстетическим и внеэстетическим, прекрасным и безобразным, искусством и неискусством. Таким образом, модернизм в крайних своих проявлениях объективно приходит к самоотрицанию себя как искусства, эстетики, как явления культуры.
Авангард (-изм) – (франц. avantgardisme, от avant-garde – передовой отряд) Условное наименование художественных движений и объединявшего их умонастроения художников 20 в. для которых характерны стремление к коренному обновлению художественной практики, разрыву с её устоявшимися принципами и традициями (в том числе и с реализмом), поиски новых, необычных по содержанию, средств выражения и форм произведений, взаимоотношения художников с жизнью. В противоречивости движений авангардизма преломились острейшие социальные антагонизмы эпохи, отразились растерянность и отчаяние перед лицом общественных катастроф и стремление отыскать новые способы эстетического воздействия на реальную жизнь. Черты авангардизма в 20 в. проявились в ряде школ и течений модернизма, интенсивно развивавшихся в период 1905 – 30-х гг. (фовизм, кубизм, футуризм, экспрессионизм, дадаизм, сюрреализм, абстрактное искусство, ряд рационалистических течений модернизма и др.). Фактически это было движение, совершавшее переворот, но в 30-х годах угасает как популярное течение. Лишь после 2-й мировой войны 1939-45 в искусстве ряда стран Западной Европы и Латинской Америки наряду с укреплением позиций реалистически "ангажированного" искусства происходит оживление авангардистских тенденций. Возникает неоавангардизм, теперь уже полностью укладывающийся в рамки модернизма.
Основные представители этого течения в России – В. Малевич, В. Кандинский, М. Ларионов, М. Матюшин, В. Татлин, П. Кузнецов, Г. Якулов, А. Экстер, Б. Эндер и лругие.
Вопрос 4. Общая характеристика культуры Серебряного века в России.
Конец XIX – начало XX в. представляет собой переломную эпоху не только в социально-политической, но и духовной жизни России. Великие потрясения, которые пережила страна за сравнительно небольшой исторический период, не могли не отразиться на ее культурном развитии. Важной чертой этого периода является усиление процесса интеграции России в европейскую и мировую культуру.
Отношение к Западу для русского общества всегда было показателем ориентиров в его поступательном историческом движении. На протяжении столетий Запад представлялся не как определенное политическое, а тем более географическое пространство, а, скорее, как система ценностей – религиозных, научных, этических, эстетических, которые можно либо принять, либо отвергнуть.
Возможность выбора рождала в истории России сложные коллизии (вспомним хотя бы противостояние "никонианцев" и старообрядцев в XVII в.).
Антиномии "свое" – "чужое", "Россия" – "Запад" особенно остро сказывались в переходные эпохи. Конец XIX – начало XX в. был именно такой эпохой, и проблема "русской европейскости" приобрела в это время особый смысл, образно выраженный в известных строках А.А. Блока:
Мы любим все – и жар холодных чисел,
И дар божественных видений,
Нам внятно все – и острый галльский смысл,
И сумрачный германский гений…
Идеалы "русской европейскости", ориентирующие развитие русского общества по пути европейских культур, получают достойное воплощение в
просвещении, науке, искусстве. Русская культура, не теряя своего национального лица, все более обретала черты общеевропейского характера.
Возросли ее связи с другими странами. Это отразилось на широком применении новейших достижений научно-технического прогресса – телефона и граммофона, автомобиля и кинематографа. Многие русские ученые вели научную и педагогическую работу за рубежом. Самое же важное заключается в том, что Россия обогатила мировую культуру достижениями в самых разнообразных областях.
Важной чертой развития культуры рубежа веков является мощный подъем гуманитарных наук. "Второе дыхание" обрела история, в которой заблистали имена В.О. Ключевского, С.Ф. Платонова, Н.А. Рожкова и др. Подлинных вершин достигает философская мысль, что дало основание великому философу Н.А. Бердяеву назвать эпоху "религиозно-культурным ренессансом". Русский культурный Ренессанс создавался целым созвездием блестящих гуманитариев – Н.А. Бердяевым, С.Н. Булгаковым, Д.С. Мережковским, С.Н. Трубецким, И.А. Ильиным, П.А. Флоренским и др. Ум, образованность, романтическая страстность были спутниками их трудов. В 1909 г. С.Н. Булгаков, Н.А. Бердяев, С.Л. Франк и другие философы выпустили сборник "Вехи", где призвали интеллигенцию к покаянию и отречению от разрушительных и кровожадных революционных планов. Религиозно-философская мысль этого периода мучительно искала ответы на "больные вопросы" российской действительности, пытаясь соединить несоединимое – материальное и духовное, отрицание христианских догм и христианскую этику.
Конец XIX – начало XX столетия сегодня часто называют "серебряным веком". Это название также принадлежит Н.А. Бердяеву, увидевшему в высших достижениях культуры своих современников отблеск российской славы предшествующих "золотых" эпох. Поэты, зодчие, музыканты, художники той поры были творцами искусства, поражающего напряженностью предчувствий надвигающихся социальных катаклизмов. Они жили ощущением неудовлетворенности "обыденной серостью" и жаждали открытий новых миров.
Вопрос 5. За что постмодернизм критикует культуру модерна.
Для духовной основы Модерна характерны, прежде всего, три идеи – Разума, Прогресса и Эмансипации. Главное в этом триединстве – Разум, от него зависят и Прогресс, и Эмансипация. Что же в них можно опровергать, за что их критиковать? Важно понять, что постмодернизм беспощадно критикует не сами по себе разум, прогресс, эмансипацию, а их новоевропейскую версию, их просвещенческую (век Просвещения) определенность. Разум для постмодернизма плох тем, что он слишком, упрямо инструментален (занят в основном определением целерациональной эффективности человеческих деяний) и мало коммуникативен (любит монолог, а не диалог, игнорирует человеческую участливость, радость открытия, счастье взаимопонимания и т.п. "аффекты"), что универсальность в нем несовместима с локальностью и индивидуальностью.
В прогрессе постмодернизм не устраивает, прежде всего, его техногенность, имеющая мало общего с истинно человеческими претензиями к жизни:
с субъективной удовлетворенностью от нее;
с укреплением нравственности и морали;
с расширением возможностей для свободного и индивидуально позитивного выбора;
с экологически чистой средой обитания и т.д.
Прогресс действительно несет с собой массу отрицательных последствий; он всегда одно лечит, а другое калечит. Что касается эмансипации, то ее постмодернизм критикует за трудности совмещения индивидуальной свободы и общественного порядка, за то, что научное знание, увы, не освобождает от суеверий и предрассудков (в самых продвинутых странах полно астрологов, гадалок и прочих торговцев сверхъестественным), что вместе с развитием науки растут и силы, обогащающиеся за счет манипулятивного использовании ее приложений и модификаций (одни пиар-технологии чего стоят), за то, наконец, что обещанное эмансипацией освобождение человека от зависимости, угнетения и неравенства, так и не наступило. Таким образом, соблазнительно-благостные картины Разума, Прогресса и Эмансипации, ставшие исторической достопримечательностью Модерна, в условиях Постмодерна явно теряют свою привлекательность.
Сравнение модерной и постмодерной культурМодернПостмодернУниверсализмПартикуляризм (внимание к частному, местному, локальному) ФундаментализмНеукорененность, "плавающая реальность" (поверхностность) МакрофилияМикрофилияОбъективизмРелятивизмПорядок/определенностьАмбивалентностьТотализация (холизм) ФрагментацияЭпистемологияРиторикаТехноморфизмАнтропоморфизмМонологДиалог/ПолилогМонизмПлюрализмПредметный реализмТекстуальный реализмТерриториализация (топологическая, структурная и иная концентрация, или локализация, бытия) Детерриториализация (размывание границ, расшатыванеи структур и "порядков" бытия) Центростремительность бытияЦентробежность бытияИдентичностьИдентификация (постоянная смена идентичностей) Массификация (унификация человека) Индивидуация ("уникализация" человека) Оригинал"Совершенная" копияКомулятивный персонализм (развитие личности в рамках одного жизненного проекта) Дискретный персонализм (движение от одного жизненного проекта к другому) Социальная темпоральность (историчность, статистичность бытия) Индивидуальная темпоральность (ситуационность, событийная неповторимость) Производство товаров и услугПроизводство знаков и услугОбщество производства и потребленияОбщество досуга <#”center”>Список использованных источников и литературы
1.Берсенева А. Европейский модерн: венская архитектурная школа. Екатеринбург, 1991
2.Хабермас Ю. Модерн – незавершенный проект. "Вопросы философии", №4, 1992
.Л. А Рапацкая "Художественная культура России", Москва, "Владос", 1998
.Д.С. Лихачев "Русское искусство от древности до авангарда", Москва, "Искусство", 1992
.С.С. Дмитриев "Очерки истории русской культуры нач. XX в.", Москва, "Просвещение", 1985
