- Вид работы: Курсовая работа (т)
- Предмет: Культурология
- Язык: Русский , Формат файла: MS Word 2,79 Мб
Искусство минимализма в живописи и скульптуре
Искусство минимализма в живописи и скульптуре
Введение
Минимализм (англ. minimalism, лат. minimus – наименьший) – тенденция в современном искусстве, скульптуре, музыке, архитектуре, дизайне XX – XXI веков. Эстетическая тактика организации многочисленных необходимых компонентов здания, чтобы создать впечатление крайней простоты и четкой функциональности. По сути, является тенденцией и направлением, а не самостоятельным стилем.
Минимализм часто рассматривают как реакцию на эмоциональный взгляд художников абстрактного экспрессионизма – популярного течения в живописи в 40-50-х гг. Минимализм в своей сущности абстрактен, объективен и анонимен, он лишен какой-либо внешней декоративности и экспрессии жеста. Живопись минимализма способна пробудить возвышенное ощущение бытия, но, в основном, она монохромна и нередко воспроизводится в виде математически правильных решеток и линейных структур. Создавая геометрические формы, скульпторы-минималисты прибегают в своих работах к использованию промышленных материалов – стали, пенопласта, флюоресцентных трубок. В этом видна интеграция живописи в различные сферы бытия, в социум, а заметная связь с другими видами искусства – характерная черта развития живописи 20-ого века.
Актуальность курсовой работы: минимализм по прежнему востребован в современном исскустве. Накопленные научные представления нуждаются в чательной систематизации.
Цель курсовой работы – выявление специфики и отличительные черты минимализма в живописи и скульптуре как отдельного аспекта визуальной культуры и особенностей его развития под влиянием временных тенденций . Рассмотрение и изучение развития стиля минимализма.
Задачи курсовой работы:
Проследить историю и этапы развития минимализма в искусстве.
Рассмотреть развитие и влияние минимализма в живописи
Рассмотреть стиль минимализма живописи на примере Пола Стоун.
Рассмотреть и проследить развитие и влияние минимализма в скульптуре
1. История и основные этапы развития минимализма
.1 История развития минимализма
Минимализ – направление в искусстве, исходящее из минимальной трансформации используемых в процессе творчества материалов, простоты и единообразия форм, монохромности, творческого самоограничения художника.
Минимализм, как художественное течение, исходящее из минимальной трансформации используемых в процессе творчества материалов, простоты и единообразия форм, монохромности, творческого самоограничения художника возник в США в первой половине 60-х гг. Его истоки можно наблюдать в конструктивизме, супрематизме, дадаизме, абстракционизме, формалистической американской живописи конца 50-х гг., поп-арте. Отвергая классические приемы творчества и традиционные художественные материалы, минималисты используют промышленные и природные материалы простых геометрических форм и нейтральных цветов, малых объемов, применяют серийные, конвейерные методы индустриального производства. Артефакт в минималистской концепции творчества – определенный заранее результат процесса его производства. Непосредственным предшественником минимализма является американский художник Франк Стелла, представивший в 1959-60 годах серию «Черных картин», где превалировали упорядоченные прямые линии. Первые минималистские произведения появляются в 1962-63 годах, сам термин «минимализм» принадлежит Р. Уолхейму, вводящему его применительно к анализу творчества минимализма М. Дюшана и поп-артистов, сводящих к минимуму вмешательство художника в окружающую среду. Его синонимы – «прохладное искусство», «АБВ-искусство», «серийное искусство», «первичные структуры», «искусство как процесс», «систематическая живопись». Среди наиболее репрезентативных минималистов К. Андре, М. Бочнер, У Де Мариа, Д. Флэвин. С. Ле Витт, Б. Мэрден, Р. Моррис, Р. Раймэн. Их объединяет стремление вписать артефакт в окружающую среду, обыграть естественную фактуру материалов. Д. Жад определяет его как «специфический объект», отличный от классических произведений пластических искусств. Самостоятельную роль играет освещение как способ создания минималистских художественных ситуаций, оригинальных пространственных решений. Идея концептуальной предопределенности творчества процесса в минимализме получила развитие в концептуализме, представление об искусстве как действии, пространственно-временном опыте освоения окружающей среды оказалось созвучно американским течениям антиформы, саморазрушающегося искусства и пост-минимализма второй половины 60-х гг.
Художники США, углубляясь больше в трехмерное, а не в двухмерное, помогли минимализму стать основным и влиятельным значением нового искусства. Минималистические объекты: трубы, монолиты – ничего не означают, ничего не символизируют, кроме себя. Это мнимые произведения, которые должны возбудить скуку у зрителя. Наиболее яркий представитель этого направления – Тони Смит. Минимализм ограничивает пластическое выражение до самых элементарных структур. Множество скульптур Смита составлены из собранных вместе кубических коробок. Всемирно прославился британец Антон Церо использовавший в своих произведениях готовые балки. Смиту больше нравилось показывать свои работы под открытым небом, Царо – напротив, с удовольствием создавал закрытые пространства.
Исторически сложилось так, что минимализм никогда не существовал как отдельное направление в искусстве. Стиль минимализм получил широкое распространение в архитектуре, живописи, скульптуре, музыке, электронной технике и дизайне в целом.
Искусство минимализма в направление в живописи и скульптуре, сведено к своей основной сущности; оно чисто абстрактно, объективно и анонимно, лишено внешней декоративности или экспрессивного жеста. Живопись и графика минимализма монохромны и часто воспроизводят математически правильные решетки и линейные структуры. В то же время минимализм способен пробудить возвышенные чувства и ощущения бытия. Скульпторы- минималисты используют промышленные процессы и материалы, такие как сталь, пенопласт или флюоресцентные трубки, для создания геометрических форм. Также и минималисты-живописцы используют минимальную палитру, и по количеству и по насыщенности цветов. Художники утверждают, что минимализму отдают предпочтение, как правило, натуры творческие, философски мыслящие и самодостаточные. Отличается данный стиль наличием пустого пространства, в котором все четко скоординировано, имеет конкретное место и назначение. Пожалуй, одной из подходящих этому стилю характеристик можно считать законченность. Поводом к появлению термина послужило искусство геометрического абстрактивизма: мастеров группы Де Стиль Т. Ван Дусбурга и П. Мондриана, художников объединений «Абстракция- Сози-дание», «Золотое сечение», «Круг и квадрат». Символом минимализма явля-ется «Черный квадрат» К. Малевича (1915), как его назвал сам художник – «нагая икона нашего времени». Это произведение в формальном отношении можно расценить как след от трехмерной структуры – куба на плоскости, т. е. как минимализм формы. Минимализм в изобразительном искусстве означает отход от образного мышления (базирующегося на взаимодействии абстрактного и конкретного) в сторону оформительской деятельности.
В изобразительном искусстве минимализм прежде всего проявляется в тяге к использованию правильных геометрических элементов, повторению, доходящему до фрактальности, нейтральных оттенков и поверхностей, промышленных материалов и способах получения изображений и объектов (в том числе с помощью компьютерных программ).
Наиболее видными представителями направления являются Фрэнк Стелла, Карл Андре, Норман Карлберг, Мэл Бочнер, Дэн Флавин, Сол Ле Витт, Ричард Аллен, Тони Смит, Брайс Марден, Агнес Мартин, Роберт Моррис, Ларри Белл.
Основные признаки минимализма
Минимализму присущи простота и лаконичность форм и структур. Геометричность фигур – использование кругов, прямоугольников, прямых линий, иногда с мягким изгибом, но не спиралей. Минимальное количество цветов, сами цвета природной гаммы, часто светлые. Высокая функциональность.
Таблица 1. – Признаки минимализма
Вывод: В результате проведенного исследования была определена история возникновения, развитие и формирование в различных направления стиля минимализма. Развитие минимализма в живописи рассмотрю на примере Пола Стоуна.
2. Минимализм в живописи
Минимализм в живописи – направление искусства, при котором приоритетом становится лаконичность форм и простота.
Художники, использовавшие минимализм, стремились показать зрителю конкретику и натуральность произведения, чтобы он не отвлекался на композицию, детали и фон.
Первая известная работа, выполненная в стиле минимализма – скульптура, представляющая куб и сферу.
Ее установил в собственном саду философ и писатель из Германии Гете.
Подобная скульптура символизировала, как задумал автор, «уверенную и стабильную удачу».
Продолжением направления – минимализма стали работы Дюшана и Малевича.
Однако самостоятельным течением минимализм стал полвека назад.
Серия «Черных картин» американского художника Стелла, явила публике набор упорядоченных линий черного цвета.
Самыми великими художниками мира, использовавшими минимализм в живописи стали Раймэн, Ле Витт, Флэвин, Де Ма-риа, Бочнер и прочие.
Их стараниями минимализм стал отдельной веткой искусства.
Лаконичность форм вызывает зрительский интерес.
Вроде бы естественные формы ничего не означают, а каждый видит их особенно.
Что такое минимализм в живописи?
Отвергая классические приемы и традиции, минимализм использует природные материалы, применяют серийные методы промышленного производства.
Результатом производства стала концепция творчества – четко определенный результат.
Получив развитие в скульптуре, минимализм интерпретируется как способ экономии художественных средств.
Также минимализм нашел применение среди иных видов искусства.
Минимализм своими истоками относится к абстракционизму, дадаизму, супрематизму, конструктивизму, формалистической американской живописи.
Всех художников, использующих минимализм, объединяет стремление гармонично вписать в окружение артефакт, обыграть его естественную фактуру.
Самостоятельную роль минимализм отводит освещению, как способу выполнения минималистских ситуаций, дающих оригинальные решения пространства.
Для этого сейчас минимализм использует компьютерные варианты создания произведений.
Минимализм в живописи – идеи и инновации
Концептуальная предопределенность творческого процесса, которой отличается минимализм в живописи, получила дальнейшее развитие в течении концептуализма.
Оно представляет искусство действием, причем, основанным на пространственно-временном освоении среды обитания.
Это оказалось созвучно американским течениям противников формы, последователям саморазрушающегося искусства, а также пост минимализма, который распространялся в начале семидесятых.
Американские художники все больше углубляются в трехмерность, поэтому минимализм становится влиятельным значением современного искусства.
Минимализм отображает монолиты и трубы, которые ничего не символизируют, только себя.
Вывод: Всех художников объединяет стремление гармонично вписать в окружение артефакт, обыграть его естественную фактуру, они стремились показать зрителю конкретику и натуральность произведения, чтобы он не отвлекался на композицию, детали и фон.
2.1 Минимализм в живописи от Paul Stone
минимализм визуальный скульптура
Сегодня снова цвет в картинах, причем под большим акцентом. Американский художник Paul Stone демонстрирует настоящий минимализм в живописи, лишая свои работы большого количества деталей. Характерная черта его работ – крупные формы, залитые яркими цветами. Подробности анатомии его не волнуют. Задача – сформировать в картинах нужное настроение, и цвет для этого художник использует в полной мере.
Мне картины очень понравились, особенно относительно сотен других современных американских авторов. Сейчас в США многие художники увлеклись гиперреализмом, и на их фоне Paul Stone смотрится очень выигрышно. Живопись его имеет свою уникальную, узнаваемую манеру письма, в отличие от сотен гиперреалистов, чьи работы чаще всего невозможно идентифицировать.Stone родился в штате Вермонт (США), в городе Вестминстер. Рисовал с тех самых пор, как себя помнит. Картины пишет более сорока лет. Отучился в Дартмутском колледже и Университете Тафтса. Ныне известен своими яркими образами и пейзажами штата Вермонт. Помимо родного штата Paul пишет пейзажи побережья штата Мэн. Его вдохновляет игра света и цвета на формах вокруг, он часто выбирает объектом творчества амбары, парусники. В своем свободном применении цвета и широких мазков он достигает большого свечения в работах.Stone делает рисунки, небольшие наброски на пленэре, но большая часть его работы проходит в студии, где «сочиняются» будущие картины в форме эскизов. Студия позволяет ему сосредоточится на цвете и форме, создать визуальный эффект. Большая часть его работ выполнена маслом, но есть и акварельные работы.
Сам художник говорит, что черпает вдохновение из своего окружения, жизненного опыта и уважения к миру вокруг. Картины его не несут каких-либо полускрытых сообщений, они – полны сами по-себе и говорят сами за себя. Можно сказать, что они отражают присутствие человека в природе. Paul Stone старается передавать ощущение тех мест, которые он изображает. Иногда ему в этом помогают люди, а в иных случаях подсказывает дух места…
Картины Paul Stone находятся во многих частных и корпоративных коллекциях по всему миру. Постоянные экспозиции-распродажи находятся в нескольких галереях штатов Вермонт и Мэн (Рис. 1, 2, 3, 4).
Вывод: Пол Стоун демонстрирует настоящий минимализм в живописи, лишая свои работы большого количества деталей. Характерная черта его работ – крупные формы, залитые яркими цветами. Задача Стоун – сформировать в картинах нужное настроение.
3. Абстрактный минималзм в скульптуре
.1 Развитие простой формы в скульптурных практиках: от пионеров начала прошлого века до современных уличных художников
Наследие конструктивистов
Истоки экспериментов в создании пространственных композиций, собранных из обобщенных, изначальных форм, мы встречаем, конечно же, в практиках советских конструктивистов. Проект Памятника III Интернационалу Владимира Татлина, так называемые «пространственные конструкции» Родченко, дома Константина Мельникова, собранные из простых геометрических форм, -наследие, влияние которого распространилось на весь XX век и ощущается и сегодня. Визуальный язык конструктивистов до сих пор является мощнейшей силой, ведь он в свое время вобрал в себя исследование, на которое теперь, кажется, никто больше не готов решиться.
После того, как в начале 1930-х годов советское руководство фактически «задушило» дальнейшее развитие русского авангарда, а в Германии под натиском нацистов в 1933-м году был распущен Баухаус, мир в течение тридцати последующих лет как будто бы не испытывал потребности в исследовании, создании и обобщении изначальных форм. Все изменилось только в конце 1950-х, когда в США поднялась волна «новых минималистов» (Рис. 5).
Поиски формы в 1960-х
Принято считать, что минимализм в Штатах появился как реакция на господствующий в то время абстрактный экспрессионизм, сделавший Ротко, Поллока и Кунинга звездами международного масштаба. Зритель уже был готов согласиться с тем, что беспредметная живопись цветовыми пятнами и живопись действия имеют право быть включенными в мировую историю искусства, но вот появилось то, к чему зритель готов еще не был – лаконичность формы.
Одним из самых заметных представителей нового стиля в то время был скульптор Дональд Джадд. Отрывок из интервью, взятого у него в 1964-м году Брюсом Хутоном, может дать довольно ясное представление о том, как в то время общественность воспринимала минимализм.
«Я не понимаю нового геометрического искусства. Норман Мейлер из Нью-Йорк Таймс на днях жаловался, что вокруг нас все – прямоугольное. Кажется, все вокруг становится прямоугольным и упрощается, слишком упрощается.
Я могу говорить только за себя, назвать причины, по которым я занимаюсь минимализмом. То, что делаю я, никак не связано со старым геометрическим искусством, моя работа не геометрична в том, прежнем, смысле. Одна из причин, по которой мои работы являются геометричными, заключается в том, что я хочу видеть их простыми; также я хочу, чтобы они не были ни натуралистичными, ни фигуративными, ни экспрессивными.
Для начала хочу сказать, что мне не интересна экспрессия, которая выражается в расплескивании краски по холсту. Это имеет место быть, но это уже было, а я хочу создавать что-то новое. Мне не хочется заниматься тем, что очевидно и прямолинейно. Конечно же, я не говорю, что такие художники, как Ньюман, делают что-то не так, но при подобном подходе главное -сам момент работы художника с холстом. Мне же интересны более длительные взаимоотношения: при растянутом во времени взаимодействии ты и сам становишься сильнее вовлечен в то, что создаешь.
Другими словами, вы стремитесь воссоздать основу определенного направления своих мыслей? Можно сказать, вы этим как будто хотите приостановить волну повального увлечения абстрактным экспрессионизмом, которая сейчас захлестнула всю страну; остановить на минуту эти спонтанные всплески активности, которые доказывают, что выливать краску на холст может каждый.
На самом деле, вы можете сказать так практически о чем угодно, если только это что-то не сделано очень качественно. Но я не против абстрактного экспрессионизма, думаю, он не менее сложен и так же хорош, как и все, что было до него. Но, как всегда происходит в подобных случаях, он обрастает последователями, которые сводят его развитие на нет.
Расскажите об идее упрощения формы.
Обычно когда кто-то называет что-то слишком простым, это всего лишь значит, что люди смотрят на объект и не находят в нем тех элементов, к которым они привыкли. Они при этом не замечают и те элементы, которые там присутствуют. Простая форма может быть в достаточной степени комплексной. Когда зрители называют что-то слишком простым, они не могут обнаружить привычного сочетания цветов, композиционного равновесия, достигнутого массой отдельных элементов, в таком виде, к которому они привыкли. Важно, чтобы эта масса элементов, которую они не замечают, работала как одно целое, одним массивом, и по-настоящему этого достигают только в очень хороших работах. Все это не так просто, как вам кажется. Но если вы делаете параллелепипед, то линии сходятся там, где они в любом случае должны сходиться. Да, параллелепипеды по сути довольно просты. Всем четырем углам нужно сойтись. Но у вас есть четыре угла внутри формы и еще четыре – снаружи, а ведь это – просто пустой параллелепипед. Один из моих параллелепипедов повторяет себя несколько раз, и каждый последующий меньше предыдущего: там существует своя прогрессия, и если принимать ее во внимание, все немного усложнится. Я не считаю, что более простая по форме работа хуже по качеству.
Почему?
Я думаю, она должна быть сильнее по качеству. Сила воздействия работы – одна из причин, по которой обобщение формы уместно. Все должно работать вместе и сразу. Живопись прошлых лет – да, она работает в целом, но с гораздо меньшей интенсивностью, чем американское искусство последнего десятилетия» (Рис. 6).
Представители движения 1960-х
Диалог, приведенный выше, очень показателен: в то время, когда у абстрактных экспрессионистов был свой критик, Клемент Гринберг, в каждом новом тексте подводивший теоретическое обоснование под «выплескивание краски на холст», минималистам приходилось справляться самим. Конечно, там где появляется направление, появляется и критик, это направление обозначающий, однако в случае с минимализмом можно найти лишь не зависимые друг от друга тексты не равнодушных к этому течению людей.
Глядя на работы минималистов, зритель зачастую не мог ответить на вопросы: «Что это?» и «Зачем это сделано?», понять задачи и мотивы автора. На этом этапе и появлялись трудности с восприятием простой формы: ведь исследовать ее можно, только поверив художнику и поверив в то, что здесь вообще есть во что верить. Таким образом, теоретическое обоснование было более чем необходимо.
Обратимся к эссе о творчестве скульптора Кеннета Снельсона ,которое в 1968-м году написал Стефан Курц Снельсон, исследуя атомные решетки, проводил эстетический и структурный анализ. В первом случае он получал элементы для дальнейшей формовки, во втором – точку отсчета для развития своей художественной системы. Эта система включала в себя принцип движения от частного к общему: исследование первичных элементов, их дальнейшая сборка и создание уникальных снельсоновских структур. В эссе Курца не раз встречается выражение «эстетический выбор»: именно это в общих чертах позволяет понять мотивы и ход поиска Снельсона.
Художники-минималисты занимались исследованием своего поля, формируя альтернативу не только ташизму (tachisme, от франц. tache – «пятно»; течение в западноевропейском абстракционизме 1950-1960-х годов, получившее наибольшее распространение в США – прим.ред.), но также и коммерческому поп-арту. К середине 1970-х структурный минимализм становится художественным языком левого крыла молодых европейских художников, которые таким образом отвергли работу с символами правящих элит (Рис. 7).
Эльсуорт Келли
Американский художник и скульптор Эльсуорт Келли родился в 1923-м году в США. Живет и работает в городе Спенсертауне, штат Нью-Йорк. Номинально относится к минималистам, развивал так называемую «живопись цветового поля» и «живопись жестких контуров». Его скульптуры являлись продолжениями поисков в живописи, в то же время образуя с ними одно общее направление. Вы можете узнать больше о Эльсуорте Келли, прочитав статью на Википедии (Рис. 8).
Шарлотта Позенески
Шарлотта Позенески, 1930-1985) была немецким скульптором-минималистом, которая в 1968-м году сменила род деятельности и посвятила себя социологии. Несмотря на это, ее работы выставляются в галереях по сей день, а в 2009-м году была опубликована ее монография.
Щарлотта работала с промышленными объектами: трубами, алюминиевыми блоками. Ее подход с налетом дадаизма – попытка эстетического поиска в рамках городских структур (Рис. 9).
Никола Каррино
Итальянский скульптор Никола Каррино родился в Таранто в 1932-м году. Живет и работает в Риме. Его работы выставляются с 1952-го года. До 1992-го он преподавал скульптуру в Академии Изящных Искусств. В 1967-го он создает скульптуры для общественных пространств, а с 1969-го работает над модульными скульптурами.
Хотя его часто сравнивают с Джаддом, итальянца отличает стремление к вторжению массивных брутальных форм в городскую среду. Каррино, размещая свои стальные произведения, стремится к тому, чтобы они гармонировали и дополняли пространство (Рис. 10).
Форрест Майерс
Форрест Майерс родился в 1941-м году в Лонг-Бич, США. В 1958-1960 годах учился в Институте Искусств Сан-Франциско, после чего в 1961-м переехал в Нью-Йорк.
В 1970-е годы занимался околооккультными исследованиями формы, хипповал и тяготел к поиску формаций, гармонирующих как с природой, так и с индустриальной средой. Помимо масштабных скульптур, Майерс создавал мебель и инсталляции. Вы можете узнать больше о Форресте Майерсе, посетив его сайт и прочитав одно из его интервью на английском языке (Рис. 11).
Тони Смит
Тони Смит родился в 1912-м году в США в семье ирландских католиков, которые занимались производством инструментов. В раннем детстве он заболел туберкулезом и жил в отдельной комнате под присмотром медсестры, собирая различные объекты из упаковок от лекарств.
В 1940-е Смит работал архитектором и разрабатывал проекты модульных домов, которые можно производить промышленным способом. С 1934-го он рисовал и писал картины, в 1950-е занимался абстрактной живописью и дружил с Джексоном Поллоком, Марком Ротко, Клиффордом Стиллом и Барнеттом Ньюманом.
После автокатастрофы в 1961-м году Смит начинает делать небольшие модели скульптур, основынные на кубах и тетраэдрах. В 1962-м году он создает свою первую стальную скульптуру «Черная коробка».
Работы Смита напоминают сильно увеличенные формовки из картона. В сущности, они ими и являлись, так как прототипы для своих монументальных работ скульптор создавал из картона и фанеры. В 1967-м он попал на обложку журнала Time под заголовком «Мастер монументов».
В отличие от других художников, которых критики причисляли к минималистам, Смит использовал более динамичные формы и говорил, что его работы – это проводники духовного, которые находятся на грани реальности. Тони Смит умер в 1980-м году в возрасте шестидесяти восьми лет. Вы можете узнать больше о Тони Смите, прочитав статью на Википедии и посмотрев большую подборку его работ (Рис.12).
Джон Генри
Американский скульптор Джон Рэймонд Генри родился в Лексингтоне, штат Кентукки, в 1943-м году. В 1961-1969 годах обучался в различных университетах США, а с 1970-х годов занимал различные должности в советах директоров разных компаний. С начала двухтысячных занимается преподавательской и кураторской деятельностью. Генрни является автором самой высокой скульптуры в США: ее высота составляет около тридцати метров.
В своих работах, состоящих из металлических блоков, сваренных между собой и выкрашенных открытыми цветами, Генри обращался к вопросам гравитации и невесомости. Он хотел, чтобы у зрителя менялось ощущение касательно реального веса его скульптур. Вы можете больше узнать о Джоне Генри посетив его сайт ( Рис. 13).
Кипп Лайман
Американский скульптор и художник Кипп Лайман родился в 1929-м году в городе Доббс Фэйри, штат Нью-Йорк.
Лаймана вдохновляли художники De Stijl и конструктивисты: исследуя форму в этом направлении, он приходил к еще большей структурности и упорядоченности. Открытые цвета – это и дань уважения Мондриану, и модное течение 1960-х.
Из-за трудностей с транспортировкой вместо монолитных металлических конструкций Лайман стал использовать листовую сталь, скрепленную болтами. Многие его скульптурные произведения расположены в кампусах американских учебных заведений и других общественных пространствах. Вы можете узнать больше о Киппе Лаймане, посетив его сайт, страницу на Википедии и группу на Flickr (Рис. 14).
Скульпторы-минималисты сегодня
Нельзя сказать, что среди современных уличных художников многие работают с первичными формами в пространстве. Вопрос, почему это так, открыт. Что касается эстетической стороны дела, сложно не согласиться с тем, что приход к обобщению основан на продолжительной исследовательской и практической работе с формой. Она требует больших энергозатрат, так как достичь четкости в передаче смысла подобными средствами сложно. Простая форма должна быть тем выразительнее, чем больше элементов она успела в себя вобрать до слияния в один элемент. Подобное движение требует от автора вдумчивого анализа.
Кристиан Чаплицки, также известный под псевдонимом Truth, родился в 1984-м году во Вроцлаве. Там же в 2004-2009 годах он учился на факультете дизайна в Академии изящных искусств. Помимо создания скульптур и инсталляций в общественных пространствах, Кристиан участвует в различных выставках и фестивалях. В рамках одного из проектов несколько лет назад он побывал в Москве.
Сегодня Кристиан является одним из заметных уличных художников, легально и нелегально создающих скульптуры в общественном пространстве. Он интегрирует в окружающую среду различные элементы, лишая их первоначального назначения – это приводит к некоторому диссонансу в восприятии зрителя. Кроме того, он создает базовые формы, встраивая их в городскую инфраструктуру, а также ведет диалог с природой, привнося в нее знаки урбанистического завоевания.
Польская журналистка Эва Латшинска-Видж подробно проанализировала работы Кристиана: «Работая с городским пространством, Truth создает инсталляции в местах, которые выбирает интуитивно: вы уже не сможете отделить работу от ее окружения, она проникает в городскую среду, как паразит. Все его проекты, независимо от размеров, не случайны в своей пластике. В противовес городскому визуальному шуму, они – суть попытки разговора об идеальной форме и работают как напоминания о потерянной чистоте городского пространства. Очаги утопически идеального представления об урбанистическом ландшафте, они разрушаются согласно скорости движения самой среды: первоначальная форма исчезает, рассыпаясь на части и загрязняясь средой, и потому документация процесса является для художника неотъемлемой частью исследования.
Все его проекты предстают инородными телами в той среде, в которую их помещают. Гранитный брус, зажатый с двух сторон массивами застывшего бетона, вторгается в пространство леса, противопоставляя свою искусственно отточенную форму дикому окружению. Идеальные формы параллелепипедов и квадратов, невозможные в органической среде, ставят перед нами этические вопросы о возможности слияния двух измерений» (Рис. 15).
К уличным художникам-минималистам мы можем отнести и итальянца Манилэсса, который родился в 1980-м году в Милане. Своим псевдонимом он красноречиво подтверждает выбор используемых материалов.
По словам итальянца, он отказывается взаимодействовать с потребительской системой и привлекать какие бы то ни было средства для создания произведений уличного искусства. Среди тех, кто оказал влияние на его творчество, он называет советских конструктивистов. В основе развития визуализаций Манилэсса лежал отказ от затертого стиля художников граффити, рисовавших на улицах Италии в середине 2000-х: это было движение «от противного», которое привело к полному отказу от пятна в пользу чистой линии. Сегодня, по словам художника, его пространственные конструкции являют собой материализацию «чистой идеи, как ее описывал Платон», противопоставленную привычному миру; это – некие твердые и одновременно полые тела, выходящие за пределы стен и самостоятельно существующие в окружающем пространстве (Рис. 16).
Испанский уличный художник Скоунт также не скрывает увлечения конструктивизмом. Вот, что он говорит о своих работах: «Важной составляющей конструктивизма была демонстрация контроля над окружающей средой. Это -вызов, который они бросили природе. Мои геометрические поиски приглашают зрителя проанализировать, в каких отношениях со средой мы находимся сегодня. Каждая моя скульптура – маленький манифест очевидности того, насколько активен индивид в своем взаимодействии с ней. Мои скульптуры – первые слова в уважительном диалоге с природой, и они призывают зрителя этот диалог продолжить» (Рис. 17).
Вывод: Сегодня мы как никогда воспринимаем мир как дробящийся, разлетающийся на части организм. Тысячи визуальных образов, проходящих сквозь нас ежедневно, оставляют ощущение полной расфокусировки. Кажется, что только цельное массивное пятно способно привлечь внимание и породить вопрос, что оно здесь делает и почему до сих пор не было ассимилировано средой. Большие однородные объемы, существующие вне экосистемы и создающие внутри себя собственную систему, заключают в себе невероятные возможности перегруппировки привычного нам восприятия. Но чтобы случались подобные поиски формы и чтобы случались находки, человек, занимающийся искусством, должен в начале сам пройти этап своей собственной перегруппировки.
Заключение
В ходе рассмотрения данной темы было сформулировано, что Минимали́зм – направление в искусстве, исходящее из минимальной трансформации используемых в процессе творчества материалов, простоты и единообразия форм, монохромности, творческого самоограничения художника.
Согласно задаче номер 1 необходимо было проследить историю и этапы развитие минимализма в исскустве. Была определена история возникновения, развитие и формирование в различных направления стиля минимализма.
Согласно задаче номер 2 необходимо было рассмотреть развитие и влияние минимализма в живописи. Было выявлено, что всех художников объединяет стремление гармонично вписать в окружение артефакт, обыграть его естественную фактуру, они стремились показать зрителю конкретику и натуральность произведения, чтобы он не отвлекался на композицию, детали и фон.
Согласно задаче номер 3 необходимо было рассмотреть минимализм в живописи Пола Стоун. Было выявлено, что он демонстрирует настоящий минимализм в живописи, лишая свои работы большого количества деталей. Характерная черта его работ – крупные формы, залитые яркими цветами. Подробности анатомии его не волнуют. Задача Стоун – сформировать в картинах нужное настроение.
Согласно задаче номер 4 необходимо было рассмотреть и проследить развитие и влияние минимализма в скульптуре. Были выявлены простые формы в скульптурных практиках. Рассмотрено развитие и изменение минимализма в работах скульпторов начала прошлого века и современных уличных художников.
Список использованных источников
. #”883258.files/image002.gif”>
Рис. 1
Рис. 2
Рис. 3
Рис. 4
Рис. 5
Рис. 6
Рис. 7
Рис. 8
Рис. 10
Рис. 11
Рис. 12
Рис.13
Рис.14
Рис. 15
Рис. 16
Рис. 17
1.
