- Вид работы: Дипломная (ВКР)
- Предмет: Культурология
- Язык: Русский , Формат файла: MS Word 33,78 Кб
Использование различных материалов в современной станковой живописи
МИНИСТЕРСТВО ОБРАЗОВАНИЯ И НАУКИ РОССИЙСКОЙ ФЕДЕРАЦИИ
«НИЖНЕТАГИЛЬСКИЙ ГОСУДАРСТВЕННЫЙ СОЦИАЛЬНО-ПЕДАГОГИЧЕСКИЙ ИНСТИТУТ (филиал)
федерального автономного государственного образовательного учреждения высшего профессионального образования
РОССИЙСКИЙ ГОСУДАРСТВЕННЫЙ ПРОФЕССИОНАЛЬНО-ПЕДАГОГИЧЕСКИЙ УНИВЕРСИТЕТ»
НТГСПИ (ф) РГППУ
Факультет художественного образования
Кафедра художественного образования
Выпускная квалификационная работа
ИСПОЛЬЗОВАНИЕ РАЗЛИЧНЫХ МАТЕРИАЛОВ В СОВРЕМЕННОЙ СТАНКОВОЙ ЖИВОПИСИ
Исполнитель: Воробьева Е.Н
Нижний Тагил 2015
Оглавление
Введение
Глава 1. Абстрактный экспрессионизм и его развитие
.1 Абстрактный экспрессионизм второй половины XX века
.2 Неоэкспрессионизм. Творчество Жан-Мишель Баския, Георга Базелица, Нейтана Оливьера
Выводы к главе
Глава 2. Описание творческой части дипломной работы (серия работ «FANCY»)
.1 Использование различных материалов в современной станковой живописи
.2 Собственный поиск выразительных средств, в живописной композиции за период обучения
.3 Описание творческой части дипломной работы от замысла до завершения
Выводы к главе
Заключение
Список литературы
Приложение
Введение
На протяжении всего времени художники пытались запечатлеть красоту окружающего мира в своих произведениях. Постоянно прибывая в поиске выразительных средств, материалов. В XX веке происходит переворот в сознании художественной мысли. Художники стремились выразить в картинах свое эмоциональное состояние, от страха до эйфории. Во второй половине ХХ века появляется большое количество разных стилей, направлений, техник живописи. Одним из наиболее сложных и противоречивых направлений в художественной культуре первых десятилетий XX столетия является абстрактный экспрессионизм. Художник желает, превыше всего, выразить себя. Душа художника служит ему фильтром. Все впечатления и образы проходят через человеческую душу освобождаются от всех условностей и всего нанасного. Мастер художественными способами выражает сильные эмоции, и само это выражение эмоций, общение посредством эмоций становится основной целью создания произведения. На примере творчества художников абстрактного экспрессионизма: Жан-Мишель Баския, Георга Базелица, Нейтана Оливьера можно проследить за основными тенденциями данного направления. Каждый из представителей, посредством эксперимента с различными материалами и техниками создал свой неповторимый стиль, манеру письма.
Актуальность выбранной темы заключается в том, что на протяжении нескольких десятилетий абстрактный экспрессионизм остается востребованным в искусстве. Студенты художественных заведений, в частности студенты, которые обучаются на факультете художественного образования НТГСПИ, все чаще обращаются к использованию различных материалов и техник в своих творческих живописных работах. И именно, благодаря свободе во всем, свободе передачи своей мысли и чувств, воле создания своего собственного стиля, у данного течения появляется множество сторонников, в том числе и я.
Объект исследования: Абстрактный экспрессионизм в современной художественной среде.
Предмет исследования: Синтез различных материалов в современном искусстве и неоэкспрессионизме.
Цель данной работы – создание абстрактных живописных композиций с использованием различных материалов.
Работа велась в двух направлениях – теоретическом (исследовательская часть) и практическом (абстрактные живописные композиции с использованием различных материалов).
Для решения поставленной цели необходимо решить ряд задач:
1)изучение и анализ литературы по абстрактному экспрессионизму;
2)поиск в социальных сетях приверженцев абстрактного экспрессионизма;
3)знакомство с творчеством Жан-Мишель Баския, Георга Базелица, Нейтана Оливьера;
4)эксперименты в техниках и материалов, в ходе выполнения живописных композиций;
5)создание работ на протяжении четырех лет, поиск своего собственного стиля;
6)показать возможности смешанной техники: коллаж, живопись акриловыми и маслеными касками с использованием графических материалов;
7)организация и выполнение творческой части дипломной работы с её описанием;
8)проанализировать проделанную работу, подвести итоги.
Выпускная квалификационная работа состоит из двух частей: теоретической и практической. Пояснительная записка представляет собой: введение, две главы, заключение, список литературы и приложения.
В первой главе абстрактный экспрессионизм рассматривается с исторической стороны – говорится о появлении течения, сообщается о том, как развивался абстрактный экспрессионизм, кто был родоначальником. Кратко рассматривается основные тенденции абстрактного экспрессионизма. Рассказывается о неоэкспрессионизме, о творчестве представителей данного направления (Жан-Мишель Баския, Георг Базелиц, Нейтан Оливьера).
Во второй главе рассматриваются основные материалы применяемые в современной станковой живописи. Рассказывается о моем поиске выразительных средств в живописных композициях. Глава содержит описание творческой части проекта: описание ведения работы над живописной композицией, раскрытие и обоснование общего замысла, этапы развития данного замысла, описание использованных техник.
Заключение содержит в себе окончательные выводы по теме работы.
Творческая часть представляет собой серию из трех живописных работ, написанных с применением смешанной техники – синтеза живописных и графических материалов.
Практическая значимость выпускной квалификационной работы заключается в личном формировании потенциала для успешной будущей художественной деятельности.
Для данного исследования, была изучена специальная литература, которая позволила расширить знания по истории искусств, предоставила возможность более творчески, свободнее подойти к выполнению дипломной работы.
При составлении теоретической части использовалась следующая литература:
.100 художников XX века.- Екатеринбург: «Урал ЛТД», 1996. -216с,: ил. Справочно-библиографическое издание представляет очень подробную биографию художников XX века.
.Барбара Хесс. Абстрактный экспрессионизм./ пер. с анг. Борис Л. – М.: «Арт-Родник», 2008. – 96с.: ил. Этот труд раскрывает сущность абстрактного экспрессионизма в искусстве и рассказывает о творчестве художников данного направления. Обилие иллюстративного материала позволяет лучше вникнуть в суть излагаемого текста.
.Немчинова Л.Е. Абстрактный экспрессионизм. – СПб.: «Государственный Эрмитаж», 1999.- 200с.: ил. Автор раскрывает особенности абстрактного экспрессионизма XX века в Америке, здесь описаны основные особенности направления и рассказано о творчестве представителей данного направления. Также представлен богатый иллюстративный ряд.
.Шедевры искусства XX века. – М.: «АСТ», 1997 – 511с.: ил. В книге коротко и емко описаны разные направления живописи и рассказано о творчестве знаменитых художников ХХ века.
Глава 1. Абстрактный экспрессионизм и его развитие
1.1Абстрактный экспрессионизм второй половины XX века
Абстрактное искусство – уникальное явление мировой художественной культуры, которое появилось в результате создания новых эстетических и живописных концепций, соединения интернациональных исканий. Это искусство эпатировало публику, которая была не в силах прочитать художественные «послания», не видела смысла в пересекающихся линиях и цветных пятнах, не понимала содержания беспредметных художественных композиций. [кандинскийc.776].
Одной из форм проявления абстрактного искусства становится «абстрактный экспрессионизм», который дал миру новое поколение художников.
Абстрактный экспрессионизм сформировался в Америке. Словосочетание «абстрактный экспрессионизм» впервые появилось в 1919 году на страницах берлинского журнала Der Sturm в статье немецкого искусствоведа Э. фон Зюдова. Применялось оно для обозначения некоторых аспектов искусства экспрессионистов. В 1929 году Альфред Барр впервые применил этот термин для характеристики ранних работ Кандинского, который и считается прямым родоначальником данного направления в живописи.
Все произведения написанные в этом жанре отличаются особым выражением своего внутреннего мира в сумбурных формах, не сформированных логическим мышлением. Все самые яркие чувства и эмоции человека, такие как: страх, радость, гнев, боль, страсть и страдание выплескиваются художниками на свои полотна. Можно по-разному относиться к их творчеству, но сам жанр, бесспорно, достоин внимания и изучения. Манеры письма самые разные – от традиционной работы кистью до нанесения красок только шпателем, разливания их из банок, выдавливания из тюбиков, разбрызгивания из пульверизатора и т. п. Соответственно многообразны и возникающие цветовые структуры и по форме, и по цвету (от монохромных до резкого, бьющего по нервам буйства красок, не имеющего никаких аналогов в природе или в традиционной живописи). Разнообразен и спектр воздействия работ абстрактных экспрессионистов – от медитативных огромных почти монохромных (с еле заметными тоновыми флюктуациями) полотен Марка Ротко до бьющих по психике огромных черных символических иероглифов Пьера Сулажа или шокирующих глаз и психику зрителя «диких» по яркости, пластике и синтаксису полотен голландца Карела Аппеля». [3, с. 267] (см. Приложения 1-3)
В стремительном ритме художники покрывали поверхность холста крупными энергичными мазками, в буквальном смысле слова выплескивая на него потоки «свободно струящегося цвета». При этом нередко прибегали к приему дриппинга (разбрызгивание краски или выдавливание из тюбика), изобретателем которого был Дж.Поллок. Этот экспрессивный метод письма считался не менее важным, чем само произведение, поэтому процесс создания картины часто происходило публично. Перед зрительской аудиторией разыгрывался целый спектакль, в котором жесты и движения художника играли такую же активную роль, как и потоки краски, падающие и разливающиеся по холсту.
Основополагающим в этом течении была спонтанность живописного метода, способного освободить и запечатлеть образы подсознания. Внутри течения не было единообразия: одни художники стремились к чистой абстракции, другие стремились сохранить в своих произведениях биоморфные формы.
Понятие абстрактного экспрессионизма укрепилось за достаточно широким, стилистически и технически пестрым полем абстрактной живописи, получившей бурное развитие в 50-е гг. в США, Европе, а затем и во всем мире. В абстрактном экспрессионизме выделяют такие направления, как «ташизм» – французская параллель – живопись пятнами; «живопись действия»; информель (фр. art informel). [5]
Принципиальный отказ от изображения мира, принцип создания картины как самостоятельного объекта, особой реальности, механизма или организма, имеющего свою структуру, свой порядок форм, не зависимый от зрительного впечатления, лежащего в основе обыкновенной живописи. Некоторым вариантом этого тезиса является утверждение так называемой живописи действия, что она создает не предмет, а действие, которое «ничего не изображает, кроме самого себя». [рейнгардт с 206]
Термин «живопись действия» был придуман американским критиком Гарольдом Розенбергом в 1952 году. Он провозгласил, что в работах Поллока живопись преобразуется в экзистенциальную драму, в которой хотя «на холсте нет изображения, но присутствует событие … это жест освобождения от ценностей политических, эстетических, моральных». Дриппинг был одним из методов так называемой «живописи действия», или «живописи жеста». Единственная функция искусства по Розенбергу – движение, действие, которое выполняет сам художник. Живопись действия отрицала традиционно окрашенную поверхность картины – краска накладывалась на бумагу или полотно, как след свободного жеста, произвольного движения руки. Считалось, что бессознательное действие – это отражение характера художника, запечатлённое и выложенное на холст. Этот стиль был широко распространен до начала шестидесятых годов ХХ века и являлся едва ли не визитной карточкой абстрактного экспрессионизма (некоторые критики употребляли как синонимы термины «живопись действия» и «абстрактный экспрессионизм»). Впоследствии принципы живописи действия в США развивали постживописные абстрактные направления (hard-edge, color-field).
Другим стилем абстрактного экспрессионизма, получившим широкое распространений в США, стала «живопись цветового поля» яркими представителями которого были Марк Ротко, Барнетт Ньюман, Роберт Мазервелл и Эд Рейнхардт. (см. Приложение 4)
Особый размах движение абстрактного экспрессионизма получило в пятидесятые годы, когда во главе его встали художники Джексон Поллок, Марк Ротко и Виллем де Кунинг. На арт-арену выходит новое поколение абстрактных экспрессионистов – Альфред Лесли, Сэм Френсис, Джоан Митчелл, Хелен Франкенталер, Сай Твомбли, Милтон Резник, Майкл Голдберг и Грейс Хартиган. Абстрактным экспрессионистом называла себя и минималистка Агнес Мартин (см. Приложение 5)
Для молодых советских художников, воспитанных в традициях академической системы и материалистического видения мира, открытие абстракции означало возможность изображения личных переживаний. В своё время американские исследователи позиционировали активное продвижение абстрактного импрессионизма, как «жест освобождения от ценности политической, эстетической, моральной». Молодые живописцы СССР вместе с осмыслением нового для них искусства строили собственные формы сосуществования с властями или противостояния им. Рождался андеграунд, и среди художников-неформалов было широко распространённым обращение к абстрактному искусству.
Первым неформальным художественным объединением периода «оттепели», развившим принципы абстрактного искусства, стала студия «Новая реальность», собравшаяся вокруг Элия Михайловича Белютина. Изначально студия функционировала как курсы повышения квалификации при Горкоме художников-графиков.
На протяжении почти тридцати лет – с конца 1950-х по 1988 год – собственный стиль абстрактного творчества разрабатывал художник Евгений Михнов-Войтенко, уникальный мастер по диапазону использованных методов. Он известен потрясающими экспериментами в области живописи и декоративно-прикладного искусства. Наследие художника включает графику, картины, выполненные в смешанной технике, маслом, пастелью, соусом, нитроэмалью, гуашью, пастерой, а также произведения из дерева, стекла, металла, пенопласта. (см. Приложение 6)
-е годы подтвердили особенный «русский путь» беспредметного искусства. С точки зрения развития мировой культуры абстракционизм как стилевое направление завершился раньше, но в постперестроечном российском обществе только теперь возникла потребность в более глубоком знакомстве с абстрактным искусством, появилось желание увидеть не бессмысленные пятна, а красоту пластической игры.
Абстрактное искусство по сей день используется художниками, оформителями, дизайнерами, в театре и кино и во многих других арт-проектах.
Абстрактное искусство абсолютизировало эстетическую значимость цвета и абстрактной формы и тем самым в целом значительно сузило изобразительно-выразительные возможности живописи. В дальнейшем возможны только вариации тех или иных приемов, методов и способов живописи, уже имевших место в истории искусства, но не какие-либо принципиально новые открытия.
.2 Неоэкспрессионизм. Творчество Жан-Мишель Баския, Георга Базелица, Нейтана Оливьера
Неоэкспрессионизм – направление в современном искусстве, возникшее в конце 1970 и занимавшее доминирующее положении на рынке живописи до середины 80-х. Связано с течением лирической абстракции в Америке, живописью нового образа, и возникло как реакция на концептуальное и минималистическое искусство 70-х. Неоэкспрессионисты вернулись к образности, фигуративности, живой и эмоциональной манере, ярким насыщенным цветам. Художники вновь обратились к выразительным возможностям экспрессионизма, создавая каждый раз глубоко индивидуальный стиль, часто заряженный агрессией и нервным напряжением. Для живописи неоэкспрессионистов характерна спонтанность исполнения, необработанные материалы, масштабность, экстатичность трактовки. Иногда в произведениях появляются самые неожиданные материалы: битое стекло, текстиль, песок, солома. Неоэкспрессионизм – это тенденция в творчестве определенных художников США и Европы, особенно Германии. В своей работе, я бы хотела обратиться к творчеству Жан-Мишель Баския, Георга Базелица, Нейтана Оливьера.
Жан-Мишель Баския
Одним из ярких представителей неоэкспрессионизма в мировом масштабе является американский художник Жан-Мишель Баския. Это был удивительный человек, создавший за свою непродолжительную, но очень насыщенную жизнь множество уникальных работ. В подростковом возрасте парень начал увлекаться граффити (graffiti) – искусством настенных рисунков и надписей. В Баския и его друг Al Diaz начали рисовать граффити на стенах зданий в Нижнем Манхеттене, подписываясь «SAMO» или «SAMO shit». Изображения состояли из содержательных фраз, смысл которых сложно перевести на русский . Его творения даже стали предметом статьи в издании «Village Voice», а вскоре кто-то из друзей посоветовал талантливому пареньку заняться живописью профессионально . (см. Приложение 7)
«Я не думаю об искусстве, когда я работаю. Я стараюсь думать о жизни» говорил художник о своем творчестве.
Баския сохранил свой нервный стиль, подсказанный граффити, но приправленный референциями на темы классического искусства. Это влияние можно проследить на многих его работах особенно в раннем периоде творчества. Творчество Баския можно условно разделить на три периода. Первый период с 1980 по 1982 он часто изображает скелеты и маскообразные лица, в чем выражается его необычайный интерес к смертности. Другие наиболее частые образы: автомобили, здания, полиция, игры детей на тротуаре и граффити, пришедшие из его опыта рисования на улицах города. (см. Приложение 8-9)
На волне растущей популярности современной живописи в 1980-х Жан-Мишель неожиданно попал в мэйнстрим. Говорили, что на его картинах едва успевала высыхать краска, как на них уже находился покупатель. Его примитивная, несколько детская и непосредственная манера рисования привлекала именно своей естественностью, а, кроме того, он имел и еще один несомненный в то время плюс – был чернокожим.
Средний период, с конца 1982 по 1985 год отмечен интересом Баския к его гаитянским корням. (см. Приложение 10-11)
В 1982 Баския познакомился с Энди Уорхолом и они вместе создали много совместных работ. Они работали вместе, влияли на творчество друг друга. Баския увлечен работами, но, даже проводя все свое время в студии с Энди, он всегда возвращался домой и продолжал рисовать в одиночестве. Баския показывает Уорхолу примеры своих работ, и Уорхола потрясают рисунки молодого художника. Они становятся друзьями. Именно Энди ввел его в самое сердце богемной артистической среды. Их дружба кажется символичной – как старейшина авангарда, Уорхол дает Жан-Мишелю несколько хороших советов относительно продажи работ. Уорхол по-отечески относится к Баския, дает советы о здоровых привычках и упражнениях. На вопрос, как Уорхол повлиял на молодого художника, Баския ответил: «Я теперь все время ношу чистые брюки». С 22-го февраля 1988 года, после смерти своего близкого друга, Энди Уорхола, Жан-Мишель погрузился в депрессию и изолировал себя от окружающего мира. (см. Приложение 12)
Последний период, с 1986 до смерти в 1988, отмечен новой манерой и новыми образами. (см. Приложение 13-14) Его карьера не продлилась и десяти лет – с 1979 по 1988; за это время Жаном-Мишелем Баския было создано несколько сотен картин и тысячи рисунков, лучшие из которых заняли свои места в таких галереях, как Музей Уитни (Whitney Museum of American Art) и Бруклинский музей (Brooklyn Museum). Сегодня работы Жан-Мишеля – одни из самых дорогостоящих в мире.
Одно из ярких, на мой взгляд, произведений Жан-Мишель Баския триптих «Зайдеко».(см. Приложение 15)На примере этой работы можно проследить за особенностями живописи Баския. Произведение исполнено непосредственной жизненной энергии. Очерки предметов и силуэты фигур нанесены быстрым движением воскового карандаша и частично заполнены красным или желтым пигментом. В некоторых местах краска свободно стекает, в других – переписывается и затирается. На основе своего опыта с граффити в Нью-Йорке Баския иронически обыгрывает концепцию «наивного» творчества, показывая стереотипы, сложившиеся в негритянском искусстве.
Искусство Баския излучает жизненную энергию – он работал быстро, и рисовал везде, на всех поверхностях, которые его окружали – и своей бесконечной привлекательностью оно во многом обязано легенде о спонтанности художника, не сдерживаемой самоцензурой. За свою недолгую жизнь Баския приобрёл известность и популярность, оставив свой след в истории искусств.
Георг Базелиц
Немецкий художник, график и скульптор, по праву называемый одной из основных фигур неоэкспрессионизма. С первых же картин Георг выработал собственный и неповторимый стиль. В своих работах Базелиц стремился к дальнейшей разработке предметной живописи. Базелиц экспериментировал с предметной живописью. Правда, зеркально точное отражение окружающего мира его не интересовало – он тяготел к искаженному изображению действительности. Базелиц изображал фигуры в таких провокационно эксгибиционистских позах, что пресса написала об одной из его выставок как о "скандале, равного которому в этом районе Берлина не было со времен окончания войны". Картины "Большая ночь в бадье" и "Обнаженный человек" (обе – 1963) были запрещены к показу как непристойные. (см. Приложение 16)
В 1958 году Базелиц выехал из ГДР в Западный Берлин. Десятки лет спустя он создал серию работ под названием "Русские картины" (1998 – 2005). Она отражает мотивы навязываемой художнику в свое время гэдээровской пропаганды и является красноречивым объяснением тому, почему художник оставил ГДР.
Георг Базелиц всегда стремился найти свой путь в искусстве. Ему был чужд как реализм художников ГДР, так и абстрактный экспрессионизм западногерманских мастеров, находившихся под влиянием американской живописи послевоенного периода. Кумирами Базелица были основоположники немецкого экспрессионизма из арт-группы "Мост" и тяготевший к импрессионизму немецкий художник Ловис Коринт .
Базелиц стремился к созданию такой живописи, которая служила бы "сама себе", а не передаче содержаний. Таким образом, изображаемые предметы служат у него всего лишь фоном для живописи. Свою цель художник сформулировал таким образом: "Реальность – это сама картина, но совсем не то, что на картине"; в 1969 в работе "Лес на голове" он выразил свой отказ от содержательных аспектов. Скупыми экспрессивными штрихами он разворачивает мотив изображения на 180 градусов. Траектории нанесения красок показывают, что Базелиц писал свои картины в стиле "движения вокруг оси". (см. Приложение 17)
Главным рубежом его творческой зрелости можно считать вторую половину 1960-х годов. В это время появились так называемые «Франкфуртские картины», где человеческие фигуры и предметы оказываются разделенными и тем самым «размываются» их изначальные значения. Изображаемые предметы выступают в качестве фона для живописи. Свою цель художник сформулировал таким образом: «Реальность – это сама картина, но совсем не то, что на картине». (см. Приложение 18)
Начиная с 1970-ых годов, Георг Базелиц стал одним из выставляемых художников современности. Его картины постоянно появлялись в лучших галереях Гамбурга, Амстердама, Сан-Паоло и других культурных центров мира.
В 1990 году состоялась выставка Базелица в Национальной галерее Берлина. Далее последовали крупные выставки в Нью-Йорке, Вашингтоне и Лос-Анджелесе. За свои заслуги перед современным искусством Георг Базелиц удостоился нескольких престижных премий.
Его "перевернутые" картины знает весь мир. Наиболее яркой является картина «Лес на голове» С конца 1960 гг. его фирменным приемом стал "перевернутый образ" (изображение фигур вниз головой). Произведение эмоционально, яростные мазки широкой кистью, яркий желтый цвет, нестандартная пластика формы. Краска намазана несдержанно, грубо, неаккуратно, с потеками. (см. Приложение 19)
Композиции Базелица построены на несоответствиях и асимметрии. Манера письма предельно нетрадиционна. Все произведения энергичны по характеру письма, передают зрителю энергичность и эмоциональность. Картины, манифесты и успех Базелица вдохновили большое количество художников.
В 1980-ых годах успех этого талантливого человека рос с каждой новой выставляемой картиной. Многие мечтали заполучить себе в коллекцию картины одного из неординарных и экстравагантных художников современности.
Звездный художник редко дает интервью журналистам. Правда, недавно он сделал исключение для немецкого журнала Spiegel. В беседе с его корреспондентом Базелиц признался, что сейчас работает над созданием черно-белых полотен, но вообще мечтает о том, чтобы написать невидимую картину, сообщает информационное агентство dpa. Предполагается, что невидимость будет достигнута путем закрашивания сюжетов слоями черной краски. Как отмечает Spiegel, только столь выдающийся художник, как Базелиц, может себе позволить подобное: скрыть от глаз публики свое мастерство. Потому что каждому доподлинно известно, на что он способен.
Нейтан Оливьера
Американский живописец, скульптор, родился в Окленде, штат Калифорния. С конца 1950-х Оливьера был участником почти ста персональных и групповых выставок, в важных музеях и галереях по всему миру. Он учился в студии искусства на протяжении нескольких десятилетий. Преподавал в Калифорнийском колледже искусств. У Оливьера был свой неповторимый стиль, художник любил импровизировать. Тематика его произведений чрезвычайно разнообразна: он создал образы животных, хищных птиц, человеческих голов, масок, фигуру человека, натюрморты и пейзажи. Колорит картин Оливьера поражает ярко окрашенные фоны и мрачные, массивные фигуры.
Материалы, используемые для произведений Оливьера разнообразны: масло, акрил, рисунки на бумаге, тушью, углем и карандашом, литографии, гравюры, плакаты.
Оливьера стал художником в бурлящей творческой среде, которая сделала Сан-Франциско магнитом для поэтов, джазовых музыкантов и художников в конце 1940-х и начале 1950-х годов. Почти по умолчанию он был причислен к фигуративной школе района залива, – группе художников, члены которой впитали в себя уроки абстрактного экспрессионизма, но вернули человеческие фигуры и пейзажи в своих полотнах. Оливьера бравировал кистевым стилем нанесения краски. Его абстрагированные фигуры и пейзажи демонстрируют родство с мрачным видением европейских художников, таких, как Оскар Кокошка и Эдвард Мунк, или более современных авторов, таких, как Альберто Джакометти и Фрэнсис Бэкон, которые разделяли его чувства человеческого конфликта и экзистенциальной тоски.
Нейтан Оливьера очень увлекательный автор. Пластически – очень интересен, хоть и довольно типичен для своего времени. В первую очередь, потрясает его фантастическая работа с цветом. Именно цвет выражает чувственность и передает настроение. (см. Приложение 20-21)
Выводы к главе
Изучив материал можно сделать следующие выводы:
Абстрактный экспрессионизм, который соединил идеи абстрактного искусства со спонтанностью творческого процесса, продолжил «освобождение» искусства от контроля разума и логических законов. Целью художника при таком творческом методе является спонтанное выражение своего внутреннего мира, подсознания в хаотических формах, не организованных логическим мышлением.
Во второй половине XX века абстрактный экспрессионизм становится своего рода международным движением в искусстве, захватывая практически все континенты.
У художников была полная свобода в выборе выразительных средств и материалов, свобода говорить все.
Особенности направления «неоэкспрессионизм» прослеживаются в творчестве наиболее ярких и неординарных представителей Жан-Мишель Баския, Георг Базелиц, Нейтан Оливьера.
Изучение основных тенденций абстрактного экспрессионизма, и в частности, направления неоэкспрессионизм, помогло в выборе темы творческой части дипломной работы и выборе технологий создание живописных композиций.
Глава 2. Описание творческой части дипломной работы (серия работ «FANCY»)
.1 Использование различных материалов в современной станковой живописи
К современной живописи эксперты относят все направления, возникшие на рубеже 1960-70-х годов и существующие до нашего времени. С данного периода художники обращают свой поиск от образов к средствам выразительности. Зарождаются большие технические возможности и новые техники.
Если обращаться к направлению абстрактный экспрессионизм, то для художников главным является экспрессивность. Их техника – рисование в быстром темпе, большими кистями и на больших полотнах, капая и проливая краски на холст. По их мнению, только таким образом можно достичь предельного выражения чувств и эмоций.
Искусство живописи древнее искусство с богатым прошлым и интересной историей. Живопись развивалась вместе с развитием человеческой культуры. Искусство живописи впитывало в себя новые взгляды и мысли, новые достижения технического прогресса, новые тенденции в развитии общественного сознания. На смену старым порядкам приходили новые методы и подходы для создания полотен. Появлялось множество различных материалов, что помогало художником вырабатывать новые выразительные техники и приемы.
В своей работе мне бы хотелось проанализировать основные этапы создания произведений, используемые материалы, и техники.
Нельзя говорить о том, что художник сочиняет изображение полностью, то есть он его воображает. Каким бы нереальным представлялась выдуманная картина, она все равно соткана из кусочков реальных объектов. Мы не можем представить себе вещь, у которой нет основы или копии в нашей жизни.
Наши эмоции, впечатления, события, происходящие в нашей жизни, бесконечно наполняют наше воображение, становятся хранилищем представлений об окружающем мире. Воображение рождает образы, толчком к созданию которых могут послужить совсем отвлеченные предметы. Именно воображение главный инструмент мастера и первоначальный этап создания произведения.
Следующим важным этапом является основа, на которой пишет живописец, так как она в значительной мере определяет прочность, технику и стиль живописи. Основы могут быть следующими: доска ,картон, холст, бумага, металл, фанерный планшет, штукатурка. Для каждой основы необходима особая грунтовка. Задача грунтовки – уровнять, сгладить поверхность основы, чтобы помешать связующим веществам всасываться в основу, а кроме того, участвовать своим тоном в колорите картины.
Основные материалы живописи:
Живопись гуашью (поскольку в качестве основного материала художник использует бумагу, характерную для графических видов изобразительного искусства – классифицируется и как графика; об этом говорит и применение последней для создания монохромных произведений);
Акварельная живопись (техника акварели различна, некоторые приёмы ближе к живописи, некоторые – к графике; поэтому неслучайно в тезаурусе присутствует такой оборот: «рисовать акварелью»);
Живопись пастелью (к этой технике справедливо замечание аналогичное тому, что высказано относительно предшествующей);
Живопись маслом – одна из самых универсальных изобразительных техник. Наиболее распространенный и популярный способ живописи занял достойное место благодаря многовековым традициям и широчайшим возможностям, неисчислимому богатству оттенков, звучной хроматической гамме и множеству других причин. Каждый живописец, как правило, вырабатывает собственную манеру, обретает свою технику и цветовую палитру, однако существует базис знаний о материалах, приспособлениях и секретах ремесла.
Живопись акрилом;
Смешанная или комбинированная живописная техника – это неисчислимые варианты сочетаний разных материалов и приемов. Живописная работа может быть выполнена на любой основе: на бумаге или камне, на шёлке или штукатурке, на холсте или металле – и в каждом варианте могут быть тысячи новых вариантов. Свободу художника-живописца ограничивают только способности и предпочтения. Cмешанная техника – это всегда эксперимент, смелый художественный ход. В смешанной технике используется все: масло, акрил, гуашь, бумага, песок, карандаши, опилки, пастель, ткань и все, что вашей душе угодно. Как наиболее свободная из всех видов живописи, смешанная техника не имеет четких правил и установок, какие материалы использовать, как их применять и в какой последовательности.
Приступая к живописи, необходимо понять само слово «живопись», которое можно трактовать как призыв – живо писать. Живое письмо, живое действо кисти – это очень важный момент: художник проявляет свою индивидуальность, свой темперамент. Техника для художника – это та совокупность живописного изображения, без которой оно практически неосуществимо.
В некоторых случаях трудно бывает отделить живопись от графики. Как говорилось выше, представители абстрактного экспрессионизма сочетали живописные (масло, акрил) и графические материалы (восковые мелки, уголь, мел, карандаш). Так же, представители абстрактного экспрессионизма переняли технику коллажа. В некоторых работах можно заметить, как создается образ, складывается не столько путем склеивания, сколько путем наложения, наслоения. В коллажах находит выражение способность к синтезу и реконструкции.
Если говорить о средствах художественной выразительности в живописи, то важным является – цвет, его способность вызывать различные чувства, ассоциации, усиливает эмоциональность изображения. Живопись способна передавать на плоскости объем, открывать сложный мир человеческих чувств и характеров, воплощать идеи. Так же важным и неотъемлемым средством художественной выразительности является пятно, фактура и характер мазка.
В XX в. продолжается поиск новых красок и технических средств создания живописных произведений.
На сегодняшний день границы абстрактной живописи иногда довольно сложно определить. Технические приёмы заимствуются, интегрируются и переходят из одного течения в другое. Художники пытаются выйти за грани жанров и видов искусства. Диапазон выразительных средств неограничен. К тому же это способ противопоставить себя официальной, академической школе живописи. В современной живописи существует масса различных техник с использованием различных материалов. Самым интересным и любопытным в работе художника является – эксперимент, возможность соединять различные техники. Концептуальным принципом современного искусства становится принцип абсолютной свободы творчества.
Серая действительность, лицемерие общественных отношений, жестокость людей вызывали у художников отторжение, страх, боль. Эти чувства и переживания находили выражения в смазанных линиях, противоречивых цветовых композициях, грубых и широких мазках. Упор делался на контрастные цвета и абстрактные формы, чтобы вызвать у зрителя глубокое эмоциональное восприятие. Даже банальные пейзажи под кистью экспрессионистов принимали совсем другую форму и эмоциональный окрас. Использовались различные материалы, для достижения художником нужного эффекта. «Сумасшедшие» эксперименты в материалах, рождали шедевры.
Говоря о экспериментах с материалами и техниками, нельзя не вспомнить, известного американского художника, представителя абстрактного экспрессионизма Джексона Поллока. Постепенно Поллок оставляет традиционные живописные техники и начинает использовать революционные методы, которые стали предметом бурных дискуссий и, в конечном итоге, принесли ему всемирную известность. Он отказался от традиционного подрамника, расстилая холст на полу своей мастерской. Вместо того чтобы писать кистью Поллок разбрызгивал краску прямо из банок («дриппинг»), работал мастихином и ножом, примешивал в краску песок и толченое стекло. Пламенеющий колорит, далекий от реальных природных цветов, и нервный мазок наполняют полотна трепещущей жизненной энергией. Однако в полотнах Поллока, как бы ни были они густо «заляпаны», чувствуется забота о декоративном распределении красок, о сочетаемости пятен, а значит, контроль со стороны автора, сознательность построения композиции.
В конце 1947 года, рассказывая о своем творческом методе в одном из художественных журналов, обычно скупой на слова Поллок становится необычайно красноречивым. "Мои картины не дружат с мольбертом, – сообщал в той статье Поллок, – я никогда не натягиваю для них холст. Вместо этого я предпочитаю писать на ненатянутом холсте, просто расстеленном на полу… Это очень удобно. Я могу подойти к картине с любой стороны, а при желании – даже "войти" буквально внутрь полотна. Приблизительно в той же технике творили свои земляные узоры американские индейцы". И далее – по существу: "Я отвергаю традиционные для художника мольберт, палитру, кисти и прочие художественные приспособления. Я иду дальше, Я предпочитаю писать палками, ножами, мастерком, я выливаю краску прямо из банок на холст, иногда оставляя ее жидкой, а иногда работая в технике импасто с использованием песка, битого стекла и прочих под ручных материалов". Завершает художник свой рассказ рассуждением о взаимосвязи сформулированного им творческого метода с возникающими при этом визуальными образами: "Создавая картину, я совершенно не задумываюсь о том, что я делаю. То, что у меня получилось, я начинаю понимать только спустя некоторое время, как бы заново знакомясь со своим произведением. При этом я не боюсь вносить поправки, корректировать образы и так далее, поскольку все это диктует мне сама картина, живущая своей собственной, не зависящей от меня, жизнью. Я всего лишь стараюсь сохранить контакт с ней, я помогаю ей проявить свою сущность. Если мне не удается сохранить этот контакт, то на холсте возникает хаос; если же мы продолжаем хорошо понимать друг друга, то все элементы полотна приходят в состояние гармонии, сквозь которую начинает проступать тайный смысл изображения". «Метод художественного письма естественным образом вырастает из потребности. Я хочу выражать мои чувства, а не изображать их. Техника – это всего лишь средство, позволяющее сформировать художественное высказывание… Я могу контролировать поток краски: случайностей здесь не бывает, равно как нет ни начала, ни конца» отзывался о своем творчестве Поллок.[]
Сохранились фотографии которые открывают его творческую лабораторию.(см. Приложение 22) Искусствовед Адриан Серль сравнил "капельную живопись" Поллока с "актом творения". А мы, становясь свидетелями работы мастера над "Осенним ритмом", имеем возможность увидеть акт творения. Немат вспоминал: "Поллок неистовым движением выплескивал на холст краску, а затем, словно в трансе, двигался вдоль полотна, яростно высматривая место, куда будет брошено следующее пятно. Неожиданно он застывал, хватал краску и вновь лил ее на полотно. Глядя на него, я чувствовал, что мои руки начинают дрожать от волнения". Фильм «Снятый Нематом» в полной мере подтверждает эти свидетельства.
Поллок хотел, чтобы чувство ритма и цвета изливалось из художника подобно дождю. Для этого употреблял и нехитрую технику – поливание лежащего на полу полотна краской из продырявленной банки. Хаосу, получавшемуся из цветных пятен и полос, должен был придать единство «скрытый смысл». Поллок, так же как и остальные абстракционисты, видел в своих экспериментах выявление извечных законов природы, проявлявшихся в этих спонтанных действиях с помощью струй краски.(см Приложение 23-25)
В наше время художники не перестают экспериментировать с материалами , находить новые возможности, совмещать самые не сочетаемые техники, сквозь поиск стремится к созданию своего собственного стиля. Только по средствам проб, художник находит те материалы, и те выразительные средства, которые более четко и плодотворно помогают ему вывернуть свои чувства и эмоции наружу. Живописные и графические материалы – это лишь инструмент, а как его применять решает сам художник.
.2 Собственный поиск выразительных средств, в живописной композиции за период обучения
Быть художником – это большой вызов, и это означает, что у тебя есть миссия в жизни, ты должен всё время исследовать, изучать и прибывать в поиске. Моя история началась четыре года назад, с поступлением в НТГСПИ. Процесс обучения зависит от того, что больше нравится студенту. Каждая дисциплина формируют часть большого целого – собственного стиля. Академический рисунок и живопись, позволяет изучить форму, строение, осознать предмет в пространстве, понять цветовую окраску предметов. Обучает расчленять предметы на отдельные конструкции, геометрические тела.
Такая дисциплина, как скульптура учит пространственному мышлению, передачи объема предмета, создание рельефа.
Основой, на мой взгляд, является композиция – построение произведения. Составление, соединение сочетание различных частей в единое целое в соответствии с какой-либо идеей. Воплощая замысел, опираться, прежде всего, на свое образно-зрительное представление о будущей картине. Но в период обучения очень полезно использовать схемы (конструктивно разобранные выдающиеся произведения искусства), так как они помогают найти соотношения различных частей картины или рисунка, уяснить общую структуру композиции. Эти схемы имеют вспомогательное значение. Постепенно, приобретая опыт, уже строишь композиционные схемы только мысленно.
На специализациях (графика и живописная композиция), в первую очередь дается свобода студенту: свобода техник, материалов, композиций, идей. Именно сначала изучения, данных дисциплин у меня начался поиск выразительных средств. Поиски по средствам создания эскизов, более успешных композиций. Различные эксперименты с графическими и живописными материалами.
Больше всего меня заинтересовала смешанная техника, применение одновременно или поочередно различных методик нанесения изображения. Обычно применяют сходные по свойствам материалы. По сути дела смешанная техника это эксперимент. Как наиболее свободная из всех видов живописи, смешанная техника не имеет четких правил и установок, какие материалы использовать, как их применять и в какой последовательности. Каждый художник, если ею пользуется, разрабатывает свою собственную технологию. Комбинирует живописные материалы (масло, акрил) и графические (карандаш, восковой карандаш, тушь). Каждый раз, экспериментируя получаешь различные эффекты. С накоплением опыта художник хорошо знает материал и находит свою собственную комбинацию различных материалов и техник, что помогает ему создать картину внешнего мира, состояния души, показать ту или иную эмоцию зрителю. Художники прибегают к смешанной технике по разным причинам: для создания необычных эффектов, для увеличения скорости работы. В любом случае, художники всегда будут смешивать – краски, жанры, виды искусства. Ведь это и есть творчество.
Если говорить об идеи моих работ на протяжении всего времени обучения, можно отметить следующее, мое творчество – это интерпретация, способ передачи фантазий, переживаний на холст посредствам изображения фигуры человека или абстракции. Фигура всегда привлекала мое внимание, думаю потому, что в этом могу непосредственно выразить свои чувства и взгляды, и придать телу любую форму. На мой взгляд, нет "уродливой" или "красивой" натуры. Каждый находит свое прекрасное, порой даже в том, что большинство считает безобразным. Постоянное сомнение и поиск идеала и есть суть моих работ. Наверно, это и является целью творчества, сомневаться, создавать свою собственную действительность независимую от общественного мнения. Пытаться выразить чувства, явления природы, эмоции, с помощью собственного характерного способа. Искажение форм в пространстве, придавая этому свое измерение.
На начальных этапах обучения произошло моё непосредственное знакомство с различными живописными и графическими техниками и материалами, с их особенностями, возможностями.
Первой неотъемлемой ступенью был поиск поверхности для изображения. Поиск более удобного, выгодного для меня материала, с учетом манеры письма, техник и используемых материалов. Правильно выбранная художником основа под картину во многом влияет на качество, свободу и легкость проведения творческого процесса.
Краткое описание основ, используемых в моем творчестве и выделение более практичного варианта:
·Холст. В качестве основы для масляной живописи используются холсты. Обычно из льняной, конопляной или хлопчатобумажной ткани. Лично для меня основным недостаткам холста является, невысокая механическая прочность (его можно продавить, порвать).
·Картон. Для небольших работ, особенно этюдов, эскизов, очень удобно использовать картон. Он легок и удобен в использовании, имеет ровную поверхность, которую не нужно предварительно шлифовать. Однако картон имеет и существенный недостаток: он при сравнительно больших размерах легко коробится и может ломаться.
·Бумага. Для подготовительных эскизов и этюдов бумага является незаменимым материалом. Больше подходит для красок на водной основе и графических материалов.
·Фанера. Многослойная доска. Качественная фанера изготавливается из березы, красного дерева и тополя, древесина которых представляет собой гладкий и прочный материал. Одна сторона фанеры имеет грубую фактуру, а другая гладкую – эту сторону можно зачистить наждачной бумагой до превосходного состояния, подготовив ее для грунтовки клеевым раствором. Фанера обычно имеет толщину от 0,7 до 1,3 см. Если какой-либо из размеров превышает 45 см, ее, как показывает практика, следует укрепить деревянным каркасом. Для меня это более практичный вариант. Фанера отличается своей прочностью, что дает возможность использовать все материалы и техники. Обеспечивает полную свободу в манере письма.
Следующим важным звеном является грунт. Хорошо загрунтованный холст или фанера делает поверхность более прочной, однородной и износостойкой.
Вытекающим последующим этапом, является подбор инструментов для создания большей выразительности. Почти все мои работы большие по формату, поэтому я использую широкие малярные кисти, мастихин, валики, шпатель. Если говорить о материалах в живописной композиции, то границ не существует. Одной из целей моего творчества, является стирание границ между живописью и графикой. Что касается образного языка изображения и выразительных средств, их поиск осуществлялся в течение не одного года методом проб и ошибок, выполнения работ в разных техниках, с разными целями. Основной техникой в моем творчестве, является смешанная техника, синтез графических и живописных материалов, с применением коллажа. Техника коллаж представляет не только новизну и неожиданность сочетаний выразительных средств, множественность приемов, отличающих коллаж, но и демонстрирует, как коллаж воплощает и отражает сам принцип художественного мышления.
В ранних работах, я производила изучение материалов, исследовала его возможности. Пробовала применять различные техники, как самостоятельно, так и комбинировать их между собой, добиваясь большей выразительности. Активным художественным средством выступает цвет. В основном все работы выполнены в монохромном варианте, с добавлением ярких контрастных цветов, которые призваны выразить агрессивность современной среды. Ритм темных и светлых пятен задает композиционную структуру холста.
Серия работ «Фигура», была первым моим экспериментом. (см. Приложение 26) В работах я сочетала живописные материалы (масло, акрил) и графические (карандаш, уголь). Постепенно осваивая материалы и техники, появлялась большая выразительность, которую можно проследить в сериях: «Лицо», «Мы», «Пленэр», «Состояние», «Лети», «Лабиринт», «Чувства», «Постановка», «Часть». (см. Приложения 27-35)
На протяжении всего обучения, посредством выполнения творческих живописных композиций и графических листов совершенствовались технические и художественные приемы. Создание работ способствовало совершенствованию техники, приобретению опыта ведения длительной работы по созданию самостоятельных произведений, объединенных одной идеей.
2.3 Описание творческой части дипломной работы от замысла до завершения
Работа над творческой частью дипломного проекта на тему «Использование различных материалов в живописной композиции» была самым интересным, трудным и требующим много сил процессом.
Творческую работу представляет серия из трех картин, объединенных общей темой. Выбранная тема дипломной работы не ограничивала содержания будущего произведения и дала возможность более свободного творческого поиска.
Работа над композицией началась с выбора темы, затем происходил подбор необходимой литературы для анализа данного вопроса – изучение абстрактного искусства. После анализа литературы следовала формулировка идеи живописной композиции, и той техники, в которой она будет выполняться. К итоговой картине была проделана большая подготовительная работа: наброски, эскизы, колористические разработки.
Главной идеей создания живописных композиций, был поиск нестандартного композиционного решения, совмещение различных материалов и техник, выразительных средств. И как указывалось выше, их поиск осуществлялся в течение не одного года методом проб, выполнения работ в разных техниках, с разными целями. В работах использовались различные подходы и методы. Такие эксперименты во многом помогли при создании этих трех выпускных квалификационных картин.
Вначале работа велась над эскизами. Целью разработки эскизных материалов, был поиск композиционной структуры, поиск колорита и образности. Эскизы сначала прорисовывались вручную, после чего дорабатывались в графической программе Adobe Photoshop. Программа удобна тем, что можно создать множество композиционных и цветовых решений, наложить фактуру. Фактор спонтанности, озарения, играет важную роль в формировании образа и композиции в целом. Например, создавая эскизы в графической программе, отразив зеркально изображение, получилась очень нестандартная композиция, и впоследствии она была использована для реализации одной из работ.
Изначально мною разрабатывались серия эскизов с изображением гипертрофированной фигуры человека.(см. Приложение 36-38) Серия состояла из трех эскизов, схожих по композиционному решению, серия была выполнена монохромными цветами с использованием отдельных цветных пятен. Основной целью создания работ, была передача эмоции, ведь первое что мы улавливаем, смотря на любое произведение – эмоциональный строй произведения. Зритель заряжается, заинтересовывается, испытывает чувства погружения, либо же испытывает отторжение, неясность и гнев. Конечно, для дальнейшего анализа нужно уловить именно эмоцию, чтобы продолжить общение с произведением, погрузиться в него.
С целью создания работ разобрались, и следующим о чем хотелось рассказать это ходе создания полотен.
Работа велась поэтапно.
Первый этап был подготовительным. Он включал в себя подготовку материалов и инструментов для работы, а также грунтовка трех фанерных планшетов. Грунтовать фанеру нужно по нескольким причинам. Во-первых, такая мера позволяет предотвратить развития трещин на поверхности. Это происходит благодаря сцепляющим свойствам грунтовку. Во-вторых, грунтовка для фанеры способствует укреплению пористых и сыпучих поверхностей. К тому же, она повышает их влагостойкость, так как наносит на материал водоотталкивающий слой. Вот примерный перечень операций, которые желательно соблюдать при грунтовке фанеры:
Шлифовка поверхности наждачной бумагой.
Окрашивание акриловым грунтом.
Сушка.
Обработка фанеры акриловой шпаклевкой «по дереву».
Сушка.
Окрашивание акриловым грунтом.
Сушка. Планшет готов к работе.
Вторым этапом было перенесение эскиза, с помощью графических материалов, были обозначены основные составляющие композиции. Широкой кистью намечены главные цветовые массы. Накладывались различные фактуры: приклеивание салфеток, кальки, газет, холста; создание объемов текстурной пастой. В последующем, большие цветовые массы усложнялись при помощи проработки деталей. Активным художественным средством выступает цвет. Ритм темных и светлых пятен задает композиционную структуру работ. Результат данного этапа можно проследить в Приложении 39.
Третий этап самый непредсказуемый и сложный. Смотришь на плоды трудов и работа кажется незаконченной, неясной, не зажигающей и не экспрессивной. Поэтому нужно просто расслабится и доверится своим чувствам, своей интуиции, почувствовать свободу. Строя композицию в произведении я подчас ориентировалась на свои внутренние ощущения, пронося все изображение сквозь самого себя и поэтому, я решила поэкспериментировать.
Без четко заданного плана я продолжила работу. Результаты второго этапа выполнения работы, сформировали усложненную поверхность (фактуру). И все усилия были направлены на поиск композиционного решения. Первоначальная структура композиции, была дробной, не было четкого композиционного центра. Широкой кистью была определена новая структура, наложив большие цветовые массы. По несколько раз перекрывались, переписывались отдельные части полотна, комбинировались техники. Например, по неподсушенным масляным краскам, наносились акриловые краски, возникает очень интересный эффект, который получается вследствие разной плотности веществ. Вклеивались коллажные элементы, которые частично записывались красками. Отдельные элементы прорисовывались графитным карандашом по сырому маслу. В создании фона участвует только душа, ее подсознательная часть, она отталкивается от материала и никогда не знает наперед, что у нее получится. Эта бессознательная стадия творчества заканчивается созданием основы, которая послужит заготовкой для следующей стадии. Результат данного этапа можно увидеть в Приложении.
Четвертый этап. Поиски на этом не заканчивались, это касалось и композиционной структуры работы, и выразительных средств используемых в этой композиции. К каждой работе триптиха «FANCY» был индивидуальных подход по применению различных материалов и техник, с помощью которых я добивалась нестандартной композиции. В работах №1,3 триптиха «FANCY» использовались техника коллажа, письма акриловыми и масляными красками, также для прорисовки отдельных элементов использовались графические материалы (графитный карандаш). При помощи синтеза живописных и графических материалов я пыталась усилить динамичность этих композиций.
Во второй работе кроме вышеперечисленных приемов я многократно перекрывала папиросной бумагой определенные участи работы для создания прозрачности и глубины композиции.
Каждая картина из триптиха обладает своей композицией и может быть использовано как отдельное произведение. Но когда мы располагаем вместе именно в приведенной последовательности, то они создают новую цельную композицию.
Тема триптиха «FANCY» – воображение человека. Что увидит каждый человек рассматривая мой триптих завит от его воображения. Кто-то цепляясь за детали увидит летающего ангела, кто-то увидит архитектурные конструкции, а кто-то непогоду…и то что увидит каждый будет зависеть от его настроения, фантазии, креативности. Главная цель работы разбудить человеческие эмоции, не оставить равнодушным. (см. Приложение 40)
Выводы к главе
Из второй главы вытекают следующие выводы:
. Основные материалами живописи являются:
– Живопись гуашью;
Акварельная живопись;
Живопись пастелью;
Живопись маслом;
Живопись акрилом;
Смешанная или комбинированная живописная.
2. Основой построения произведения является композиция. Составление, соединение сочетание различных частей в единое целое в соответствии с какой-либо идеей.
. Цвет вызывает различные чувства, ассоциации, усиливает эмоциональность изображения.
. Диапазон выразительных средств неограничен. В современной живописи существует масса различных техник с использованием различных материалов. Самым интересным и любопытным в работе художника является – эксперимент, возможность соединять различные техники. Концептуальным принципом современного искусства становится принцип абсолютной свободы творчества.
. Собственное творчество это сложный, но увлекательный процесс.
Заключение
Итогом написания теоретической части ВКР, посвященной исследованию темы абстрактного экспрессионизма, стали следующие выводы.
Истоки абстрактного искусства возникли в результате создания новых эстетических и живописных концепций, соединения интернациональных исканий. Абстрактный экспрессионизм подвергается анализу как новый этап развития абстрактного искусства, явление которого стало самым плодотворным источником стереотипов и необоснованных обобщений в истории искусств второй половины века.
Наиболее яркими представителями абстрактного экспрессионизма были Жан-Мишель Баския, Георга Базелица, Нейтана Оливьера. Основополагающим в этом течении была спонтанность живописного метода, способного освободить и запечатлеть образы подсознания. Внутри течения не было единообразия: одни художники стремились к чистой абстракции, другие стремились сохранить в своих произведениях биоморфные формы. Спектр материалов и используемых техник был неограничен. Присутствовала полная свобода.
Абстрактный экспрессионизм стал мощным международным движением в арт-производстве, захватив практически все континенты. Полная свобода нанесения красок на полотно или обращения с пластическими формами, декларируемая и реализуемая абстрактными экспрессионистами, породила бесчисленное множество последователей этого направления.
Изучив особенности современных течений абстрактного искусства, особенности творчества представителей данного направления,помогло в выборе темы и технологии создание живописных композиций.
Что касается творческой части, то ее выполнение позволило утвердиться в своих творческих силах, усовершенствовать технические и художественные приемы. При создании триптиха «FANCY», я экспериментировала с техниками, используя их самостоятельно, а также комбинируя их. Написание работ способствовало совершенствованию техник, приобретению опыта ведения длительной работы по созданию самостоятельных произведений, объединенных одной идеей. При создании итоговой творческой работы, мне помог весь практический опыт, накопленный за годы обучения в институте.
Написание ВКР предоставляет возможность обобщить и пополнить запас теоретических знаний и практических умений, познакомиться с приемами и техникой ведущих живописцев современности.
экспрессионизм живопись краска
Список литературы
1.100 художников XX века.- Екатеринбург: «Урал ЛТД», 1996. -216 с,: ил.
2.Барбара Хесс. Абстрактный экспрессионизм./ пер. с анг. Борис Л. – М.: «Арт-Родник», 2008. – 96 с.: ил.
3.Басси Эшли. Экспрессионизм / Пер. с англ. – М.: ЗАО «БММ», 2007.
.Бычков В.В. Эстетика [Текст] / В.В. Бычков. – М.: Гардарики, 2004. – 342с.
5.Кандинский В.В. О духовном в искусстве. – Л.: Фонд «Ленинградская галерея», 1990.
6.Кашекова И.Э. Изобразительное искусство: Учебник для вузов. – М.: Академический проект, 2009. – 853 с. + 112 с. цв. вкл. (Фундаментальный учебник).
7.Ли Н.Г. Рисунок. Основы учебного академического рисунка: Учебник. – М.: «Эксмо», 2007. – 480 с.: ил.
8.Немчинова Л.Е. Абстрактный экспрессионизм. – СПб.: «Государственный Эрмитаж», 1999.- 200 с.: ил.
.Ришар Л. Энциклопедия экспрессионизма: Живопись и графика. Скульптура. Архитектура. Литература. Драматургия. Театр. Кино. Музыка [Текст]: / Л. Ришар; Пер. с фр. – М.: Республика, 2003. – 432 с.
.Рыков А.В. Западное искусство ХХ века: [Текст]: учеб. методич. пособие / А.В. Рыков. – СПб.: Новая Альтернативная Полиграфия, 2008. – 36с.
.Хренов Н.А. Эстетика и теория искусства XX века [Текст]: хрестоматия / Н.А. Хренов, А.С. Мигунов. – М.: Прогресс-Традиция,
. – 688 с.
.Шедевры искусства XX века. – М.: «АСТ», 1997 – 511 с.: ил.
Приложение 1
Марк Ротко
White Center
Four Darks in Red
Приложение 2
Пьер Сулаж
Brou de noix sur papier
Приложение 3
Карел Аппель
, Hip, Hoorah!
People, Birds and Sun
Приложение 4
Барнетт Ньюман
Station
Приложение 5
Сэм Френсис
Firework
Disappearance III
Приложение 6
Евгений Михнов-Войтенко
Композиция
Приложение 7
Жан-Мишель Баския
Без названия
Приложение 8
Жан-Мишель Баския
Птица на деньги
Ирония над черным полицейским
Приложение 9
Жан-Мишель Баския
Череп
Приложение 10
Жан-Мишель Баския
Гибкий
Филистимляне
Приложение 11
Жан-Мишель Баския
Башка
Приложение 12
Жан-Мишель Баския и Энди Уорхол
Приложение 13
Жан-Мишель Баския
Отпугнуть духов
Победитель
Приложение 14
Жан-Мишель Баския
Героика
Больно
Динго, заткнувшие мозги жвачкой
Приложение 15
Жан-Мишель Баския
Зайдеко
Приложение 16
Георг Базелиц
Большая ночь в бадье
Обнаженный человек
Приложение 17
Георг Базелиц
Приложение 18
Георг Базелиц
«Франкфуртские картины»
Приложение 19
Георг Базелиц
«Перевернутые картины»
Приложение 20
Нейтан Оливьера
BATTLE OF LITTLE BIG HORN (1964)
Приложение 21
Нейтан Оливьера
OF AN ANT (1956)
ADOLESCENT BY THE BED (1959)
Приложение 22
Джексон Поллок в процессе создания картин
Приложение 23
Джексон Полок
Номер 3
Номер 5
Приложение 24
Джексон Поллок
Номер 8
Желтый остров
Приложение 25
Джексон Поллок
Полная Морская сажень Пять
Приложение 26
Серия «Фигура»
Фигура 1
Фигура 2
Приложение 27
Серия «Лицо»
Лицо 1
Лицо 2
Приложение 28
Серия «Мы»
Мы 1
Мы 2
Приложение 29
Серия «Пленэр»
Пленэр 1
Пленэр 2
Приложение 30
Серия «Состояние»
Состояние 1
Состояние 2
Приложение 31
Серия «Лети»
Лети 1
Лети 2
Приложение 32
Серия «Лабиринт»
Лабиринт 1
Лабиринт 2
Приложение 33
Серия «Чувства»
Чувства 1
Чувства 2
Приложение 34
Серия «Постановка»
Постановка 1
Постановка 2
Приложение 35
Серия «Часть»
Часть 1
Часть 2
Приложение 36
Эскизы к творческой части дипломной работы
Эскиз 1
Приложение 37
Эскиз 2
Приложение 38
Эскиз 3
Приложение 38
Приложение 38
Приложение 38
Приложение 38
Приложение 38
Приложение 38
