Анализ современного галерейного дела в Санкт-Петербурге

• Вид работы: Дипломная (ВКР)
• Предмет: Культурология
• Язык: Русский , Формат файла: MS Word 131,32 Кб

Анализ современного галерейного дела в Санкт-Петербурге

Содержание

Введение

Глава 1. Особенности музейно-выставочной деятельности арт-галерей в России в конце XX- начале XXI века

.1 Понятие музейно-выставочной деятельности и ее значение в жизни общества

.2 Деятельность галерей современного искусства Санкт-Петербурга и их роль в художественной культуре

.3 История возникновения художественных галерей современного искусства Санкт-Петербурга

Глава 2. Музейно-выставочная деятельность арт-галерей в Санкт-Петербурге

.1 Художественные галереи современного искусства Санкт-Петербурга 90-х годов XX века

.2 Специфика деятельности арт-галерей Санкт-Петербурга в конце XX – начале XXI века

.3 Классификация, разнообразие услуг и ценовая политика арт-галерей Санкт-Петербурга

Глава 3. Перспективы развития и совершенствования музейно-выставочной деятельности арт-галереи «Онегин»

.1 Современное состояние музейно-выставочной деятельности в арт-галерее «Onegin»

.2 Перспективы развития и совершенствования музейно-выставочной деятельности арт-галереи «Onegin»

.3 Предложения по созданию комплекса экскурсионных услуг

Заключение

Список литературы

Приложение 1

Приложение 2

Приложение 3

Введение

Возникновение художественных галерей современного искусства России в конце 80-х годов XX века, их бурное развитие было вызвано устойчивым интересом публики к искусству андеграунда и новым творческим тенденциям и свидетельствует о качественных изменениях в восприятии искусства современным зрителем. Именно современный зритель с его тонким психологическим строем и стремлением к индивидуальным формам сопереживания творчеству вызвал к жизни и утвердил художественные галереи в культурном пространстве России.

До конца XX века отечественная наука не рассматривала галереи современного искусства как организации, играющие значительную роль в формировании художественной и культурной жизни общества, задающие вектор развития современного искусства, в связи, с чем не определяла их роли и занимаемого места в культуре России.

Проблема исследования организации галерейного дела в крупных городах весьма актуальна. Современная культурная жизнь больших городов уже немыслима без таких очагов культуры, как музей, «малый музей», выставочный зал, художественная галерея. Подтверждение тому – постоянное внимание публики и всех средств массовой коммуникации (телевидения, радио, печатных изданий, Интернета) к культурной жизни общества и их стремление, в том числе, рассказать о деятельности самых разнообразных галерей. Исследования деятельности художественных галерей современного искусства необходимы как их организаторам, так и кураторам, зрителям, покупателям. Отсутствие научных исследований по данной теме лишает организаторов данных институций теоретической базы. В результате в настоящий момент организаторы галерей в основном опираются лишь на интуицию и анализ рынка произведений искусства. В связи с этим в конце XX и начале XXI веков, характеризующихся бурным развитием галерейного дела России, часть возникающих новых художественных галерей, не сумев найти и занять свою нишу и выжить в сфере товарно-денежных отношений, прекращают свое существование. В связи с этим рассмотрение роли художественных галерей современного искусства России, их деятельности, направлений развития и условий стабильного существования является актуальным.

Каких-либо фундаментальных разработок в России по истории развития галерейного дела и организации художественных галерей крайне мало. Как пишет Д. Барабанов, «несмотря на наличие ряда сложностей и неясных моментов как в оценке, так и в описании такого явления, как «галереи современного искусства», попытки изучения этой темы следует определить как эпизодические, а подчас бессистемные». Это обусловлено тем, что художественная галерея, будучи явлением сравнительно молодым, до сих пор не служила предметом научного исследования, так как основное внимание уделялось изучению музея как «храма искусства» и столпа культурной жизни советского, а позже российского общества, инструмента коллекционирования (собирания), хранения и экспонирования художественного достояния страны. И поскольку теоретических работ по исследованию развития именно галерейного дела фактически нет, то сделать какие-либо выводы о закономерностях организации галерейного дела в Санкт-Петербурге по литературным источникам не представляется возможным.

Существует значительное число исследований, посвященных истории неофициального искусства России XX века и общей истории художественных галерей современного искусства, критических публикаций о проводимых ими выставках, работ по организации деятельности камерных музеев и исследованию развития арт-рынка России. Однако изучение художественных галерей современного искусства как институций, играющих немаловажную роль в развитии и формировании культуры России, не проводилось, не исследовались также основные формы их существования, направления деятельности, не осуществлялась их типологизация, причем даже не ставились задачи такого рода. Художественные галереи современного искусства практически выпали из поля зрения современного искусствознания.

Актуальность темы настоящей дипломной работы обусловлена возникшим интересом научного и художественного сообщества к современному галерейному делу России и быстрыми темпами его развития.

Цель данного исследования – анализ современного галерейного дела в Санкт-Петербурге, определение роли и места художественных галерей в современной культуре Санкт-Петербурга, обозначение перспектив развития и совершенствования на примере арт-галереи «Onegin». Поставленная цель определила следующие задачи:

рассмотреть историю возникновения художественных галерей современного искусства Санкт-Петербурга;

изучить историю развития художественных галерей Санкт-Петербурга, работающих с середины 90-х годов XX века;

проанализировать деятельность художественных галерей современного искусства Санкт-Петербурга и установить их роль в культуре;

определить специфику художественных галерей Санкт-Петербурга;

выделить основные типы художественных галерей современного искусства Санкт-Петербурга на основе анализа их деятельности, что позволит определить их место и роль в культурной жизни города, выявить оптимальные направления их развития в рамках существующего культурного пространства.

Объектом исследования стали современные процессы развития галерейного дела и художественного рынка России, обозначившие дифференциацию типов художественных галерей современного искусства Санкт-Петербурга и специфику их деятельности.

Предметом исследования являются художественные галереи современного искусства Санкт-Петербурга конца XX – начала XXI веков, взятые в специфике своей деятельности.

Гипотеза заключается в том, что небольшие арт-галереи, не имеющие достаточного имиджа на арт-рынке, посредством предоставления дополнительных культурных услуг населению, приобретают авторитет и представляют больший интерес для потенциальных потребителей культурных услуг.

Методы исследования: теоретический анализ, классификация, сравнение, наблюдение, беседы, опрос.

Базой исследования является художественная галерея современного искусства «Onegin».

Научная новизна заключается в выявлении закономерностей развития художественных галерей Санкт-Петербурга, проведении анализа их функций и содержания, определении их специфики и в типологизации художественных галерей современного искусства Санкт-Петербурга в зависимости от направления их деятельности.

Практическая значимость. Данное исследование может служить:

как научно-методическое пособие для организаторов художественных галерей современного искусства, дающего практические рекомендации по оптимизации деятельности данных институций в современных условиях;

как учебный материал для студентов, изучающих современный художественный рынок России;

как источниковедческая основа для научных исследований, связанных с изучением современной художественной культуры Санкт-Петербурга.

В первой главе «Особенности музейно-выставочной деятельности арт-галерей в России в конце XX- начале XXI века» автор рассматривает основные понятия музейно-выставочной деятельности, ее значение в жизни общества и

историю возникновения художественных галерей современного искусства Санкт-Петербурга. Во второй главе «Музейно-выставочная деятельность арт-галерей в Санкт-Петербурге» автор определяет специфику деятельности арт-галерей Санкт-Петербурга в конце XX – начале XXI века и классифицирует их. В третьей главе «Перспективы развития и совершенствования музейно-выставочной деятельности арт-галереи «Онегин»» автор рассматривает современное состояние музейно-выставочной деятельности вышеуказанной галереи, определяет перспективы развития и предлагает комплекс экскурсионных услуг, разработанный для данной галереи.

Глава 1. Особенности музейно-выставочной деятельности арт-галерей в России в конце XX- начале XXI века

.1 Понятие музейно-выставочной деятельности и ее значение в жизни общества

Музеи занимают особое место среди социокультурных институтов современного общества, которое живет в условиях эволюционной динамики знаний как основного фактора развития современной цивилизации. В них фиксируются, сохраняются и представляются в своеобразной форме предметное и природное окружение человека, и они становятся важным для него каналом распространения ретроспективной информации.

Музей представляет исчезающие из общества ценности и может привлечь внимание к тем постоянным общечеловеческим ценностям, утратой которых угрожает современный прогресс. Он подчеркивает их значение как наследия для поддержания непрерывности и преемственности культуры.

Понятие «музей» появилось в культурном обиходе человечества более двух с половиной тысяч лет назад, но в современную эпоху его содержание кардинально изменилось. В наши дни существует целый ряд определений музея, что в значительной степени объясняется сложностью и многоликостью самого феномена. В Федеральном законе «О Музейном фонде Российской Федерации и музеях в Российской Федерации» (1996) музей определен как «некоммерческое учреждение культуры, созданное собственником для хранения, изучения и публичного представления музейных предметов и коллекций».

В международной практике обычно используется определение, выработанное Международным советом музеев (ИКОМ) и включенное в его Устав в 1974 г. С учетом поправок, внесенных в последний вариант Устава в 1995 г., это определение звучит следующим образом: музей – это «постоянное некоммерческое учреждение, находящееся на службе общества и его развития и открытое для людей. Оно приобретает, сохраняет, изучает, популяризирует и экспонирует в образовательных, просветительных и развлекательных целях материальные свидетельства человека и окружающей его среды».

В Российской музейной энциклопедии, музей определяется как «исторически обусловленный многофункциональный институт социальной памяти, посредством которого реализуется общественная потребность в отборе, сохранении и репрезентации специфической группы природных и культурных объектов, осознаваемых обществом как ценность, подлежащая изъятию из среды бытования и передаче из поколения в поколение, – музейных предметов».

Понятие «музейный сервис» появилось недавно, поэтому часто возникает проблема определения этого явления. Исходя из определения социокультурного сервиса – как «услуг по удовлетворению духовных, интеллектуальных, познавательных потребностей людей», учитывая также что музей является одним из важнейших компонентов СКС, можно дать следующие определение: «СКС – в широком смысле слова – вид специализированной помощи населению в культурной, образовательной, физкультурно-спортивной, оздоровительной и туристической деятельности. Если же социокультурные услуги реализуются на основе платежеспособного спроса – то это уже социально-культурный сервис в узком смысле».

Под услугой следует понимать совершённое одним лицом (физическим или юридическим) в интересах другого лица действие или деятельность. Необходимо отметить, что услуги, предоставляемые музеем населению, включают все компоненты СКС услуг: – так как музей – это научно-просветительское учреждение, которое собирает, сохраняет и отбирает предметы, имеющие социально-культурное и научное значение, а также выполняет функции коммуникации, познания и организации свободного времени населения. Поэтому можно предложить следующее определение музейного сервиса – музейный сервис – это часть социо-культурного сервиса, где в виде услуг предоставляемых населению выступает непосредственно музейные услуги, предоставляемые музейными сотрудниками, на базе имеющегося культурно- научного потенциала музея и реализующиеся на основе платежеспособного спроса населения. Музейный сервис предполагает рассмотрение музея, как части современного культурного рынка, включая музей в сферу коммерческих отношений. Это является общим условием существования музеев сегодня не только в России, но и за рубежом, где подобная практика уже давно внедрена.

Под музейными услугами понимаются все виды деятельности музеев, адресованные населению и предназначенные для осуществления всех функций музея, а также для популяризации и продвижения музея.

В виде услуг сегодня выступают всевозможные формы работы с посетителями – экскурсии, выставки лекции, музейные занятия, концерты и вечера, продажа эксклюзивных товаров, являющихся копиями музейных экспонатов и выполняемых на заказ, организация школьных вечеров и дней рождений, новогодних елок и.т.д.

Таким образом, музей является общедоступным общественно – культурным учреждением, хранящим в виде материальных и духовных раритетов память прошлого, историческую память и способствующим передаче исторической памяти и социализации, как отдельной личности, так и всего общества. Одной из ведущих функций музея является его социальная функция.

Основой социокультурной функции является музейная коммуникация – процесс общения, передачи информации, значений, смыслов, происходящий в музее. «Современное музееведение рассматривает музей как институт, передающий исторический и социальный опыт поколений, образующих в своей совокупности живую нить истории, движения человечества в пространстве и времени».

К социальным функциям музея относятся:

функция документирования;

функция образования и воспитания;

функция организации свободного времени.

Эти функции могут быть расширены:

формирование мировоззрения и системы ценностей;

консолидация и демократизация общества;

социализация и развитие творческой активности личности;

формирование национального, регионального и профессионального самосознания;

обеспечение исторической преемственности;

расширение возможностей человеческого познания.

Функция документирования способствует отражению в музейном собрании на основе музейных предметов подтвержденных ими исторических или естественно – научных событий. Данная функция реализуется в процессе комплектования музейных фондов, их хранения и изучения. Создание и сохранение природной и культурно – исторической среды является основой и началом выполнения музеем других социальных функций.

Функция организации свободного времени обусловлена общественными потребностями в культурных формах досуга и эмоциональной разрядке. Она непосредственно связана с образовательно-воспитательной функцией в режиме музей – посетитель. Музей передает информацию, посетитель воспринимает ее. В процессе восприятия осуществляется образовательно-воспитательная функция на основе функции документирования. В результате осуществляется музейная коммуникация, передача социально – исторического опыта и знаний, социализация личности и общества.

Функция образования и воспитания позволяет на основе духовных и материальных документов, памятников, раритетов осуществлять преемственность поколений, социализацию личности, общества в целом. Она основана на информативных и экспрессивных свойствах музейного предмета и осуществляется в различных формах экспозиционно-выставочной и культурно-образовательной музейной работы. Целью ее является выполнение образовательных, пропагандистских, нравственно-воспитательных и эстетико-воспитательных задач. Реализуется в процессе экспозиционно-выставочной и научно – просветительной работы музеев.

Особый интерес в процессе музейной коммуникации представляет собой экспозиционно-выставочная деятельность, то есть, одно из основных направлений музейной деятельности, нацеленное на создание музейной экспозиции и обеспечение ее функционирования как центрального звена музейной коммуникации. Содержанием экспозиционно-выставочной деятельности является проектирование и монтаж экспозиций и выставок, наблюдение за состоянием постоянной экспозиции музея и ее частичная реэкспозиция в случае необходимости.

Музейная экспозиция объединяет музейные предметы на основе единого концептуального замысла, критерием отбора музейных предметов для экспозиции из музейного собрания являются коммуникативные свойства музейного предмета – информативность, экспрессивность, аттрактивность. В экспозиции репрезентативно представлено музейное собрание.

Мобильность выставок позволяет оперативно отвечать на запросы, возникающие в обществе, вводить в научный оборот материалы исследований и знакомить с ними посетителей. В настоящее время демонтированные в 1990-е годы постоянные экспозиции вновь открываются в музеях на основе новой научной парадигмы, при этом в музеях сохраняется активная выставочная деятельность.

В настоящее время существует множество различных музеев, в каждом из которых хранятся шедевры мирового или регионального масштаба. По тематике музеи делятся на следующие:

Музеи истории

Музеи техники

Краеведческие музеи

Музеи искусства

Зоологические музеи

Литературные музеи

Музеи, посвященные определенному предприятия или учреждению

Музеи профессии и др.

В России первые упоминания о хранилищах музейного типа относятся к 12-17 вв. В соборах и монастырях Владимира, Киева, Новгорода хранились исторические и художественные ценности в основном религиозного характера. В 15-17 вв. в Москве начали формироваться наиболее крупные национальные хранилища Оружейной палаты и Патриаршей ризницы. В 16-17 вв. появляются первые крупные частные коллекции, принадлежавшие Ивану IV, Борису Годунову, князьям Милославскому, Матвееву, Голицыну.

Первое упоминание об Оружейной палате относится к 1508, но уже в духовной грамоте Ивана Калиты от 1339 перечислялись ценности, положившие начало великокняжеской коллекции: украшения, посуда из драгоценных металлов, церковные сосуды, одежда, дорогое оружие. В дальнейшем сокровищница московских правителей в основном формировалась за счет роскошных иноземных даров и шедевров мастеров московского двора – ювелиров, оружейников и пр.

Первый русский публичный музей – Кунсткамера. Открылся в Петербурге в 1719. Для него в 1719-1734 был специально построен комплекс зданий – архитектор Георг Иоганн Маттарнови. Основу коллекции нового музея составили коллекции Петра I. Это оружие разных времен и народов, различные редкости – картины, гравюры, предметы, найденные кладоискателями, а также станки, приборы, инструменты в духе 15 века. Позднее Кунсткамера переходит в ведение Академии наук и становится крупным научным учреждением, не прекращая своей просветительской деятельности.

В 18-19 вв. в Петербурге начинают формироваться коллекции Эрмитажа, Артиллерийского и исторического музеев. Открываются первые музеи в Барнауле, Оренбурге, Иркутске, Астрахани; создаются историко-археологические музеи в Николаеве, Одессе, в Крыму.

В 19 в. краеведческие музеи и музеи кустарных промыслов и ремесел возникали повсеместно при статистических комитетах, земствах, научных обществах, университетах и т.д. К октябрю 1917 в России работало свыше 150 музеев.

После революции Постановлениями СНК РСФСР 1917-1918 крупнейшие частные музеи были национализированы, установлен порядок охраны памятников, порядок постановки их на учет – стала формироваться единая государственная сеть музеев. В ноябре 1917 в Наркомпросе РСФСР была создана Всероссийская коллегия по делам музеев и охраны памятников, в мае 1918 – Музейный отдел, в ведение которого перешли все музеи. После революции, помимо организации новых музеев на основе частных и императорских собраний, появились и музеи нового профиля, прежде всего – историко-революционные.

В 1941 в СССР действовал уже 991 государственный музей. После войны сеть музеев была восстановлена и расширена. Много музеев появилось в союзных республиках, где раньше их не было вообще или имелись единичные коллекции. Кроме того, создавались народные музеи, работающие на общественных началах.

В 80-90-е появляются музеи нового типа – посвященные отдельным предметам или необычным событиям, вызывающим интерес у посетителей, например, музей мыши в г. Мышкин. Однако создание любых музеев происходит в соответствии с государственным регулированием. В начале 90х гг. 20 века создаются первые арт-галереи.

Слово «галерея» (от фр. galerie, от ит. galleria), как и многие другие слова в русском языке, имеет несколько значений. Одно, встречающееся в основном в научной и справочной литературе, изданной до 90-х годов XX века, определяет галерею как объект архитектуры (узкое крытое помещение, соединяющее части здания; верхний ярус театра; длинный подземный ход в военных сооружениях) или места для прогулок. Другое, встречающееся в более поздних изданиях, звучит так: «специально устроенное помещение для обозрения произведений искусства; государственное, общественное или частное предприятие, постоянно занимающееся экспонированием, хранением, изучением и пропагандой искусства. В зависимости от статуса и поставленных задач может вести коммерческую деятельность. В ряде случаев – синоним музея (Третьяковская галерея, Галерея Тейт в Лондоне)».

В свою очередь Мириам Прево так определял арт-галерею: «финансовый организм, который на основе художественных ценностей создает ценности экономические…». «Галерея скупает, хранит, выставляет, продает и публикует произведения художника в среде публики…». Однако к этому следует добавить, что сейчас, на волне возросшего интереса к искусству, галерея – это еще и социальный институт, который занимается не только распространением в обществе произведений современного искусства, то есть осуществляет их продажу, но и занимается культурно-просветительской деятельностью, экспонируя работы художников, издавая научную литературу, организуя круглые столы.

Объединив эти определения, можно вывести рабочее определение понятия «галерея»: это художественно-культурная организация, занимающаяся культурно-просветительской и выставочной деятельностью (поиск, экспонирование, хранение, реставрация, изучение и популяризация произведений современного искусства), а также коммерческой деятельностью (экспертиза, реклама и продажа произведений искусства).

Следует отметить, что в последние годы стали появляться и галереи стекла, света, керамики и т.д. В связи с этим необходимо указать, что в данном исследовании речь идет именно о художественных галереях как учреждениях, занимающихся современным изобразительным искусством.

Подчеркивая многообразие арт-галерей, Анна Матвеева в культурном обзоре пишет: «Есть галереи хорошие и плохие, дорогие и массовые, узконаправленные и универсальные, всеядные и торгующие эксклюзивным товаром». Наряду с индивидуальными специфическими чертами галереи имеют и типические черты, на основе которых, их можно объединить в группы и классифицировать.

В настоящее время существует несколько видов классификаций художественных галерей. Например, исходя из коммерческого принципа, оценки материального уровня и возможностей, которыми располагают организаторы галереи. На основе этого принципа Ж. Мозговая в своей работе «Галереи в условиях современного художественного рынка» подразделила галереи следующим образом: элитные (закрытые и полузакрытые галереи, владельцы которых, имея другие источники дохода, создают их для удовлетворения своих собственных эстетических потребностей, поддерживают, устраивают выставки-продажи для определенного, достаточно узкого круга клиентов). К ним относятся:

традиционно-российские (галереи, совмещающие продажу произведений современного искусства с выставочной деятельностью, а также торгующие сопутствующими товарами);

общественные (галереи, отказавшиеся от статуса коммерческого предприятия и превратившиеся в некие «общественные организации»; занимающиеся в основном выставочной деятельностью. Нередко они реализуют различные социальные проекты; хотя имеют статус некоммерческий организации, хотя они тоже имеют коммерческую прибыль;

библиотечные галереи, организаторами которых являются начинающие «бизнесмены», не имеющие большого стартового капитала, или сами художники, пытающиеся обеспечить себя бесплатным выставочным пространством); галереи, занимающиеся продажей произведений и просветительской деятельностью; галереи, принципиально не имеющие и не стремящиеся иметь свое помещение.

В свою очередь Е.А.Мелихова в статье «Художественная галерея: торговля искусством» классифицирует галереи «по предназначению» следующим образом: «галереи-магазины» или «салоны», «галерея – выставочный зал» и «галерея – клуб».

Однако подобные классификации не охватывают все существующие галереи и не выявляют их специфику.

Таким образом, в отличие от городских музеев, галерея освещает и решает вопросы, не входящие в компетенцию крупных государственных институций. Несмотря на то, что в последнее время Государственный Русский музей, Государственный Эрмитаж, музей Анны Ахматовой в Фонтанном доме обратили внимание на сферу современного искусства и даже открыли соответствующие отделы (например, Отдел новейших течений ГРМ), на сегодняшний день только «свободная» художественная галерея может смело освещать все аспекты данного явления. И именно многообразие типов галерей дает возможность удовлетворять запросы посетителей в полной мере. В галерее можно увидеть работы не только маститых, но и молодых художников. И, наконец, самое главное – появилась возможность приобрести понравившееся произведение искусства, не сомневаясь в его профессиональном уровне и подлинности. Галерея одновременно и ненавязчиво знакомит посетителей с новыми направлениями в современном искусстве и воспитывает художественный вкус.

.2 Деятельность галерей современного искусства в Санкт-Петербурге и их роль в художественной жизни

В связи с изменениями в России в последней четверти XX века, связанными с перестройкой в области культуры и искусства, стали возникать и развиваться новые различные организации. В области галерейного дела появились оформившиеся художественные галереи современного искусства, привнесшие качественные изменения в сферу арт-бизнеса.

Возникшие в 80-е годы XX века галереи оказались организациями абсолютно новой формации. На сегодняшний день их программа деятельности шире и многообразней, чем у многих музеев, а площадки – камернее. Именно это сочетание оказывается привлекательным для современного зрителя, для которого очень важны персональные формы общения, комфортность пребывания в таком месте. Вокруг галереи складывается своя среда, формируется свой посетитель, клиент, и каждая галерея находит индивидуальный подход к каждому из них. Галеристы целенаправленно ведут деятельность по расширению круга своих завсегдатаев. Это выражается в регулярном проведении художественных акций, презентаций, вернисажей, в частой смене выставок. Все это подогревает интерес к галерее, способствует росту ее популярности. Для галерей это особенно важно, так как от этого зависит их коммерческий успех, а посетитель испытывает чувство приобщенности: он выделен, становится узнаваем в галерее, причислен к кругу избранных. Этот социальный момент очень много значит для человека конца столетия: в огромном мире предложений и возможностей он не затерян, не утрачивает своей индивидуальности, а такие контакты являются важными знаками его выделения из безликой массы.

Каждая художественная галерея ставит перед собой определенные цели и задачи, для достижения которых разрабатывает собственную программу деятельности, тактику и стратегию развития (галерейную политику), от которых в свою очередь зависит ее структура, выполняемые функции и содержание деятельности. Однако интересно отметить одну из особенностей российских галерей: если за рубежом место галереи в культурном пространстве зависит от искусства, которое она представляет, и статуса, которого она достигла посредством кропотливой работы в течение многих лет, то в России место галереи пока что позиционируется непосредственно через социальное положение галериста. Галерея в России – это галерея амбициозной и запоминающейся личности, именно поэтому очень часто галереи называются именем галериста (галереи Марата Гельмана, Марины Гисич, Дмитрия Семенова, Георгия Михайлова, Айдан Салаховой, Евгения Юфита и т.д.). Это объясняется скорее всего тем, что в России галерея существует не только за счет профессиональной работы всех субъектов организации ее деятельности, но и за счет репутации и в первую очередь социального положения непосредственно самого галериста. За рубежом все зависит от многих факторов: профессионализма участников деятельности, количества и статуса ярмарок и форумов, в которых принимала участие галерея, уровня художников (их признанности), которых она представляет и т.д. А когда статус уже достигнут, то новые художники, которыми начинает заниматься галерея, автоматически получают признание. В России такого пока нет, но наблюдается движение в этом направлении.

Общим для всех галерей является стремление оптимально сочетать успешную экономическую и культурно-просветительскую деятельность в рамках поставленных задач и целей. Н. Суворов пишет: «Для многих галерей продажа произведений искусства является основным условием существования. Но в то же время, полная коммерциализация становится признаком смерти галереи, поскольку при таком условии галерея утрачивает свои основные функции и превращается в обыкновенный салон по продаже сувениров». Однако тем не менее, одни галереи ориентируются на получение прибыли, и вся остальная деятельность подчинена этой цели, другие же для достижения своих целей и решения первоочередных задач пытаются создать определенный имидж и занять свое место в культуре, в связи с чем занимаются преимущественно выставочной деятельностью и изучением явлений в современном искусстве, а продажи у них стоят на втором месте. Третьи организуются скорее для создания имиджа уже существующей организации, нежели с целью получения дополнительной прибыли. Это, например, галерея «Казанская, 5» при одноименном отеле-бутике, «Гостиная искусств» при ресторане-казино «Палкинъ». Однако процент таких галерей в городе мал. На сегодняшний день такие галереи имеют простую структуру организации, поскольку создаются в виде своего рода отдела, занимающегося одним определенным направлением. Однако нельзя исключать, что со временем сфера их деятельности будет расширяться. Довольно часто галереи имеют статус некоммерческой институции и занимаются в основном просветительской деятельностью, что выражается в осуществлении различных социальных проектов (галерея «Navicula Artis»). В этом их отличие от художественных галерей зарубежья, где галерея в первую очередь – коммерческая организация. Здесь следует отметить, что рынок современного искусства в России только формируется и российские галереи вынуждены много внимания уделять привлечению посетителей, формированию своего имиджа и достижению определенного статуса.

Галереи, ориентированные на культурно-просветительскую деятельность, непременно учитывают, что каждый слой общества является носителем своих ценностей. И, заинтересованная в своем развитии, галерея как элемент системы галерейного дела стремится удовлетворить культурные потребности каждого субъекта, включенного в систему галерей и определяющего уровень ее развития, статус и место в культурной жизни общества.

В целом галерея заинтересована в том, чтобы зритель удовлетворил свои духовные потребности и утолил любопытство, ознакомившись с произведениями искусства, улучшил вкус, а покупатель, приобретя работу того или иного художника, остался доволен своим выбором, и ему захотелось бы и далее приходить в галерею и приобретать произведения искусства. И более того, творческая личность, включенная в деятельность галереи как целостной системы, должна получить возможность развиваться и, приходя в галерею, знакомиться с новыми тенденциями современного искусства и одновременно способствовать их появлению. Так, одной из основных функций художественных галерей современного искусства является репрезентативная функция. Галерея приобщает зрителей к новым направлениям и течениям в искусстве, устраивая персональные и групповые выставки, организуя различные художественные акции; участвует в международных арт-ярмарках, форумах, биеннале; знакомит с современным искусством России западных деятелей культуры и художественную общественность. У каждой состоявшейся галереи, как правило, имеется свой круг друзей, которым близка художественная политика данной галереи, и именно они являются потенциальными и реальными покупателями.

Художественные галереи занимаются и научно-просветительской деятельностью, создавая информационное поле для каждой выставки, для каждого художника галереи, выпуская просветительскую литературу, научные труды, монографии, каталоги художников и буклеты выставок, проводя круглые столы и конференции. Так, в каждой галерее можно получить достаточно полную информацию по каждому художнику, которым она занимается, или по выставке, которая проходит или проходила в ее стенах. В последнее время увеличивается количество Интернет-сайтов галерей, освещающих их деятельность. Практически к каждой выставке пишутся специальные пояснительные тексты, издаются буклеты. На сегодняшний день в выставочной работе широко распространена система кураторства, когда определенный специалист-искусствовед ведет выставку, пишет

профессиональные тексты, дает интервью, работает с художником. Наиболее известные из них – Виктор Мазин, Олеся Туркина, Андрей Хлобыстин, Екатерина Андреева.

На современном этапе развития галерейного дела издание печатных материалов также является неотъемлемой частью процесса формирования имиджа и статуса галереи. При этом тираж определяется материальными возможностями галереи, а дизайн – размером выделенных средств и индивидуальным стилем галереи. Непосредственно галереи редко издают каталоги художников, а если и издают, то лишь тогда, когда занимаются имиджем данного художника и продвижением его работ на художественном рынке. Примечательно, что на Западе каталоги, изданные самим художником и не имеющие знака галереи, не ценятся. Такие издания условно относят к категории общеобразовательных. Для западных галеристов они не являются доказательством «уровня» художника. В России такие каталоги широко распространены. Это обусловлено тем, что галерейное дело и художественный рынок современного искусства еще находятся на стадии становления. И в настоящее время еще недостаточно организаций, занимающихся данной сферой, чтобы уделить внимание всем творческим личностям. В отличие от галерей, музеи чаще издают каталоги выставок, поскольку получают определенные субсидии от государства, спонсоров и меценатов. Однако, к сожалению, такие каталоги, как правило, стоят очень дорого и простому обывателю не по карману. Это затрудняет процесс формирования вкуса у зрителя, поскольку дети продолжают воспитываться на старых пособиях, в которые не включены произведения современных авторов, хотя работы многих из них находятся в фондах крупных музеев не только России, но и зарубежья.

С целью восполнения информационного пробела, галереи организуют круглые столы и конференции, которые, как правило, проходят в рамках выставки, открыты для всех желающих и материалы которых затем публикуются. Эти мероприятия включаются в программы практически всех проектов крупных культурных центров, таких как Немецкий культурный центр им. Гете, Британский совет, или консульств, среди которых на данный момент наиболее активную деятельность ведут Генеральные консульства Федеративной Республики Германия, Великобритании и Италии. В связи с тем, что в последнее время установилась традиция проведения совместных проектов с различными организациями, в том числе и с галереями, проводятся круглые столы и конференции в рамках не только крупных фестивалей, но и отдельных камерных галерейных выставок. Из таких проектов наиболее крупный под названием «Абстракция в России. XX век». Данный проект был организован Государственным Русским музеем. В этом проекте приняли участие практически все художественные и культурные организации города – от художественных галерей до культурных центров.

С экономической точки зрения, деятельность отдельной галереи, не зависимо от ее политики, направлена на определенный сегмент рынка и рассчитана на определенные материальные возможности того или иного слоя общества.

Для успешного сотрудничества и взаимодействия между всеми субъектами галереи вырабатывают специальные формы работы. И одним из основополагающих элементов стратегии галереи, тесно связанным с ее целями и задачами, ее особенностями и позиционированием на рынке, является художественная политика. Политику галереи можно охарактеризовать как ряд действий, направленных на достижение целей и решение поставленных перед ней задач. Это совокупность неких мероприятий по продвижению художественных произведений на арт-рынке. Политика галереи связана с ее имиджем и формирует ее лицо. Цели художественной политики галерей достигаются в определенных правовых рамках, с помощью организационных процессов, научных и экономических решений с использованием маркетинговых технологий. Художественная политика включает стратегию галереи, т.е. концепцию деятельности, и тактику – комплекс мер по реализации этой стратегии.

Понятие «художественная политика» включает структуру галереи, специфику ее выставочной деятельности, её бренд и круг ее художников. Художественная политика формирует и критерии отбора художников галереи. Занимаясь каким-либо направлением в искусстве, галерея старается объединить интересующих ее художников, работы которых устраивают ее по качеству. Ведь именно художники создают лицо галереи, при этом и сама галерея работает на формирование имиджа художника. Соответственно галерея имеет право «первичного отбора», тем самым, препятствуя проникновению на рынок непрофессиональных работ. При этом производится оценка эстетических качеств произведений искусства, поскольку профессиональный галерист хочет представить на выставке лучшее из творчества мастера. Экспертиза в данном случае слагается из двух составляющих: интуитивного определения актуальности на основе знания механизмов развития искусства (из опыта галереи) и легитимности того или иного явления современного искусства (критики). Коммерческая оценка тематических, групповых, персональных и других выставок и определение ценности отдельных произведений искусства также важны, поскольку в отличие, например, от антикварных магазинов и салонов, галереи современного искусства имеют свою специфику: они непосредственно работают с авторами произведений, которые не могут объективно оценивать свои работы. Поэтому в объективной оценке им тактично помогают галеристы, как постоянные участники деятельности арт-рынка, которые лучше ориентируются в области ценообразования на произведения искусства. И именно в ходе развития галерейного дела в целом и деятельности художественных галерей современного искусства в частности вырабатываются критерии оценки произведений современных авторов, формируется ценовая политика, появляются новые любители искусства, коллекционеры, меценаты, определяются вкусовые предпочтения, как зрителя, так и покупателя произведений искусства, создается определенное общественное мнение.

Кроме изучения творчества современных мастеров, галереи занимаются их рекламой и продвижением на арт-рынке, проводят персональные выставки, издают каталоги, вывозят их работы на российские выставки. Более того, со второй половины 90-х годов возникла необходимость и представилась возможность выставлять произведения искусства на международных художественных ярмарках и форумах для продвижения российских художников на мировом арт-рынке, повышения статуса галереи и улучшения ее PR.

В своей работе художественные галереи огромное внимание уделяют и работе со зрителем, средствами массовой информации, кураторами и критиками, рекламе индивидуальных авторских стилей, школ, объединений, направлений, течений. Важное место отводится и проведению рекламных акций во время выставок, направленных на привлечение посетителей, усиление интереса к представленному направлению в искусстве и в конечном итоге к увеличению объема продаж, созданию и поддержанию с помощью рекламы имиджа художественной галереи, также работающего на увеличение продаж произведений современного искусства. Целью рекламной деятельности является создание определенного имиджа арт-галереи, а также ее проектов и художников и их продвижение в информационном поле: это статьи в журналах и газетах, репортажи на телевидении, публикации в Интернете. Представители масс-медиа приглашаются на вернисажи, для них организуются интервью, как с художниками, так и с кураторами выставок, видными деятелями культуры, иногда со зрителями, галеристы объясняют публике и описывают существующее положение дел в современном искусстве. Диалог между художником и прессой осуществляется при посредничестве и активном участии галериста или дилера. Кроме того, организуются круглые столы, конференции и обсуждения, иногда лекции, когда галереи выступают в качестве связующего звена между куратором и зрителем. Это дает возможность куратору из первых уст услышать мнение о подготовленной им выставке, а галеристу – определить вкусы и пристрастия зрителя и наиболее правильные пути дальнейшей деятельности. Следует отметить, что российские галереи организуют выставки любого понравившегося им художника (это может быть даже единичный случай их сотрудничества), тогда как зарубежные галереи не устраивают выставки художников, продвижением которых не занимаются. На Западе отношения между художником и галеристом строятся на иной основе: существует договорная форма отношений, когда художник не имеет права работать (при этом сроки оговариваются) с другими галереями и у него есть только один постоянный представитель. В России на сегодняшний день вводить такую форму отношений между художником и галеристом не имеет смысла, поскольку рынок современного искусства окончательно еще не сформирован и это будет невыгодно как для галереи, так и для творческой личности. В начале 90-х годов данную систему отношений попыталась ввести Ирина Болотова – директор галереи «Дельта». Однако это привело только к тому, что в помещении галереи оставались висеть непроданные работы.

По мнению автора, эти акции способствуют формированию имиджа художника и повышению рыночной стоимости его работ, а кроме того росту общественного интереса и улучшению вкуса людей, интересующихся вопросами искусства. Понятно, что в одиночку художники вряд ли смогли бы достичь столь высоких результатов (повышения статуса и цен на свои работы), поскольку отдельная творческая личность не имеет всех тех возможностей, которыми располагает галерея как сложно организованная система и одна из составляющих арт-рынка. Следует учесть, что многие престижные художественные ярмарки, такие как Art Forum Berlin (Германия), Armory Show (Нью-Йорк), Венецианской биеннале (Италия) и др., как правило, не работают с отдельными художниками. Они предпочитают сотрудничать с художественными галереями, которые не менее пяти лет на рынке, ведут культурно-просветительскую деятельность и открыты для публики. Именно эти художественные ярмарки способствуют более глубокому пониманию искусства, рекламируют современные направления и тенденции в культуре и искусстве, во многом открывают миру новые имена, а также формируют определенный уровень цен.

Одной из функций галереи является продажа произведений искусства с целью получения прибыли (коммерческая функция). Для этого художественные галереи современного искусства проводят анализ этого сегмента рынка, определяют направления наиболее выгодные с коммерческой точки зрения и уровень спроса на авторские работы, непосредственно продают произведения искусства как экспонируемые в галерее, так и находящиеся на временном хранении. Необходимость получения прибыли обусловлена также обязательными затратами, на содержание галереи (это аренда помещений, заработная плата сотрудников, оплата рекламных услуг и публикаций и т.д.). Именно поэтому ряд галерей имеет сложную организацию: они включают не только художественные компоненты, а, например, и так называемые дочерние предприятия (сувенирные лавки, багетные мастерские, кафе и т.д.). Так, при галереях «Г. Михайлова» и «Борей» имеются багетные мастерские или сувенирные лавки. Существуют и структуры вообще не относящиеся к сфере культуры и искусства. Это, например, кафе «Борей», «Палитра» и т.д., бары, дизайн-студии и даже частная гостиница (при галерее «Марины Гисич»). Однако среди существующих галерей современного искусства существуют и такие, которые не имеют дополнительных структур: это «Галерея Дмитрия Семенова», «Д137», «Арт-Коллегия», «С.П.A.C.» (Санкт-Петербургский Арт-Салон) и т.д.

Галереи современного искусства ориентируются на российский художественный рынок и западный в лице частных коллекционеров, музеев и фондов.

Для успешной коммерческой деятельности галереи ведут активную политику в области налаживания контактов между художником и коллекционером. Однако неоднозначный, противоречивый характер общей социокультурной ситуации накладывает отпечаток на их деятельность в этой сфере. Коллекционер – одна из центральных фигур арт-рынка. Коллекционер современного искусства – тот, кто приобретает произведения искусства в первую очередь для получения эстетического удовольствия, хорошо ориентируется в художественной жизни общества, подписывается на специализированные журналы по искусству, предоставляет свои работы на выставки по просьбе их организаторов. Следует также отметить, что именно собиратели современного искусства прославились своими коллекциями и вошли в историю. Это П.М. Третьяков, И.А. Морозов, СИ. Щукин и т.д.

Немало коллекционеров занимается меценатством. На Западе государство гарантирует сохранность коллекции, защиту прав коллекционера, уменьшает налогообложение и даже выплачивает им определенную компенсацию. При этом тот собиратель и любитель искусства, коллекция которого не выставляется и служит только для удовлетворения собственных эстетических потребностей, коллекционером не считается. В России же статус коллекционеров пока не определен. В России коллекционер – в сущности, теневая фигура, а доступ к его коллекции в основном ограничен и возможен только для людей ближнего круга. Только недавно в Москве был организован «Клуб Коллекционеров Современного Искусства», профессионально занимающийся организацией работы как с самими коллекционерами, так и с их коллекциями. Подобную деятельность в данном направлении ведут и художественные галереи, которые периодически предлагают коллекционерам предоставить ту или иную работу для проходящей выставки, знакомят их с интересными для них художниками, критиками, людьми искусства, обеспечивают информативными материалами по деятельности того или иного художника, явлению культуры и т.д.

Поскольку российский художественный рынок современного искусства только формируется, многие галереи, как уже говорилось, работают и на зарубежный рынок, и это также отличает их от иностранных галерей. Несмотря на то что «бум» на советское искусство прошел еще в начале 90-х годов и российским галеристам пришлось переориентироваться на русского инвестора, многие галереи не оставляют надежды завоевать зарубежный арт-рынок. Здесь, ими руководит, с одной стороны, желание познакомить зарубежного зрителя с искусством России, а с другой – стремление выйти на зарубежный рынок с его более высокими ценами и стабильным интересом к вложению денег в искусство, а также мечта занять свою нишу уже в мировом культурном пространстве.

Если посмотреть на список участников практически любой известной международной ярмарки или форума, таких как Art Forum Berlin (Германия), Armory Show (Нью-Йорк, США), Венецианской бьеннале (Италия), Art Cologne (Франция), Miami Art Fair (Майами) и т.д., то можно заметить, что в них участвуют российские представители галерей Москвы, Санкт-Петербурга и Владивостока.

Практически каждая художественная галерея сама создает собственный художественный фонд. Формирование коллекции – важный аспект в деятельности галереи: это придает ей статус не просто коммерческой организации, а культурной, которая занимается собиранием художественных работ новейшего времени, тем самым частично выполняя роль музея. Как отмечает Е. Деготь, «…серьезные галереи, заинтересованные в том, чтобы современное искусство в России имело какой-то контекст (а также просто не рассеялось бы и не погибло), не могут не создавать собственных коллекций, выступая даже не столько спонсорами художников (хотя и такое бывает), сколько единственными грамотными коллекционерами…». Формирование коллекции и фонда чаще всего осуществляется за счет работ с выставки, причем, как правило, художник дарит одну работу с персональной выставки галерее для ее коллекции. Другой путь пополнения собрания – закупка галереей работ художников. Такие коллекции в будущем могут составить часть музейного собрания.

Исходя из истории художественных галерей и анализа их деятельности, можно сделать вывод о том, что оптимальной и устойчивой (отвечающей понятию «художественная галерея»), является такая организация, работа которой направлена, с одной стороны, непосредственно на развитие современной культуры и искусства России, в частности Санкт-Петербурга, а с другой – на развитие художественного рынка. Это проведение персональных и групповых выставок художников, как России, так и зарубежья, что позволяет сохранять определенный качественный уровень; проведение круглых столов и конференций, организация лекций; сотрудничество с различными культурными институциями. Более того, галереи работают с узким кругом художников, выступая, таким образом, своеобразным гарантом качества для коллекционеров, организуют выездные выставки в других галереях и музеях; обеспечивают участие в международных художественных ярмарках и форумах, издание персональных каталогов, буклетов и выпуск другой рекламной продукции. В идеале галерея не должна зависеть от внешних структур и иметь дочерние предприятия, то есть она должна иметь относительно простую структуру, что будет способствовать оперативности в принятии решений и необходимых действий. На современном этапе развития галерейного дела и художественного рынка современного искусства, в свете изменения вкусовых предпочтений коллекционеров и с учетом их внимания к актуальному искусству можно достичь окупаемости и доходности только за счет продажи произведений современного искусства. В то же время оптимально организованные галереи должны быть достаточно гибкими, чтобы постоянно развиваться: расширять сферу своей деятельности, заниматься молодыми художниками (вполне возможно, «искать» их в образовательных художественных учреждениях), быть открытыми для новых направлений и веяний в современном искусстве, принимать активное участие в различных проектах, находиться непосредственно в центре культурных событий.

Кроме того, непреложным условием для успешного функционирования галереи, помимо удачного направления деятельности и подходящей структуры организации, является как определенный культурный уровень населения (именно поэтому галереи и расположены в основном в крупных городах), так и стабильная экономическая ситуация, позволяющая человеку тратить деньги на удовлетворение своих духовных потребностей.

Таким образом, перспективы развития благоприятны для галерей «нового типа», которые смогут сохранить свою нишу и место в культурной жизни города. Остальные же художественные галереи (которые не стали «малыми музеями», получающими государственные дотации и поддержку меценатов), не сумевшие перейти на новые формы рыночных отношений, к сожалению, постепенно себя изживут и исчезнут из культурного пространства города. Однако их место займут молодые галереи с четкой стратегией и тактикой развития, с конкретными целями и задачами. И все же каждая художественная галерея современного искусства играет важную роль как в культурной жизни города и общества, так и в формировании художественного рынка. Они охватывают разные слои общества, с различными материальными возможностями и духовными потребностями.

В последнее время культурная жизнь Санкт-Петербурга становится все более разнообразной. Число проводимых выставок и организуемых проектов из года в год растет. Так, если в 2002 году, по данным Администрации города, в Санкт-Петербурге всего было проведено около 550 выставок и 720 концертов, то в 2003 году – уже около 700 и 860 соответственно. И это связано не только с юбилеем города, но и с ростом духовных потребностей и материальных возможностей зрителей. Обычно за сезон галерея представляет на своей площадке от пяти до двадцати шести персональных и групповых выставок, без учета выездных. В последние годы стали традицией культурные обмены с различными странами. В Санкт-Петербурге постоянно проводятся «недели культуры» различных стран. Так, 2003 год был назван «годом Германии», 2004 – годом Италии, проводились также «Японская неделя» и «Неделя французского искусства». В рамках этих мероприятий проводятся тематические и иные выставки, показы национальных кинофильмов, театральных и музыкальных представлений. В эти акции вовлечены и художественные галереи города. Так, в ежегодно проходящей «Японской неделе» регулярно принимают участие галереи, расположенные на территории арт-центра «Пушкинская, 10», а также и галерея «Д137», и «Сельская жизнь». В сезон 2002-03 года Генеральное консульство Федеративной Республики Германия и Немецкий культурный центр им. Гете провели ряд мероприятий: выставку «Сценический глаз. Визуальные искусства и театр» в Балтийском доме, неделю немецкого фильма в «Доме Кино», фестиваль «Новый Европейский Театр» и т.д.

Такая разнообразная культурная жизнь крупного мегаполиса дает возможность заинтересованному зрителю удовлетворить свои духовные потребности. Открываются новые музеи, выставочные и концертные залы, проводятся различные выставки, проходят премьеры спектаклей, гастроли и концерты, выходит огромное количество литературы по искусству, журнальных и газетных статей, радио- и телерепортажей, Интернет-изданий, освещающих культурную жизнь города. И все же камерная галерея с ее относительно небольшими площадями сохраняет свою культурную нишу. В отличие от городских музеев, она освещает и решает вопросы, не входящие в компетенцию крупных государственных институций. Несмотря на то, что в последнее время Государственный Русский музей, Государственный Эрмитаж, Музей Анны Ахматовой в Фонтанном доме начали уделять внимание сфере современного искусства и даже открыли соответствующие отделы (как, например, Отдел новейших течений ГРМ), на сегодняшний день только «свободная» художественная галерея всесторонне освещает все аспекты современной культуры. В галерее можно увидеть работы не только маститого, но и молодого художника, только в галерее в несуетной и домашней обстановке можно встретиться с любимым автором и пообщаться с единомышленниками. Более того, появилась возможность приобрести понравившееся произведение искусства, причем подлинное и высокого качества. Галерея ненавязчиво знакомит посетителей с новыми направлениями в современном искусстве и воспитывает художественный вкус.

Однако на сегодняшний день для такого мегаполиса как Санкт-Петербург художественных галерей современного искусства явно недостаточно. Более того, нельзя забывать о художниках, которые не имеют представителей их интересов, а также о жителях спальных районов. Галереи также недостаточно работают с начинающими художниками. Организаторы данных институций предпочитают иметь дело с признанными авторами, что гарантирует им насколько это возможно на данном этапе развития галерейного дела в России – коммерческий успех. Однако работа с молодыми перспективными художниками чрезвычайно важна, поскольку без притока свежих сил галерея постепенно утратит свое значение носителя идеалов современного искусства. Поэтому галереи должны постепенно менять и обновлять круг своих художников, «передавая» их в музеи.

Таким образом, галерейное дело России непрерывно развивается: открываются новые художественные галереи современного искусства, растет интерес к творчеству актуальных художников, как в среде публики, так и среди средств массовой информации, расширяются географические границы деятельности художественных организаций и т.д. Все это свидетельствует о том, что художественные галереи современного искусства России идут в правильном направлении, а их значение в формировании культуры и искусства страны с каждым годом будет повышаться.

1.3 История возникновения художественных галерей современного искусства Санкт-Петербурга

Галерейное дело зародилось в России еще в первой четверти XVIII века, когда предпринимались первые попытки организовать выставочную деятельность с целью просвещения российского народа. Д. Северюхин пишет: «До середины XIX века художественная жизнь Санкт-Петербурга безраздельно определялась волей Императорской Академии художеств, обладавшей монопольным правом регламентации государственного художественного распорядка». С 1858 года Общество поощрения художников стало проводить выставки-продажи. «Ежегодные академические выставки и во многом уступающие им по масштабам выставки-продажи, с 1858 г. организуемые ОПХ в доме Таможни близ Биржи (наб. Малой Невы, ныне наб. Макарова, 4), с 1862 г. – в доме Глазунова (располагался на месте дома 72 по Невскому пр.), с 1863 г. – в доме Голландской церкви (Невский пр., 20), фактически исчерпывали панораму художественно-выставочной жизни столицы, если не считать деятельности нескольких небольших магазинов, специализирующихся на продаже гравюр».

С середины XIX века монополия государства стала постепенно уступать место свободному художественному рынку. «Монополизм Академии все чаще входил в противоречие с веяниями времени, заставляя художников заботиться о своей самостоятельности и побуждая их искать новые формы объединения на профессиональной основе». Возникли «Рисовальные вечера по пятницам» («Академические пятницы») (середина 1850-х г.г.), «Санкт-Петербургское собрание художников» (1863), Санкт-Петербургская артель художников (декабрь 1863), Товарищество передвижных художественных выставок (1869-1870), салон «Современное искусство» (1902-1903), салоны С.К. Маковского (1909) и В.А. Издебского, художественное бюро Н.Е. Добычиной (1911) и др. Большинство из петербургских художественных объединений имело корпоративный характер и выступало в качестве основных организаторов выставочно-коммерческой деятельности. Однако уже во второй половине 20-х годов XX века в связи с учетом новых политико-экономических реалий практически все художественные объединения перестали существовать: творческая деятельность, не поддерживаемая государством, была запрещена. Существовало галерейное дело и в Советском Союзе. Однако поскольку частное предпринимательство было вне закона, галерейное дело оказалось в сфере интересов государства и заключалось в выставочной деятельности, организуемой самим государством в лице музеев, общественных и художественных фондов, а также в проведении официальных персональных некоммерческих выставок художников. Помимо официального галерейного дела, организованного государством, всегда существовала выставочная деятельность, носящая характер частной инициативы, чаще всего диссидентской направленности, и не вписывающаяся в официальное искусство. Достаточно открытым галерейное дело стало в период «хрущевской оттепели», когда отдельные творческие личности и группы художников организовывали квартирные выставки, во время которых нередко происходила продажа произведений неофициального искусства. Хотя, безусловно, отнести эту деятельность к системной организации галерейного дела с определенными функциями и задачами достаточно сложно, поскольку галерейное дело и в это время носило неофициальный характер и находилось вне правового поля.

Таким образом, галерейное дело существовало всегда, но меняло свои качественные формы, структуру, функции и содержание под воздействием идеологии, политики, экономики и во взаимодействии с культурой и обществом.

В Советском Союзе помимо официального искусства, замкнутого на общество и государство с его официальными институтами (Министерством культуры, Союзом художников СССР, РСФСР, Художественным фондом, Комбинатом декоративно-оформительского искусства), существовала и оппозиционная «группа» художников, которые исповедовали принципы личной свободы самовыражения.

Точную датировку появления альтернативных тенденций произвести достаточно трудно. В большинстве литературных источников появление альтернативных направлений развития выставочной деятельности приурочено к периоду Хрущевской оттепели.

Конечно, говорить о том, что в это время существовали галереи, не приходится. Но на частных квартирах или в отдельных «мастерских» собирались художники определенного круга интересов и приносили свои картины. Они их демонстрировали в основном узкому кругу общих знакомых, чаще всего разделяющих их взгляды на свободу творчества, или самим художникам, считающим для себя возможным выразить свое личное мнение на искусство, отличное от официальной позиции государства на творческий процесс и его содержание. Эти единичные творческие личности на фоне общей массы художников, работающих в официальной системе социалистического государства, составляли достаточно целостную группу единомышленников, объединенных стремлением к свободе самовыражения. Эта деятельность и послужила толчком к тем изменениям в системе искусства и культуры, да и общества, которые возникли во время Перестройки.

В 70-е и начале 80-х годов уже сформировались отношения между художниками альтернативной творческой ориентации. Они и стали участниками многочисленных разрешенных и неразрешенных выставок. К наиболее значительным выставкам, можно отнести: выставку во дворе особняка американского журналиста Э. Стивенса «На открытом воздухе», выставку в Копенгагене «10 Kunstnere fra Moskva» (1971), знаменитую «бульдозерную выставку» (1974), выставки художников-нонконформистов в павильонах «Пчеловодства» в ВДНХ и в ДК Невский в Ленинграде.

В это время во Франции – законодательнице мод, быстрее всего реагирующей на новые тенденции, уже появился Музей современного русского искусства в Монжероне, а в Советском Союзе, в частности в Ленинграде, в 1977 – 1978 годах в квартире Вадима Нечаева и Марины Недробовой был создан неофициальный Музей современного искусства, «собравший в своей коллекции живопись и графику многих художников – участников предыдущих шумных выставок».

В это время активизируется процесс коллекционирования произведений современного искусства, без которого не может возникнуть настоящее галерейное дело, ибо именно спрос должен рождать предложение и на спрос должна ответить своим существованием настоящая галерея. Появились коллекционеры современной живописи, такие как А. Глезер, Н. Додж, Т. Колодзей, Г. Костаки, Е. Нутович, Л. Талочкин. Собрание последнего насчитывало более 500 экспонатов. Оно было поставлено Министерством культуры СССР на учет как памятник культуры всесоюзного значения.

Усилился интерес к русскому искусству со стороны средств массовой информации, первоначально ее иностранных представителей, а затем по мере ослабления цензуры – и отечественных журналистов. Выходило огромное количество статей в западной прессе, посвященных русскому искусству и главным образом новым авангардным течениям, которые в советской прессе именовались как неофициальное советское искусство.

Наивысшим проявлением творческой свободы того времени можно считать появление таких художественных групп конца 80-х – начала 90-х годов, как петербургские (Евгений Юфит и Андрей Панов) и московские (Олег Кулик, Александр Бренер, Анатолий Осмоловский и Авдей Тер-Оганян) некрореалисты.

Старая социалистическая система перестала финансировать культуру, дав установку на хозрасчет, на самоокупаемость, прекратились заказы от государственных организаций. На авангардных неофициальных художников, которые находились в состоянии ожидания перемен, эти процессы воздействовали лишь стимулирующим образом, и они продолжали еще активней объединяться в свои союзы, группы и творческие объединения. Это, например, СПб Общество «А-Я», СПб Гуманитарный фонд Свободная Культура (Арт-центр «Пушкинская, 10»), Новая Академия Изящных Искусств, творческое объединение «Озерки» и т.д.

Провозглашенная М.С. Горбачевым Перестройка декларировала всестороннее развитие демократии, а значит, и свободу самовыражения. Социалистическая самоуправляемость организаций на деле обернулась полным отсутствием какой-либо управляемости в системе, и в новых условиях, когда старые связи были нарушены, а новые, ведущие к порядку (системной организованности), еще не образовались. Разрушение внешних системообразующих и саморегулирующих факторов привело к тому, что взаимосвязанные с обществом системы культуры, искусства, в том числе и музейного дела, в это время не представляли целостных образований. В это время проводилось огромное количество разнообразных выставок и показов: профессиональных и любительских, коммерческих и некоммерческих, конкурсных и неконкурсных. В тоже время, при еще существующих исполкомах на основе отделов культуры были организованны художественные комиссии, которые пытались остановить поток безвкусицы, хлынувшей на «художественный рынок». В больших городах было достаточно специалистов, участвующих в работе этих комиссий, и это оказывало, хоть незначительное, но регулирующее влияние на отечественный арт-рынок. В средних и малых городах такого профессионального регулирующего воздействия не было. При отсутствии финансовой государственной поддержки влияние таких комиссий, организованных на общественных началах, не могло быть сколько-нибудь эффективным в деле формирования новой системы галерейного дела.

По мере того как более глобальные системы – общество и государство – начинали реформироваться, выдвигая новые требования, установки, постановления, которые постепенно обретали форму законов, саморегуляционные процессы снизу также начинали оказывать стабилизирующее влияние, подталкивая систему к порядку. Постепенно начали возникать новые объединения: кооперативные, творческие, товарищества. Уже к концу 80-х годов появились рекламы некоторых коммерческих предприятий с довольно широким перечнем художественных услуг, которые предлагались населению и различным некоммерческим и коммерческим организациям. К этому же периоду относится и появление первых официальных художественных галерей со своим уставом, в котором достаточно четко прописывались структурная, функциональная и содержательная формы организационной сущности образуемого предприятия.

Возникновению галерей современного искусства в 80-х годах XX века способствовал ряд факторов, складывающихся в Советском Союзе еще с 70-х годов:

потеря Союзом художников своего авторитета и влияния;

издание государством закона о культурных ценностях;

формирование культуры коллекционирования;

усиление внимания средств массовой информации к искусству андеграунда;

интерес к современному искусству со стороны зрителей.

С 1980 года на ул. Воинова, 24 в коммунальной квартире Тимур Новиков постоянно проводил выставки группы «Летопись». А с 1982 года дом начали расселять и стали освобождаться все новые помещения, которые он стал занимать под мастерские художников. И в 1982 году в двух комнатах этого расселенного дома была организована первая галерея Санкт-Петербурга – квартирная галерея «АССА», просуществовавшая до 1987 года. Здесь проводились выставки группы «Новые художники», показы фильмов «Параллельного кино» и показы мод, галерею посещали и всевозможные гости с Запада. Именно там была проведена первая выставка Энди Уорхола в России. Там же проходили первые персональные выставки неофициальных художников: Олега Котельникова (1983), посмертная выставка Валерия Черкасова (1984), выставка Евгения Юфита (1985), московского художника Владимира Наумца (1985), Сергея Бугаева (1986), Тимура Новикова (1986), а кроме того, выставка коллажа (1984), выставка художников новороссийской школы (1985), биеннале портретов Тимура Новикова (1980, 1982, 1984). Всего за пять лет существования здесь прошло около 17 выставок. И что самое главное – эта выставочная деятельность была постоянной.

Новые галереи стремились получить официальное признание, разработать индивидуальный бизнес-план развития, поставить перед собой определенные задачи и цели для отражения различных существующих направлений в искусстве. Они сочетали выставочную работу с отдыхом зрителя и покупателя (субъектов галерейного дела). В качестве гостеприимных хозяев выступали сами художники, а искусствоведы и пресса приглашались на открытие выставок-продаж.

Существенный толчок к оживлению художественного рынка и развитию галерейного дела дали аукционы, которые проводились довольно регулярно и на которых продавались как современные картины, так и предметы старины.

По мнению автора, развитию галерейного дела способствовало еще одно обстоятельство: художники непосредственно знакомились с организацией галерейного дела в странах с развитой демократией, а это в свою очередь способствовало развитию галерейного дела в крупных культурных мегаполисах.

На фоне положительных тенденций в развитии галерейного дела в этот период наблюдались и некоторые негативные тенденции, непременно сопутствующие становлению новой системы. В связи с ростом интереса западного потребителя к русскому искусству, художественная продукция многих других художников стала превращаться в сувенирно-экспортную.

Западные галереи заключали договора на организацию выставок с теми единичными галереями России, которые уже возникли, что значительно расширяло культурное пространство арт-рынка. На фоне расширения культурного пространства и появления в нем все новых галерей в средствах массовой информации значительно возрос объем информации, освещающей их деятельность. Появилось больше информации о галерейном деле и в специальной литературе, посвященной проблемам современного искусства.

Начиная с 1988 года, в Санкт-Петербурге стали возникать художественные галереи современного искусства, и их историю целесообразней рассматривать на примере крупных и наиболее значимых галерей.

А. Боровский условно выделяет два этапа развития деятельности галерей. Первый этап, относящийся к первой половине 90-х годов, «видится в исторической перспективе как цельный культурный дискурс: единый язык, единый народ (аудитория), единое информационное, операционное, бытийное поле…» . Именно в это время сформировался тип современной галереи как полифункциональной, сбалансировано культуртрегерской и коммерческой институции. Так, в 1988 году в Санкт-Петербурге появились галереи «Ариадна», «Невский, 20», «Галерея 10-10», «Гильдия мастеров», вслед за ними – «Анна», к 1990-му году – «Палитра», «Дельта», в 1991 году – «Арт-Коллегия», «Борей» и т.д. Однако «первые галереи, как и все, появляющееся впервые, носили стихийный характер…».

Включаясь в систему новых экономических отношений, художественные галереи, прежде всего, создавались с целью получения прибыли за счет продажи картин на Запад. Эти институции были порождением кооперативного движения и заключали в себе все его особенности – авантюрный характер, эфемерность, неясность правил игры, отсутствие каких бы то ни было гарантий. Зачастую они создавались даже не профессионалами арт-сцены, а просто людьми, имевшими в тот момент выход на иностранного потребителя. Галереи первой волны («Ариадна» и «Анна») интересовали, прежде всего, коммерческие возможности продажи произведений. Как отмечает М. Колдобская, «этот коммерческий цинизм, крайне плохой сам по себе, имел и положительный шоковый терапевтический эффект: он разрушал традиционную корпоративную систему ценностей, основанную на противостоянии: конформист – нонконформист».

Одной из самых первых галерей в Санкт-Петербурге была возникшая в мае 1988 года галерея «Ариадна». Галерея представляла молодых художников левого крыла. Выставки проводились на разных площадках города. Сотрудники занимались формированием художественной коллекции. В начале 1989 года галерея выступила в качестве организатора общегородской выставки «От неофициального искусства – к перестройке» в выставочном комплексе Ленэкспо в Гавани, в рамках которой был успешно проведен художественный аукцион. В 1990 и 1992 годах по инициативе галереи состоялись I и II Бьеннале новейшего искусства. Однако просуществовала эта галерея недолго и закрылась в начале 90-х годов.

В 1988 году так же были основаны галерея «Анна» и «Невский, 20». На сегодняшний день, к сожалению, от той галереи «Анна», что была первоначально, не осталось и следа. Теперь галерея занимается только продажей картин, на что повлияло ее новое месторасположение: на территории гостиницы «Шератон Невский Палас». Оно же определило направление ее развития – с ориентацией на вкусы и потребности зарубежных туристов. Галерея «Невский, 20» была организована в выставочном зале при библиотеке им. А. Блока в октябре 1988 года. Это было возрождением традиции более чем полувековой давности: с 1836-1917 годов в здании Голландской церкви действовала первая выставка художников Императорского Общества Поощрения Художников, картины которых сейчас представлены в Государственном Русском музее и в Государственной Третьяковской галерее. Всего за 15 лет существования в галерее «Невский, 20», прошло более 350 выставок.

Интерес представляет и история петербургского Культурного центра «Пушкинская, 10», в рамках которого существовал и существует ряд художественных галерей. История «Пушкинской, 10» началась в 1989 году. Сначала «независимые» художники, музыканты и другие деятели культуры обосновались в пустующем доме на Пушкинской улице. Затем объединились в Фонд «Свободная культура» – общественную негосударственную некоммерческую организацию, ныне переименованную в «Товарищество», работающее как творческий союз, который отстоял свое право на творчество в этом месте. Пропагандируя современное искусство как неотъемлемую часть культурной политики демократического государства, Центр осуществляет активную творческую деятельность в основных подразделениях: это центр танцевальной и экспериментальной музыки «База», книжный клуб «КУЛЬТПРОСВЕТ», студия изобразительных искусств под руководством Виктора Андреева, художественное издательство «Деан», русский инженерный театр группы «AXE», Храм Любви, Мира и Музыки им. Джона Леннона, художественное издательство «Петрополь», петербургский архив и библиотека независимого искусства, продюсерский центр «Стоп Тайм», техно-арт-центр, музыкальный клуб-кафе «Fish Fabrique», a также ряд художественных галерей и музеев (музей Новой Академии Изящных Искусств и музей Нонконформистского искусства1).

Наиболее интересными являются следующие галереи: «Галерея 10-10» и «Navicula Artis». В 1988 году художники Ю. Рыбаков, С. Ковальский, Е. Орлов и искусствовед Л. Улитина зарегистрировали первую кооперативную галерею, которая в 1989 году разместилась на Пушкинской, 10 и стала называться по номеру занимаемой квартиры и дома – «Галерея 10-10». За первые два года существования ей удалось сформировать определенное направление деятельности и обеспечить высокий качественный уровень проводимых выставок. Именно в этой галерее состоялись первые в России официальные персональные выставки А. Арефьева и Е. Рухина – двух из немногих основоположников нонконформистского искусства Ленинграда – Петербурга. Впервые на негосударственном уровне был осуществлен обмен выставками с американскими художниками.

Галерея «Navicula Artis», была основана в 1992 году выпускниками исторического факультета СПбГУ. Первоначально галерея располагалась в Белом зале Дворца Труда, в 1998 году переехала в новый выставочный зал на «Пушкинской, 10». Организует свою работу как некоммерческая организация и реализует принципы экспонирования, ориентированные на актуальный контекст и генерирующие стратегии современного искусства. Проводит выставки современного искусства – тематические, концептуальные экспозиции с приглашением разнообразного круга кураторов и художников – проводит чтения и дискуссии по актуальным проблемам современного искусства, тематические лекционные циклы, издает информационный биллютень -журнал, освещающий деятельность выставочного зала.

На улице «Пушкинской, 10» также функционируют галереи: «ФотоImage», «Дверь», «Мост через Стикс», «Арт-Лига».

В 1990 году была организована галерея «Палитра», расположившаяся на Невском проспекте, позже она открыла свои залы на Малой Морской улице. Первоначально выставляла молодых художников – выпускников Художественного училища им. Серова, однако постепенно стала заниматься в основном живописью модернизма. Проходящие выставки, в основном персональные, менялись один раз в три недели. Галерея эта с самого начала своего существования отличалась открытостью и демократичностью. Со времени открытия галерея «Палитра» провела более 300 персональных и тематических выставок петербургских живописцев, графиков и скульпторов. Закрылась осенью 2003 года.

В 1990 году открылась художественная галерея «Дельта», куда входили издательство и галерея современного искусства. За тринадцать лет галерея провела более шестидесяти пяти выставок, четыре из них – совместно с Киевским музеем современного русского искусства. Закрылась осенью 2003 года.

Творческий центр Борей-Арт» был основан 5 января 1991 года группой единомышленников. Его задачей является предоставление максимальных возможностей культурной личности для реализации ее работы. С самого начала стала представлять искусство самых разных, в основном молодых, художников, независимо от жанра и технологий. Выставки проводятся регулярно, меняясь примерно один раз в две недели (с 1991 по 2003 год провели более 400 выставок). Общедоступна и открыта. Выживает благодаря камерным дочерним предприятиям: редакции, дизайн-студии, фото-студии, поэтической студии для детей и подростков «Пегасик», музыкальной джазовой школе, типографии, книжному магазину, лавке сувениров и декоративно-прикладного искусств, кафе. Также ставились и спектакли, например по А. Бродскому «Мрамор».

Художественная галерея «Арт-Коллегия» была создана в 1991году. В течение 1991-1993 годов функционировала в качестве координирующего выставочного центра. Первой крупной городской акцией было проведение выставки «Арт-Коллегия» представляет» в Государственном Русском музее (1992 год). С двух фестивалей «Анатомия современного искусства Санкт-Петербурга» («Арт-Коллегия» – 1998, 1999) не было продано ни одной работы, хотя на этих фестивалях были представлены различные поколения, направления, школы, группы художников, начиная с участников Газо-невских выставок». Закрылась в начале 2004 года.

Таким образом, первые перестроечные галереи не были галереями в профессиональном понимании этого слова. Задача галереи – выставочная политика, создание репутации авторов и кураторов, утверждение моды и в результате – цены произведения. Советские галереи образца 80-х были фирмами-посредниками, в основном работавшими даже не с западными галереями, а с оптовыми закупщиками, зачастую эмигрантами. Единственный положительный момент этого бума на внутреннем рынке выражался во внедрении идеи, что современное искусство ценно и его можно выгодно покупать. Художники андеграунда не торопились расставаться с советским наследием и всегда подчеркивали свою приверженность к неофициальному искусству, так как это приносило свои дивиденды, существенно повышая интерес к их работам и цену на них.

Глава 2. Анализ музейно-выставочной деятельности арт-галерей в Санкт-Петербурге

.1 Арт-галереи современного искусства Санкт-Петербурга

В настоящее время в Санкт-Петербурге существует примерно около пятидесяти художественных галерей, и их число из года в год растет.

Если рассматривать художественные галереи современного искусства Санкт-Петербурга, то, на первый взгляд, существенные различия обнаружить достаточно сложно. На данный момент есть несколько галерей-лидеров, уже утвердившихся на художественной и культурной сцене. Каждая из них стремится занять свою нишу и утвердиться в культурном и экономическом пространстве, не только работать с целью получения прибыли, но и заниматься просветительской деятельностью, принимать участие в специализированных международных художественных ярмарках. Однако это только внешнее сходство.

Галереи отличаются выбором направления деятельности и областей приложения. Так же не маловажна структура самой галереи (наличие дочерних предприятий), содержание ее деятельности, а так же степень открытости и гибкости организации.

Среди ныне действующих художественных галерей современного искусства следует особо выделить следующих «гигантов» : арт-галерея «Арка», «Д137», «Спас», «КвадраТ», «Галерея 21», «Арт-Коллегия», «Дельта», Арт Центр «Борей».

Главное направление деятельности арт-галереи "АРКА" – организация выставочных и культурных проектов в Петербурге и в российских регионах. Передвижные выставки произведений петербургских художников путешествуют по Сибирским государственным музеям. Также арт-центр представляет выставочные площади своей галереи для презентации творчества художников Севера и Сибири и занимается активной издательской деятельностью.

Главным направлением художественной политики галереи является развитие международных и региональных художественных связей. Постоянно поддерживаемые контакты с Консульствами других стран в Санкт-Петербурге существенно облегчают процесс транспортировки выставок через границы.

Тематические, персональные выставки и акции проводятся каждые три недели. Открытие выставки всегда сопровождается дополнительным культурным мероприятием, органично поддерживающим главную идею проекта (концерт, небольшое театральное или танцевальное действо, мастер-класс, сооружение инсталляции или, к примеру, чайная японская церемония).
В галерее проводятся пресс-конференции и PR-акции для презентации разных организаций. Таким образом, были представлены Балтийская ювелирная компания, Парижская палата профессий и ремёсел (совместно с «Эрмитажем»), новый энергетический стандарт Ленэнерго, VIII Санкт-Петербургский Международный Карнавал и пр. Любая выставка подразумевает комплекс мероприятий, включающий искусствоведческую работу, издание буклетов, книг, открыток, афиш, а также серьёзную работу с прессой.

Выставки носят как коммерческий, так и некоммерческий характер. Галерея принимает участие в международных и городских фестивалях (Мастер-Класс, Осенний Фотомарафон, АRTINDEX и др.), которые имеют обширную программу и проходят на крупных выставочных площадках Санкт-Петербурга, а также в Крупных московских арт-ярмарках Галерея современного искусства «Д137» была основана как Фонд поддержки некоммерческих художественных проектов, и наряду с выставочной деятельностью, проводит различные художественные акции, конференции, посвященные вопросам современной культуры и искусства, творческие встречи с художниками и деятелями культуры. «Д137» имеет высокий авторитет в художественных кругах и является первой галереей Санкт-Петербурга, которая вышла на международный уровень, представляя своих художников на престижных ярмарках «Арт Форум Берлин 2002» и «Арт Болония 2006». Участник ярмарки «Арт Москва» с 2002 по 2007 год. Галерея «Д137» имеет благодарности от Генерального консула Федеративной Республики Германии Ульриха Шёнинга за поддержку проекта Генерального консульства по пропаганде современного изобразительного искусства Санкт-Петербурга в Германии и от директора Государственного Русского Музея В.А. Гусева за «существенное дополнение в раздел современной живописи Санкт-Петербурга».

Наиболее заметными событиями последних лет были выставки: «Ronnie Wood- Rock-Star and Painter», художника и гитариста легендарной группы «The Rolling Stones», известного арт-критика и фотографа Великобритании Эдуарда Люси-Смита, Олега Кулика и Владислава Мамышева-Монро (совместно с XL галереей, Москва) и др.

Галерея выставляет произведения как известных современных художников, чьи работы находятся в крупнейших музейных и частных коллекциях, так и молодых, занимающихся актуальным искусством. Будучи негосударственной организацией, галерея значится во Всероссийском Реестре музеев, а также в International Online Gallery Guide Art Facts.net.

Долговременной и стабильной для галереи явилась репрезентация психоаналитического вектора петербургской культуры (выставки и конференции, проведенные совместно с Восточно-Европейским институтом психоанализа и без него). Осуществляется постоянное сотрудничество с немецкими и финскими художественными институциями.

Удачной и оставшейся в культурной памяти города была выставка «Петербургская светопись». Упомянутая выставка актуализировала интерес к старым «пикториальным» техникам фотопечати, закрепила его в качестве важной линии современной фотографии.

Галерея «Дельта» была основана в 1990 году. Несмотря на свою молодость, популярность галереи стремительно растет, набирая обороты. С момента основания в ее стенах было проведено около ста художественных выставок. Некоторые выставки проводились совместно с Киевским музеем современного русского искусства. Галерея ведет активное сотрудничество с отечественными и зарубежными музеями и выставками, деятельность которых посвящена современному изобразительному искусству русских художников.

Данная галерея содержит экспозиции, которые представлены работами современных художников. Галерея «Дельта» ставит перед собой задачу показать новый взгляд на искусство и на его приоритеты. Стремится дать возможность понять людям, что искусство может быть очень разнообразным и многогранным. Оно дает возможность не только прикоснуться к прекрасному, сохранить память в веках, а также по новому взглянуть на мир, окружающий человека. Показать духовную сторону многих процессов и событий. Однако, галерея «Дельта» проводит не только экспозиционную деятельность. В рамках проекта «Семейный альбом», который был открыт при переезде галереи на Невский проспект, проводятся регулярно выставки работ художников и фотографов. С галерей сотрудничают многие известные художники современности. Экспозиция галереи «Дельта» не очень большая. Всего несколько залов. Однако, экспонаты часто сменяют друг друга. Регулярно проходят новые выставки с демонстрацией последних работ ленинградских художников современности.

Галерея Арт-коллегия возникла в 1991 году. Это огромная выставочная площадка, занимающая сто пятьдесят метров общей площади. В девяностые годы прошлого века эта галерея являлась выставочным центром координирующего характера. Арт-коллегия ознаменовала свою деятельность такой крупной акцией, как выставка под названием «Арт-коллегия представляет». Галерея является активным участником многочисленных международных акций, например, таких акций, как «Тиас», «Арт-Токио», которые прошли в Японии. Галерея Арт-Коллегия инициировала проведение 3-го и 4-го Бьеннале новейшего искусства в девяностые годы прошлого века, «Осенних фотомарафонов». Арт-коллегия – инициатор многочисленных культурных программ с участием поэтов и художников, писателей и фотографов, философов и музыкантов, коллективов театров и музыкальных групп. Галерея может похвастать уникальной коллекцией абстрактной живописи и живописи фигуративного типа. Ей принадлежит огромная роль в популяризации современного искусства, новых техник в дизайне и декоре. Очень популярны среди широкой публики выставочные проекты и арт-фестивали, прошедшие под лозунгом «Анатомия современного искусства Санкт-Петербурга». Арт-коллегия позволяет познакомиться с творчеством камерных ансамблей, с коллекциями «Лианозовской школы», принять участие в новогодних арт-фестивалях, в ежегодном фестивале, посвященном А.С. Пушкину. В галерее выставляются очень необычные работы, например, выставка рисунков пациентов, проходящих лечение в психиатрических больницах – «Иные». Целый цикл выставок посвящен великому Петербургу в разные годы его развития, например, «Ленинград 1940-80-х годов» или «Ленинград 1940-80-х годов», прошлый век с его искусством представлен выставкой под названием «20-80-е годы ХХ столетия».

Галерея «21» сравнима с крупной культурной институцией. Это художественная студия новейшей формации. Здесь располагается постоянная композиция, которая регулярно обновляется новыми работами, проходят различного рода мероприятия: выставки, конференции, симпозиумы. В них задействованы не только русские мастера изобразительного искусства.

За шестнадцать лет своего существования галереей было проведено более 800 мероприятий. Галерея участвовала в проектах Stubnitz Tour, «Третья реальность», «Классическая культура в новой технологической среде», «Следующие пять минут».

Галерея "Квадра Т" была открыта для широкого круга посетителей в 2003 году. Галерея, представляя творчество художников послевоенного периода, помогает посетителям узнать многие неизвестные, яркие имена и события прошлых лет. Наряду с искусством послевоенного времени и его традиционными видами и формами, в музее экспонируются работы художников новых течений. Здесь проводятся регулярные демонстрации работ современных видео-художников. В архиве «Квадрата» имеются выставки музейного уровня «Цветы и голуби», графические и скульптурные произведения фотографии и живопись выставок «Исчезающее время», «Путешествие на Восток». «Галерея Квадрат» сотрудничает с художниками и галереями из других стран. «Галерея КвадраТ» проводит выставки, организует семинары, посвященные развитию актуального искусства. Каждый год, на международных выставках, проводимых в Нью-Йорке, Галерея представляет творчество современных художников Санкт-Петербурга.

В коллекции Галереи «Спас» более пятисот картин современной живописи. Галерея приветствует развитие всех направлений в живописи. Благодаря активной работе Галереи "Спас", с творчеством Петербургских художников познакомились европейские и американские ценители живописи. Выставки петербуржских художников с успехом прошли в Америке, Италии, Германии, Франции, Голландии. Галерея "Спас" организовала выставку "Аванград на Неве" которая была продемонстрирована в Государственной Третьяковской галерее в Москве, представив здесь около трехсот живописных полотен шестидесяти авторов.

Среди наиболее значимых выставочных проектов Галереи можно назвать выставки объединений и групп "Форма+цвет", "Окно", "Снег", "Новые романтики Санкт-Петербурга", "17 апреля", "Дети Архипа Куинджи". Большой интерес вызывает групповая выставка, посвященная юбилею К. Малевича: "К Малевичу. Туда и обратно", проект О. Янушевского "Майский вечер", в который был включен набор художественных средств: звуковые сигналы и записи пения птиц. Здесь проводилась художественная акция "Зритель как художник" и выставка "Пространство Стерлигова" в Аничковом дворце. Галерея, имея три выставочных зала площадью около ста квадратных метров, проводит групповые и персональные коммерческие выставки, организует авангардные художественные акции и перфомансы. Галерея "Спас" оказывает помощь в формировании коллекций отечественным и зарубежным коллекционерам, инвестиционным компаниям и банкам. В число ее постоянных партнеров входят консулы зарубежных представительств, эксперты европейских музеев и фондов.

Арт Центр Борей создан в 1991 году как принципиально новая структура в области искусства и культуры. Борей отзывается на все жанры, тенденции и направления в искусстве.

За 15 лет центром проведено более 800 выставок и художественных акций, издано более сотни книг, регулярно проходят литературные вечера, философские чтения, презентации книг и журналов.

Главная задача – представить широкий срез художественной и интеллектуальной жизни, необходимый для выработки критериев оценки современного искусства.

Таким образом, по мнению автора, среди представленных арт-галерей можно выделить следующие похожие признаки: активное, широкомасштабное проведение художественных выставок различной направленности, культурных мероприятий, значимых для общества. Так же представленные художественные галереи ведут активную международную деятельность, представляя российских творцов на международном арт-рынке. Отличительной чертой Санкт-Петербургских галерей современного искусства является достаточно активное издание печатных, видео и аудио- материалов (по сравнению с другими регионами). Различия в деятельности можно обозначить следующие: конкретная направленность представляемого вида искусства, а так же активность проведения дополнительных культурных мероприятий (таких как конгрессы, симпозиумы, акции, творческие вечера).

2.2 Специфика деятельности арт-галерей Санкт-Петербурга в конце XX – начале XXI века

Особенности художественных галерей современного искусства вытекают непосредственно из специфики пространства, в котором они существуют, и в данном случае галереи Санкт-Петербурга – не исключение.

Специфика галерей современного искусства Санкт-Петербурга заключается, во-первых, в формах существования. Вследствие ограниченности финансовых потоков в культурной столице галереи здесь существуют в основном на средства спонсоров и меценатов. На сегодняшний день огромная редкость, когда галерея окупает себя сама (т.е. не имеющая источников доходов, кроме продажи представляемых ею произведений). Именно поэтому для галерей Санкт-Петербурга характерно наличие дочерних предприятий. Поскольку галереи в большинстве своем не являются самоокупаемыми, они не имеют возможности уделять больше внимания работе с художниками, их продвижению и продаже произведений коллекционерам и различным культурным организациям.

Во-вторых, в Санкт-Петербурге, к сожалению, нет Музея современного искусства. Подобные музеи стимулируют развитие галерей, поскольку сама организация музея изначально является неким гарантом качества и ценности того, что находится в его фондах; кроме того, музеи по мере возможности приобретают работы мастеров современного искусства.

На протяжении всего XX века в Санкт-Петербурге неоднократно предпринимались попытки создания Музея современного искусства. «На рубеже третьего тысячелетия Россия оказалась единственной страной, фактически не имеющей ни музея современного искусства, ни центра, где можно было бы представлять широкому зрителю, как постоянную коллекцию, так и периодические выставки новейшего изобразительного искусства».

Открытый в Санкт-Петербурге 9 февраля 2002 года Музей современного искусства в культурном центре по адресу: улица «Пушкинская, 10», таковым можно считать лишь номинально. Крупнейшие общественные и частные коллекции объединили свои усилия с исследовательскими организациями: товарищество «Свободная культура», Институт истории современного искусства, Музей искусства нонконформизма, Петербургский архив и библиотека независимого искусства, Институт микро- и макрокосмических исследований им. С. Курехина и Музей Новой Академии Изящных Искусства с этого момента стали демонстрировать сокровища своих фондов. Свою выставочную деятельность Музей начал с показа работ из серии «Страшный суд» Сергея Бугаева-Африки, представлявшего Россию в 1999 году на Венецианском бьеннале. Музей проводит выставки крупнейших мастеров современного искусства. Однако музеем его можно назвать с большой натяжкой, поскольку главной функцией музея как организации культуры является сохранение культурных памятников и произведений искусства, а Музей современного искусства не имеет собственного фонда, а лишь отдельные собрания различных институций, его организовавших.

Существует также Отдел новейших течений Государственного Русского музея, но из-за недостаточного финансирования поступления в него крайне малы. Собрание значительно пополнила переданная Государственному Русскому музею в Санкт-Петербурге в 2001 году часть коллекции современного искусства московского галериста Марата Гельмана.

И, наконец, галереи отличаются также выбором направления деятельности и областей приложения. Специфика деятельности любых галерей заключается в продвижении искусства родного города на своих площадках. Таким образом, специфика искусства Санкт-Петербурга обуславливает специфику самих галерей.

Обращаясь к вопросу об особой роли Санкт-Петербурга в изобразительном искусстве, В.Н. Козиев (художник и галерист Валерий Вальран) в своем докладе «Петербургский архетип в живописи» на седьмом Международном философско-культурологическом симпозиуме отмечал, что сама история русской светской живописи начинается едва ли не с Санкт-Петербурга, и начальные этапы ее развития имеют петербургскую доминанту, в которой ключевую роль играли приглашенные европейские художники. Идеологическим воплощением петербургского архетипа стала дифференциация западнической и славянофильской ориентации в русской культуре, а появление в Российской империи Санкт-Петербурга имело, помимо всего прочего, рефлексивные последствия. Особенность города давала возможность взглянуть на собственную культуру с иных позиций – в понимании Петра Первого и его сподвижников. Благодаря Санкт-Петербургу формировалась национальная идентичность. Петербург не столько породил славянофильскую ориентацию, сколько дал возможность ее идентифицировать и отрефлексировать в противопоставлении к западничеству, которое он собственно и был призван репрезентировать. И хотя Петербург не стал «западным» городом, он уже не был и чисто русским. Современное петербургское искусство, включая ленинградский андеграунд советского периода, до некоторой степени сохраняет петербургскую специфику, впервые проявившуюся у художников «Мира искусства». Художники Ленинграда-Петербурга продолжают линию «чистого» искусства, которое ориентировано преимущественно на духовные и культурные поиски. В Санкт-Петербурге не возникло, да и не могло возникнуть такое направление, как соц-арт, которое расцвело в Москве и стало популярным на Западе. Петербургские художники избегали репрезентировать социальность в том или ином виде, тем более использовать ее как изобразительный язык. Ориентация на традицию и консерватизм петербургского искусства проявляется и в том, что оно, с одной стороны, не склонно к радикализму и брутальности, а с другой – к популизму как средству завоевания культурного капитала. Петербургский артистический мир остается сдержанным и аристократичным. Это проявляется и в галерейных проектах. Именно поэтому в Санкт-Петербурге нет галерей, которые бы занимались лишь концептуальным, эпатажным искусством, что связано не только с фактическим отсутствием такого вида искусства в Санкт-Петербурге, а также и с тем, что петербургский коллекционер и зритель не готовы к его восприятию.

На данном этапе развития галерейного дела уже можно говорить о различных направлениях деятельности галерей, структурных характеристиках, об их роли в культурном пространстве и влиянии на зрителя.

Большое количество разнообразных художественных галерей Санкт-Петербурга и их относительно продолжительное время существования позволяет классифицировать художественные галереи исходя из направления деятельности галереи (содержания). Такой анализ информации о галереях Санкт-Петербурга с разработкой их классификации может помочь разобраться в потенциальных возможностях развития новых галерей в уже существующем пространстве, выявить неохваченные ниши и сферы деятельности, что позволило бы, с одной стороны, избежать на начальных стадиях развития жесткой конкуренции, а с другой – привлечь внимание зрителя и деятелей культуры к новым направлениям в искусстве. И действительно, в современных условиях одни галереи исчезают с арт-рынка, не успев показать себя на том поле реальности, которое представляет собой культурная жизнь в Санкт-Петербурге, а другие – весьма долго и успешно работают.

Именно сложившееся направление деятельности определяет характер коллекций и экспозиции, что и отличает различные галереи друг от друга.

Более того, специфика деятельности галереи предполагает и наличие особого зрителя, также выделяющегося за счет частных интересов из общей массы посетителей. Именно наличие такого зрителя, востребованность им той или иной галереи, оказались решающими факторами в повышении удельного веса и роли художественных галерей в конце XX – начале XXI веков. На втором этапе развития галерейного дела Санкт-Петербурга менялся и взгляд на самого посетителя. Для галерей, так же как и для всех объектов культуры, необходим постоянный рост посещаемости, причем не просто массовый, случайный и стихийный поток людей, а расширение постоянного круга посетителей. Таким образом, формируется ядро, состоящее из друзей галереи, духовные запросы и индивидуальные интересы которых галерея может наиболее полно удовлетворить.

Деятельность современных галерей строится с учетом ряда зрительских факторов: это познавательный интерес к конкретному явлению, эстетическая потребность в нем и эмоциональная настроенность к восприятию. Таким образом, специализация галереи, проявляющаяся в характере коллекции и направлении деятельности, – это данность, которая начинает работать лишь с появлением зрительской потребности в ней.

В условиях расцвета индивидуализма потребности зрителей оказались непредсказуемо разнообразными. Психологическая особенность современной ситуации состоит в том, что индивидуализм возведен в культ.

При этом, по мнению автора, нельзя не отметить существовавшие и прежде различные направления в работе галерей, определяемые задачами и целями. Сейчас в рождающемся диалоге «галерея – посетитель» специфика таких галерей стала определяться уровнем работы по удовлетворению художественных и интеллектуальных запросов заинтересованных групп посетителей галерей современного искусства.

2.3 Классификация, разнообразие услуг и ценовая политика арт-галерей Санкт-Петербурга

На данный момент можно выделить семь типов галерей Санкт-Петербурга: галерея, ориентирующаяся на художественные течения; галерея, специализирующаяся по видам искусства; галерея «персональной ориентации»; галерея одного художника; галерея одной работы; галерея-салон; виртуальная галерея.

Все эти галереи работают с художником и его произведением, но существует несколько основных принципов, на основании которых их работа организована. Три из них являются основными. Первый – организация художественной политики галереи вокруг представления какого-либо течения или вида искусства. В таком случае привлекаются художники, в творчестве которых наиболее ярко проступают основные особенности этого течения или вида искусства. Второй принцип – галереи, развивающие свою деятельность на основании продвижения определенного круга творческих личностей, искусство которых организаторам галерей представляется наиболее интересным и значимым для современной культуры Санкт-Петербурга. Такие галереи бывают разных типов (галерея «персональной ориентации», одного художника, одной работы, галерея-салон) и на сегодняшний день составляют большинство. И третий принцип – галереи продвигающие новые формы и способы бытования искусства. Такие галереи получили название виртуальных галерей.

К первой группе галерей – ориентирующихся на художественные течения и виды искусства – относятся: галерея, ориентирующаяся на художественные течения и галерея, специализирующаяся по видам искусства.

Галерея, ориентирующаяся на художественные течения, наиболее полно представляют творчество определенной группы художников, объединенных приверженностью одному направлению, течению или одной школе во всем их многообразии.

Первоначально данный тип галерей возник благодаря неординарным творчески активным личностям, которые и стали основоположниками или идейными вдохновителями того или иного нового направления в искусстве России, школы или творческой группы лиц, объединенных общими интересами и одинаковыми представлениями о современном, актуальном искусстве. Таких групп и объединений, придерживающихся абсолютно разных взглядов, в конце 80-х – начале 90-х годов в Ленинграде было множество, тогда как выставочных площадок явно не хватало. В связи с этим наиболее инициативные представители отдельных групп художников создавали собственные галереи, чтобы иметь возможность свободно выставлять, пропагандировать и рекламировать собственные идеи и проекты, а параллельно, приглашая зарубежных гостей, продавать работы и, таким образом, получать средства к существованию и на развитие дела. Впоследствии, благодаря успешной деятельности, у ряда таких организаций появилась возможность получать гранты или субсидии от иностранных культурных институций для реализации своих проектов, участвовать в некоммерческих проектах других организаций и галерей, тем самым еще больше укреплять свой бренд в мировой культуре.

Деятельность таких галерей заключается в постоянном проведении персональных и групповых выставок, различных акций или перформансов (в зависимости от того, какое искусство пропагандирует данная группа художников), издании специальной литературы, брошюр, листовок, каталогов выставок, манифестов, а также в налаживании контактов и связей со своими единомышленниками за рубежом, воспитании молодого поколения преемников и последователей. Поэтому при таких галереях часто проводятся мастер-классы и организуются художественные студии, в которых имеют возможность учиться как дети, так и взрослые.

Специфические задачи таких галерей – это утверждение следуемого направления, течения или школы не только в российской, но и в мировой культуре, сбор и хранение документальных и иных материалов по деятельности данного круга художников, т.е. создание собственного архива, профессиональной, специализированной коллекции.

Галереи, ориентирующиеся на художественные течения, чаще всего являются простыми по структуре (поскольку они существуют в основном на добровольных началах, а задача получения прибыли не является первоочередной, они не включают дополнительных и не зависят от внешних структур). Кроме того, такие галереи являются простыми по содержанию (поскольку придерживаются одного направления, течения или школы в искусстве, но представляют различные виды искусства и жанры), закрытыми и консервативными (поскольку смена направления деятельности привела бы к изменению цели создания галереи), но одновременно открытыми, для принятия новых веяний в рамках данного направления, течения или школы и для новых, чаще молодых, представителей. И, наконец, они являются достаточно жесткими структурами (поскольку следование одному направлению не требует от них мобильности, и они фактически не зависят от изменения внешних условий).

Специфика галерей такого типа заключается в том, что налаживание связей между художником и коллекционером, художником и покупателем происходит путем знакомства не только с произведениями искусства мастера, но и с ним лично. Коллекционеры и покупатели приглашаются в мастерские, где получают возможность пообщаться с художниками, подробно ознакомиться со всеми этапами их творчества, обсудить вопросы современного искусства. Это помогает сблизиться художнику и посетителю. И галереи данного типа дают им такую возможность, в отличие от других типов галерей, где художник – нечто недосягаемое и таинственное.

В Санкт-Петербурге таких галерей немного. Из существующих к ним относятся арт-центр «МИТЬКИ-ВХУТЕМАС», представляющий группу «Митьки», и располагающаяся на Мойке Галерея японского искусства, созданная с целью демонстрации не только сувенирных вариаций на тему старинной иероглифики и гравюры, но и современного искусства Страны Восходящего Солнца. Н. Суворов пишет: «Иногда известная художественная группа открывает свою галерею, как это сделали «Митьки», открывшие центр «Митьки-ВХУТЕМАС»».

Наиболее успешным деятелем в данной сфере был Тимур Новиков, «основатель» неоакадемизма и бывший директор Новой Академии Изящных Искусств. Он был инициатором организации в 1982 году первой галереи Санкт-Петербурга «АССА», в которой выставлялась группа «Новые художники», и установил отношения с ведущими деятелями мирового постмодернизма. После закрытия галереи в 1987 году Тимур Новиков приступил к созданию Новой Академии Изящных Искусств на основе открывшейся в 1985 году Новой Академии Всяческих Искусств. Новая Академия Изящных Искусств придерживается и занимается неоакадемизмом как России, так и зарубежья и утверждает в массовом сознании идеи идеального, классического и прекрасного. В 1993 году был основан Музей Новой Академии Изящных Искусств, который ближе к галереям исходя и из выполняемых ими функций.

Представляя разнообразное творчество последователей неоакадемизма – от живописи (Георгий Гурьянов, Белла Матвеева) до видео-арта (Олег Маслов и Виктор Кузнецов) и медиа-искусства (Ольга Тобрелутс) – Новая Академия Изящных Искусств освещает определенный срез культурной жизни города. Это дает возможность наиболее полно познакомиться с данным направлением в искусстве и представить пути его дальнейшего развития.

Сейчас Новая Академия Изящных Искусств пользуется высоким авторитетом и имеет многочисленных последователей, как в России, так и за рубежом.

Особенность галерей, специализирующихся по видам искусства, заключается в том, что они представляют интересы определенной группы художников, объединенных сферой одного вида искусства: или живописью, или графикой, или фотографией, или пластическими искусствами, или декоративно-прикладным искусством и т.д.

Галереи данного типа сформировались по принципу галерей первого типа (одного направления, течения или школы), однако существенное отличие заключается в том, что их создателями были не лидеры групп, а сами художники, графики, фотографы или коллекционеры определенного вида искусства. При этом их деятельность направлена на пропаганду уже не направления, течения или школы, а собственного творчества и защиту личных интересов, что, однако, не мешает им представлять и работы других мастеров в данной области. Такие галереи ориентируются в основном на графику, фотографию, художественную ковку, декоративно-прикладное искусство, т.е. на виды искусства, не настолько популярные, как, например, живопись или скульптура.

Такие организации, как правило, выражают интересы отдельных творческих групп, поскольку существование и деятельность галерей определенного вида искусства позволяет художникам с общими профессиональными интересами более эффективно участвовать в жизни своей гильдии мастеров и помогает им в организации выставок своих работ.

Галереи, специализирующиеся по видам искусства, чаще всего являются сложными по содержанию (направлению деятельности), поскольку представляют различные направления в определенном виде искусства, все многообразие технологий, форм и способов выражения основной идеи работы; открытыми для новых имен, техник и технологий, направлений в выбранной области, но закрытыми для других видов искусства; гибкими, поскольку им необходимо подстраиваться под изменения внешних факторов, чтобы выжить в системе рыночных отношений.

К данному типу галерей относятся: галерея «OOTOimage», занимающаяся только художественной фотографией и видеоискусством, но представляющая многообразие форм – от классической фотографии до видео­искусства; галерея «Невская башня», основанная коллекционером Кириллом Авелевым и представляющая петербургскую графику; галерея «Невограф», также выставляющая графическое искусство.

Выставочный графический центр – галерея «Невограф» занимается выставочной деятельностью с 1997 года. Центр обязан своим существованием журналу «Нева»: галерея – это его художественно-изобразительный отдел. Однако «Невограф» имеет свою издательско-полиграфическую базу, позволяющую выпускать буклеты и афиши к выставкам. Вся выставочная деятельность галереи выстраивается по пяти программным направлениям: «Художественная культура Петербурга XX века» (традиция русского авангарда); «XXI век – время женской интуиции» (женские выставки); «Pro memoria» (посмертные выставки); «Петербургская академическая школа изобразительного искусства» и «Художники – книжные графики».

Галерея «OoToimage», специализирующаяся на фотографии, была открыта в мае 1995 года усилиями уже сложившегося коллектива фотографов (Андрея Чежина, Алексея Титоренко, Дмитрия Виленского, Игоря Лебедева, Александра Китаева, Игоря Васильева) и куратора Дмитрия Пиликина. Галерея ведет постоянную выставочную деятельность, исследует процессы, происходящие в современном искусстве, и изучает историю развития фотографии в Санкт-Петербурге, издает малотиражные авторские фотоальбомы и иллюстрированные программы акций.

Экспонируя фото- и видеоискусство мастеров, работающих в различных техниках, жанрах и направлениях, галерея «OoToimage» помогает в полном объеме представить основные актуальные тенденции в данном виде искусства. Однако, к сожалению, вследствие субъективного подхода организаторов галерей к искусству не признана и не входит в сферу ее деятельности неоакадемическая фотография, так называемая «петербургская светопись» с многообразием методов воспроизведения изображений. Проводя ежегодно «Осенний фотомарафон» (большой фестиваль фотографии) одновременно на различных площадках города, галерея «OoToimage» расширяет круг своих зрителей.

К художественным галереям, ориентирующимся на творческую индивидуальность, относятся следующие типы данных институций: галерея «персональной ориентации», галерея одного художника, одной работы и галерея-салон.

Галереи «персональной ориентации» работают с отдельными художниками, которые могут принадлежать к различным направлениям, школам, течениям, заниматься разнообразными жанрами и видами искусства.

Этот тип художественных галерей сформировался благодаря изменениям, произошедшим в культурной, политической и экономической областях современной России.

Среди галерей «персональной ориентации» следует выделить две группы: галереи «старой формации», которые для успешной коммерческой деятельности, делают ставку на большое количество работ и разнообразие представляемых художественных направлений, и галереи «нового типа», которые работают, главным образом, на формирование имиджа и высокого статуса галереи, в связи, с чем тщательно отбирают художников.

Галереи «старой формации» возникли во времена Перестройки. Первоначально они занимались, во-первых, продажами произведений искусства (в основном на Запад), а уже, во-вторых, – выставочной деятельностью. С наступлением второго этапа в деятельности галерей, связанного с концом «русского бума», эти галереи были вынуждены менять методы своей работы. И они сделали ставку на представление большого числа работ художников разных направлений, стилей и жанров. Специфика деятельности галерей «старой формации» заключается в полистилистике, в частой смене экспозиции, в результате чего выставляются работы различного художественного уровня и, к сожалению, не всегда качественные. Галереи данного вида не развиваются, поскольку их организаторы удовлетворены полученными результатами (это периодические продажи произведений искусства, достаточные для окупаемости и получения небольшой прибыли). Такие организации можно охарактеризовать как достаточно сложные и по структуре (чаще всего они включают дочерние предприятия), и по содержанию (приверженность к экспонированию и продаже произведений разнообразных направлений, течений, школ, видов и жанров). Галереи «старой формации» занимают свою нишу в культурном пространстве города, без сомнения, оставляя свой след в истории развития галерейного дела Санкт-Петербурга. К ним относятся такие художественные галереи, как «Дельта», «Борей», «Гильдия мастеров», «Палитра» (закрывшаяся в 2003 году). Сюда же можно отнести и галерею «Невский, 20», которая представляет работы Товарищества Свободных художников Санкт-Петербурга (следует, однако, отметить, что творчество художников данной группы не связано ни идейно, ни тематически).

Специфика галерей «нового типа» заключается в том, что их организаторы, осознав, что невозможно успешно действовать в культурном пространстве города и мирового художественного рынка без определенного статуса и имиджа, стали уделять большое внимание выставочным проектам, рекламе своей галереи и продвижению представляемых художников. Считая, что количество определяет качество, галеристы стали выбирать несколько художников относящихся, как правило, к различным направлениям, течениям и школам, и заниматься именно их продвижением и рекламой их творчества. Отбор художников происходит постепенно, методом проб и ошибок. Сначала устраивается персональная выставка мастера, с которым хочет работать галерея, с ним налаживаются контакты и устанавливаются определенные творческие отношения. В идеале у художника и галериста должны в основном совпадать представления о развитии современного искусства, его актуальных и перспективных направлениях. Должно возникнуть взаимопонимание, взаимное доверие и желание работать друг с другом. В противном случае такое сотрудничество окажется абсолютно бесперспективным.

Специфика художественных галерей «нового типа» заключается в том, что, с одной стороны, они стремятся наиболее полно представить на своих выставках основные течения и направления в современном искусстве, а с другой – занимаются определенным кругом художников.

Организаторы подобных галерей стремятся отрегулировать деятельность таким образом, чтобы наиболее полно удовлетворить интересы всех участников выставочной деятельности. При этом они стараются, чтобы деятельность галереи осуществлялось в русле концепции ее развития.

Организационная структура галерей «нового типа» полностью отвечает поставленным целям. Функции, которые они выполняют, многообразны, а их концепция отражает задачи и цели организаторов и кураторов галереи. Галереи «нового типа» обычно имеют достаточно простую структуру; сложны по содержанию (за счет выполнения многообразия функций, полистилистике в выставочной деятельности и разнообразия творчества основной группы художников) и открыты для новых веяний в искусстве (следят за актуальными направлениями и течениями, с целью наиболее полно представить их в своих экспозициях).

К галереям «нового типа» относятся практически все галереи, возникшие на втором этапе развития галерейного дела в постперестроечном пространстве, а также те галереи, организованные на рубеже 80-х – 90-х годов, которые сумели отказаться от старых принципов работы и стали уделять больше внимания выставочной деятельности и уровню представляемого искусства. Примером галерей «нового типа» могут служить: галерея «С.П.А.С.», работающая в основном на Скандинавские страны; «Галерея Марины Гисич», работающая с современным искусством как деталью интерьера и занимающаяся специальными проектами, которые так и называются – «Искусство в интерьере»; галерея «Дмитрия Семенова», успешно пытающаяся наладить связи с зарубежными и московскими художниками и галеристами; «Зимняя галерея» – филиал London Contemporary Art, занимающаяся в основном продажей принтов с работ известных художников, также не уступающих оригиналам в цене; «Д 137», представляющая эстетическое искусство, и т.д.

Художественные галереи (музеи) одного художника возникли на основе мемориальных музеев, широко распространенных в разных видах искусства и культуры. Но если целью организации таких музеев было увековечить память того или иного мастера, а главное – воссоздать и сохранить среду, в которой он жил и творил, то у создателей галерей одного художника – другие задачи. Они предназначены для постоянного показа произведений одного активно работающего мастера. Факт создания такой галереи свидетельствует о высоком авторитете и творческом потенциале представленного художника.

На данном этапе развития галерейного дела в Санкт-Петербурге существует всего одна подобная галерея. Это авторская галерея Вадима Воинова на Пушкинской, 10 – «Мост через Стикс», организованная в 1994 году Отделом Новейших Течений Государственного Русского музея во главе с Александром Боровским. С 1998 галерея входит в состав Музея нонконформистского искусства.

Галереи-салоны – это чисто коммерческое предприятие, организованное с целью получения максимальной прибыли посредством продажи произведений искусства.

Деятельность подобных галерей строится таким образом, чтобы они имели возможность оперативно менять направление своей деятельности, подстраиваясь под покупателя и чутко реагируя на ситуацию на художественном рынке Санкт-Петербурга (т.е. их структуру можно охарактеризовать как гибкую). Результат работы галерей-салонов чаще всего -это продажа произведений современного искусства и получение прибыли. Просветительская, научная и экспертная функции в данном случае выполняются в минимальном объеме. Чаще всего такие организации занимаются продажей не только произведений искусства, но и художественных материалов, оказывают багетные услуги и т.д.

Данный тип галерей был характерен для каждого этапа развития галерейного дела в последние десятилетия XX века. К ним можно отнести как ряд галерей периода становления галерейного дела в Санкт-Петербурге, так и ряд современных галерей. Иногда к такому роду деятельности приходили галереи, первоначально относившиеся к любому другому рассмотренному выше типу. Учредители галерей-салонов, осознав, что занятие актуальным искусством высокого уровня (а, следовательно, и высоких цен) требует огромных сил и вложений, а получить результаты возможно в лучшем случае только через несколько лет, перешли к рассматриваемой форме организации деятельности. Галереи-салоны отличает следующее: широкое разнообразие направлений, стилей, видов, жанров искусства и, соответственно, авторов, выбор которых зависит от конъюнктуры рынка. «Магазинная» развеска (работы, развешенные в несколько рядов, без объединяющей идеи); возможность приема работ на комиссию; относительно невысокий уровень цен, доступный для рядового посетителя; фактическое отсутствие органичных выставок или их формальное проведение. Такие организации, как правило, расположены в непосредственной близости от центра города и главных его магистралей: там, где больше проходимость.

Художественные галереи данного типа играют свою роль в культурной жизни и формировании арт-рынка города, так как они более всего приближены к массовому зрителю. Так посетитель, ищущий подарок для себя или друзей, имеет возможность купить относительно недорогую авторскую работу; художники, не включенные в систему галерейной деятельности, имеют возможность выставить и продать свои работы. Неискушенный любитель, ознакомившись с экспозицией такой галереи-салона, имеет возможность определить наиболее близкое ему направление искусства. Таким образом, галерея-салон в какой-то степени готовит посетителей, покупателей, коллекционеров для галерей других типов.

К этому виду галерей относятся «Лавка художников», галерея «Анна», галерея «Георгия Михайлова».

Наиболее типичной галереей-салоном является «Лавка художника», которая была открыта в 1908 году в помещении, специально спроектированном для представительского салона Императорской Академии художеств. Со дня открытия в «Лавке художника» имеются три специализированных зала: зал художественных материалов; зал, в котором предлагаются ювелирные изделия, произведения декоративно-прикладного искусства и народного творчества; галерейный зал, представляющий мастеров станковой живописи, графики и скульптуры. Каждый посетитель может выбрать себе то, что соответствует его вкусам и пристрастиям, а также материальным возможностям (цены на работы колеблются в широком диапазоне: от ста до нескольких тысяч рублей). «Лавка художника» работает примерно с 3500 петербургскими художниками, 1300 ювелирами и мастерами народных промыслов и представляет самые разнообразные произведения искусства – от реалистических пейзажей до абстрактных работ. Позиционирует себя не просто как модный салон, но и как один из культурных центров Санкт-Петербурга, где будущие классики могут продать свои произведения, поделиться впечатлениями от выставок со своими коллегами и посетителями салона.

Как уже отмечалось, виртуальные галереи используют третий принцип работы, продвигая новые формы и способы бытования искусства.

Виртуальные галереи приобрели популярность и получили широкое распространение в конце XX века. В процессе развития галерейного дела появились активные творческие личности, желающие открыть свои собственные художественные галереи современного искусства. Однако из-за отсутствия или недостатка финансовых возможностей они выбрали менее затратное, но одновременно не менее интересное и сложное направление: обратились к возможностям Интернета. Так возникли виртуальные галереи современного искусства.

Выделить профессиональные галереи из огромной массы виртуальных галерей достаточно сложно. Основными критериями можно считать следующие: отсутствие выставочных площадей; регулярное проведение «выставок», «смена экспозиции» на страницах сайта, причем на базе определенной концепции, с размещением пояснительных текстов; представление полной информации о творчестве выставляемого художника, а также изображений его работ с описанием (автор, название, год, техника, размеры, стоимость); наличие форума для обсуждения той или иной выставки, а также работы художника; наличие доступного архива или данных по истории галереи; предоставление всех координат для связи и получения дополнительной информации о возможности приобретения работ.

Несмотря на иные формы существования и работы со зрителями и клиентами, виртуальные галереи выполняют практически те же функции, что и реальные художественные галереи. Они занимаются и просветительской деятельностью (это размещение научной информации, постоянное обновление сведений о культурных событиях города), и репрезентативной (организация экспозиции на страницах сайта), и коммерческой (участие в ярмарках и форумах, продажа работ современных художников, рекламная деятельность и так далее). Их деятельность направлена на определенный сегмент рынка, поскольку доступ в международную сеть пока еще имеет только ограниченный круг лиц. Кроме того, этот доступ должен быть постоянным. Если для галерей, существующих в реальном пространстве, web-сайты выполняют вспомогательную функцию, то для виртуальных работа в Интернете – это единственная возможность предоставить на суд зрителей, покупателей, товарищей по цеху произведения современного искусства, а также информацию, связанную с их профессиональной деятельностью.

Деятельность виртуальных галерей заключается, во-первых, в работе с каждым посетителем виртуальной галереи, который проявил интерес к какому-либо художнику и произведению искусства. Ведь каждый обратившийся является потенциальным покупателем, поскольку из всего многообразия сайтов художественных галерей и предложений он выбрал сайт именно данной галереи, что очень важно. Все остальное зависит от профессионализма сотрудников данной виртуальной галереи. Поэтому для успешной работы в такой галерее, необходимы специфические качества, поскольку виртуальное общение требует знания определенных методов и приемов. Во-вторых, организатор виртуальной галереи должен быть включен в культурный процесс и хорошо ориентироваться в культурном пространстве, поскольку популярность и имидж виртуальной галереи, непосредственно зависят от репутации и социального статуса самого галериста. Галерист должен принимать активное участие в круглых столах, конференциях, ярмарках и форумах, для того, чтобы его галерея могла обрести некий материальный образ. Все это определяет степень доверия к самой виртуальной галерее, что необходимо для ее успешного функционирования. В-третьих, необходимо уделять большое внимание оформлению сайта: очень важны дизайн и цветовое решение, удобство в пользовании, скорость и быстрота загрузки сайта (они должны располагаться на быстрых серверах) и т.д.

Конечно, говорить о структуре организации виртуальных галерей достаточно сложно, поскольку все, что связано с их функционированием, скрыто от глаз посетителей. О конкретных направлениях деятельности такого типа галерей на данном этапе их развития также говорить не приходится. Предлагаемое ими искусство очень многообразно: от живописи до объектов, от реализма до медиа-искусства, от пейзажей до натюрмортов. Этап их развития сравним с первым этапом становления художественных галерей современного искусства перестроечного периода. Можно предположить, что виртуальные галереи являются простыми по структуре (роль реального выставочного пространства играет Интернет-сайт); сложными, открытыми и гибкими по направлению деятельности и содержанию (представление всего многообразия стилей, направлений, течений в искусстве, различных жанров и художников) и сложными по числу функций (аналогичных тем, что несет реальная художественная галерея современного искусства).

На данный момент качество представления произведений искусства посредством изображений, а именно: их цветовое решение (очень важное для живописи), форма и фактура (важное для скульптуры), четкость и графичность (важное для станковой живописи), – неудовлетворительное, а, следовательно, доверие к таким формам деятельности по крайней мере в России невелико.

Однако виртуальные галереи достаточно перспективны, поскольку Интернет постепенно охватывает все уголки земного шара. Более того, появляются новые формы расчетов и почтовых услуг (что облегчает сам процесс приобретения произведений искусства), с огромной скоростью идет научно-технический прогресс (что позволяет представлять работы художников более качественно и приближенно к реальности) и т.д.

Галерея «Artarea», одна из виртуальных арт-галерей Санкт-Петербурга, была основана в 2002 году. На ее сайте размещена полная информация по всем представленным работам и их авторам, а также тезисы художников о собственном творчестве и мироощущении. Представляет живопись, графику, скульптуру и объекты, являющиеся выражением индивидуальности каждого автора, его мировосприятия и состояния души. Существует специальный раздел, посвященный выставочной деятельности данной виртуальной галереи, где прошли персональные выставки ее художников: В. Татаренко, А. Репникова, В. Мишина и др. авторов. Наиболее заинтересованным зрителям предлагается посмотреть работы, дается вся контактная информация, с помощью которой также возможно подать заявку на приобретение понравившегося произведения искусства.

Среди виртуальных галерей также можно выделить: виртуальную галерею изобразительного искусства «Art Revue», художественную галерею «GALLERY-A», <Virtualgallery.spb.ru>: Виртуальная художественная галерея2, «Арт Вояж» , Indumaty Design Studio и др.

Таким образом, каждый из существующих типов художественных галерей современного искусства Санкт-Петербурга играет важную роль как в культурной жизни города и общества, так и в формировании художественного рынка. Они охватывают разные слои общества, с различными материальными возможностями и духовными потребностями. В настоящем исследовании разделение галерей по типам является достаточно условным, поскольку вполне вероятно, что под воздействием каких-либо внешних или внутренних факторов любая галерея может изменить направление своей деятельности. Существует также большая вероятность появления новых типов галерей, что обусловлено научно-техническим прогрессом, развитием новейших технологий и самого художественного рынка современного искусства России.

Глава 3. Перспективы развития и совершенствования музейно-выставочной деятельности арт-галереи «Онегин»

.1 Современное состояние музейно-выставочной деятельности в арт-галерее «Onegin»

Компания ООО «Арт Орнамент» была основана в 2001 году Надоршиным Рустамом и представляет собой объединение ctvb художественных галерей современного искусства: Bazar Folk Art, HERITAGE Art Gallery, Babushka souvenirboutique, Katharina, Marriott, Museum, Onegin. Компания ведет как некоммерческую выставочную деятельность, так и коммерческую.

Галерея «Onegin» – двухэтажное выставочное пространство в центре Санкт-Петербурга. В 2009 году арт-галерея «Onegin» была признана «Лучшим партнером ООО «Русская Лаковая Миниатюра».

Деятельность арт-галереи нацелена главным образом на массового зрителя и туристов, так как «Onegin» располагается в центральной части города, на пересечении нескольких туристических маршрутов (обзорные экскурсии, экскурсии в Спас-на-Крови, Русский музей а так же в театр «Музыкальной комедии»)

Спецификой деятельности компании является ее сезонность. В период март-октябрь в связи с достаточным количеством туристов арт-галерея работает по «летнему графику» (с 8:00 до 23:00 часов), а в период ноябрь-февраль – по «зимнему» (с 10:00 до 20:00). Различается не только время работы, но и количество сотрудников. «Летний график» предполагает ежедневно минимум 18 работников (1 администратор, 2 кассира, 1 упаковщик, 14 консультантов), «зимний» – максимум 5 человек (1 администратор, 1 кассир, 1 упаковщик, 2 консультанта).

Контактная информация: Санкт-Петербург, Итальянская улица, дом 11, телефоны: +7 812 315 29 26; +7 812 315 63 39; Веб-сайты: info@onegin-art.com; #”607138.files/image001.gif”>

Рис. 1

Этажи арт-галереи кардинально отличаются освещением и температурным фоном. Если первый этаж освещен через чур ярко а температура поддерживается автоматически, то нижний этаж освещен крайне скупо, продувается кондиционером, и в подобном противопоставлении выглядит особенно мрачно.

Отсутствие пространства между экспонатами, а так же большая разница яркости подсветки в различных зонах может сбить посетителя, заставить его потеряться в пространстве.

Так же в качестве значительного минуса можно отметить случайную подборку фоновой музыки (радио), так как правильно подобранная классическая или этническая музыка могла бы сгладить достаточно агрессивную цветовую палитру и улучшить первое впечатление, создать атмосферу уюта.

К сожалению, персонал не всегда владеет полной информацией об истории развития какого-либо вида народного творчества, о технологии изготовления того или иного экспоната. Большее внимание уделяется вопросам биографий художников. Так же персонал не всегда имеет полную информацию краеведческого характера, что не раз вызывало неприятное удивление гостей.

Так же сомнителен принцип распределения во времени групп туристов, так как в случае нахождения в галерее более 60 гостей, персонал не успевает в полной мере емко ответить на все интересующие вопросы, начинается суматоха, которая в конечном итоге приводит к панике сотрудников. Последнее является не допустимым в силу того, что «Onegin» позиционируют не как галерею-салон, а как культурный центр, выставочное пространство, достойное особого внимания. Большое количество гостей, присутствующих в стенах арт-галереи одновременно, крайне неудобно еще и в силу небольшой площади заведения. К сожалению, организация графика посещения зависит по большей части от туристических гидов, зачастую забывающих записать свою группу на определенное время, или приезжающих не в срок.

В силу того, что индивидуальные посетители не ограниченны во времени, не стеснены в плане передвижения по арт-галерее, именно они оставляют самые положительные отзывы о работе и, как правило, становятся постоянными посетителями мероприятий, организуемых в стенах галереи.

Внутренний микроклимат в организации напрямую влияет на уровень оказываемых услуг, атмосферу в галерее. Кампания ООО «Арт Орнамент» в целом предпочитает наем за счет внутренних резервов. Его преимущество в том, что появляются шансы для служебного роста, повышается степень привязанности к организации. Улучшается социально психологический климат в коллективе.

Так более половины сотрудников ООО «Арт Орнамент» работают в компании более пяти лет. Руководящие должности занимают люди, продвинувшиеся по карьерной лестнице. Недостатками внутренних источников привлечения персонала является появление панибратства при решении деловых вопросов, снижение активности рядового сотрудника, претендующего на должность руководителя, а также возможно появление напряжения и соперничества в коллективе в случае появления нескольких претендентов на должность. Без внешних источников привлечения персонала обойтись невозможно из-за текучести кадров: 15 из 30 постоянно работающих консультанта являются студентами и не рассматривают для себя перспективу сотрудничества с данной организацией после окончания ВУЗа. Из них 5 человек обучается за границей, поэтому имеют возможность работать только на каникулах. Лучшие работники не видят для себя смысла работать в зимний период, так как заработная плата резко сокращается. Компания ООО «Арт Орнамент» отдает свое предпочтение людям в возрасте от 20 до 27 лет. Так среднестатистический возраст работника – 23 года. Так же отдается предпочтение холерикам.

Рис. 2

В летний период из-за огромного наплыва туристов сотрудники по собственному желанию, как правило, работают по графику 15/1. Климат в коллективе напряженный в связи с переутомляемостью. Однако ежедневная оплата труда и ее уровень, соперничество в гонке на открытые должности высшего звена являются мотивацией для подобных переработок.

Компания принимает на работу людей, знающих минимум два иностранных языка на разговорном уровне. Профилирующим является английский (на нем проходят собеседования, общение с клиентами и руководителями организации). Помимо английского, сотрудники арт-галереи владеют различными иностранными языками, расписание их работы составляется таким образом, чтобы в галерее находились сотрудники, знающие немецкий, французский, испанский/итальянский, японский/китайский (каждый сотрудник способен изъясняться на пяти-шести языках). Таким образом, каждый гость арт-галереи чувствует себя комфортно.

Рис. 3

Арт-галерея «Onegin» в связи с нацеленностью на максимизацию прибыли и самоокупаемость представляет широкий спектр дополнительных услуг, таких как формирование частных коллекций, консультирование по вопросам инвестиций в культуру, аренда произведений искусства, аренда выставочных площадей, доставка купленных в галерее экспонатов по указанному адресу, услуги багетной мастерской, упаковки, почтовой связи (в стенах галереи располагается почтовый ящик), обучение рисунку и живописи для взрослых, традиционной китайской живописи, курсы лепки, семинары по истории искусства ХХ века.

Таким образом, рассматриваемая арт-галерея является галереей-салоном, то есть коммерческим предприятием. Экспозиционно-выставочная деятельность галереи «Onegin» направлена на максимизацию прибыли от продажи произведений искусства. В то же время в стенах данной организации проводятся некоммерческие выставки и дополнительные культурные мероприятия, направленные на упрочение заработанного имиджа и авторитета на арт-рынке Санкт-Петербурга. Даная галерея современного искусства имеет крайне гибкую и простую структуру. Просветительская, научная и экспертная деятельность не является на данном этапе развития галереи основными. Организация отдает предпочтение квалифицированным молодым специалистам, что обусловлено спецификой деятельности.

3.2 Перспективы развития и совершенствования музейно-выставочной деятельности арт-галереи «Онегин»

На данном этапе своего развития перед галереей «Onegin» стоит ряд задач:

завоевание авторитета на отечественной арт-сцене,

участие в межрегиональных и межнациональных художественных фестивалях, выставках, бьеннале, конференциях,

расширение и совершенствование экспозиционно-выставочной деятельности,

переход на полную самоокупаемость,

нормализация внутреннего микроклимата в организации.

К сожалению, на данный момент у галереи «Onegin» нет опыта участия в крупных выставках. Момент выхода на межрегиональную арт-сцену был затянут, хотя галерея располагает для этого всеми ресурсами.

В качестве подготовки для реализации выхода на межрегиональный и международный рынок, персонал арт-галереи в 2010 году посетит II Московский международный бьеннале молодого искусства «Стой! Кто идет?» «ГРАНИЦЫ». Бьеннале молодого искусства «Стой! Кто идет?» было выбрано в качестве ориентира для развития собственной деятельности, так как это один из самых крупных и амбициозных проектов, реализующихся сегодня на московской арт-сцене в сфере современного искусства. Бьеннале объединяет творческие инициативы со всей России, стран ближнего и дальнего зарубежья, в ее подготовке и проведении участвуют ведущие художественные центры в сотрудничестве с иностранными партнерами.

По результатам посещения будет проведен анализ и подготовка к участию арт-галереи «Onegin» в бьеннале молодого искусства 2011 года, а так же в Фестивале «ЭТНОМЕХАНИКА», Международном форуме экспериментального искусства «АПОЗИЦИЯ», Ежегодном международном фестивале коллекций современного искусства. По результатам участия в выбранных проектах, выставочная деятельность арт-галереи будет корректироваться в соответствии с полученной критикой и рекомендациями со стороны экспертов. По наиболее позитивным прогнозам к 2015 году арт-галерея «Onegin» сможет приять участие в арт-ярмарке мирового значения «АРТ-МОСКВА», которая стремится представлять сбалансированную картину современного искусства в мире. Ежегодно значительную часть ярмарки составляют иностранные участники. Опыт участия в подобной ярмарке мог бы привести к значительному расширению деловых связей, обогащению опыта, совершенствованию работы рассматриваемой галереи.

На сегодняшний день экспозиционно-выставочная деятельность арт-галереи является не вполне продуманной с точки зрения оптимизации экспозиционных приемов и методов. Экспозиционный пояс занижен в сравнении с выработанными нормами, т.к. постоянная экспозиция не объединена какой-либо серьезной концепцией, не продуманны освещение, влажность, а так же температурный режим. В ряде случаев отсутствуют пояснительные таблички, отсутствуют первый и второй планы экспозиции.

Для оптимальной компоновки экспозиционных материалов следует применить следующие экспозиционные приемы, то есть способы группировки экспозиционных материалов:

Выделение экспозиционных центров и ведущих экспонатов, несущих максимальную смысловую и образную нагрузку;

Разрядка путем создания пустого пространства вокруг наиболее важных экспонатов с целью акцентирования на них внимания;

Выявление связей между предметами, прием "взаимной документации";

Сопоставление, в т.ч. противопоставление (прием контрастного показа);

"Массированный" показ однотипных материалов, сконцентрированных на небольшой площади.

Расположение экспонатов, требующих рассмотрения с близкого расстояния, в пределах наиболее удобного для обозрения экспозиционного пояса – области вертикальной поверхности экспозиционного помещения на уровне от 70-80 (нижняя граница) до 200-220 см (верхняя граница) от пола;

Организация "экспозиции в окне", позволяющей через проем витрины "заглянуть" в иное пространство и время;

Выделение первого и второго планов, а также создание скрытого плана экспозиции в турникетах, кассетных стендах и т.п.

Применение зеркал, луп вращающихся подиумов и др. технических приемов.

Большое внимание в экспозиционно-выставочной работе следует уделить постановке света, который оживляет экспозицию. Для лучшего восприятия одни предметы должны быть освещены больше, другие – меньше. Небольшое количество света позволяет сосредоточится на предмете, а яркий свет мешает этому. Чтобы усилить впечатление, свет в витрине следует делать ярче и уменьшать его в зале. Свет должен быть настроен так, чтобы в витрине не было отражения самого человека и не было отсвета. Игра высотой экспонатов также приведет к смене восприятия и «разбудит» впечатление. Использование мультимедийных программ в экспозициях – одно из актуальных направлений в экспозиционной работе. Поскольку галерея располагает всеми техническими средствами, следует отбросить наиболее простой вариант звукового фона, использующийся на данный момент, и разработать индивидуальную, подходящую по стилистике программу.

В связи с постоянной конкуренцией, переутомляемостью персонала и повышенной динамикой труда, психологический микроклимат в компании «Арт Орнамент» является неблагоприятным для решения поставленных задач по совершенствованию экспозиционной деятельности. Основными слагаемыми психологического климата выступают взаимоотношения работников в коллективе, их настроение, удовлетворенность работой. Особенно остро стоит вопрос сплоченности трудового коллектива. На данный момент деятельность всех сторон коллектива не оптимизирована, что мешает существенному повышению его трудовых возможностей, сокращению текучести кадров. В основе объединения коллектива лежат самые разнообразные факторы: наличие общей цели, симпатии, организационное единство. При хорошем психологическом микроклимате у работника всегда хорошее настроение, а это в свою очередь отражается на стиле его общения с коллегами и посетителями. Поэтому руководству очень важно научиться управлять настроением трудового коллектива, поддерживать в нем состояние оптимизма и бодрости. Микроклимат в коллективе зависит от очень многих факторов: от того, как подобраны сотрудники (дополняют ли они друг друга или каждый ведет свою индивидуальную линию, не обращая внимания на сослуживцев), как строится процесс мотивации персонала, насколько личные цели сотрудников согласуются с целями организации, какое внимание уделяется карьерному росту сотрудников внутри предприятия. В связи с существующими проблемами и внутрифирменными противоречиями, в феврале 2010 года было принято решение о необходимости регулярных психологических тренингов для коллектива. В начале апреля 2010 года в штат сотрудников был принят психолог, который изучил существующую обстановку, провел анкетирование и всестороннее исследование. На основе полученных результатов была разработана целая программа тренингов и семинаров, к реализации которой компания «Арт Орнамент», по предварительным расчетам, приступит в начале июня 2010 года.

Так, в связи с существующими проблемами на данном этапе развития арт-галереи «Onegin», рассматриваемая организация не является образцовой. Однако в планах ближайшего развития ООО «Арт Орнамент» предполагается изменять существующее положение рассматриваемой галереи современного искусства на отечественном арт-рынке, постепенно выводя ее на международную арт-сцену. Не удовлетворительным является уровень экспозиционно-выставочной деятельности галереи «Onegin», в связи с ее несоответствием желаемому уровню. На данном этапе идет процесс планирования предполагаемых, описанных выше, изменений.

3.3 Предложения по созданию комплекса экскурсионных услуг

В условиях сильной конкуренции каждая организация культуры для привлечения гостей и покупателей вынуждена не только улучшать показатели своей работы, расширять ассортиментный ряд услуг, но и искать те отличительные черты, которые смогут выделить ее из ряда аналогичных. В случае с арт-галереей «Onegin», располагающейся в исторической части города (на Итальянской улице), удачной видится концепция создания комплекса экскурсионных услуг по прилегающей территории на некоммерческой основе.

Предполагается проводить городские тематические рекламные экскурсии-прогулки по прилегающей территории для групп туристов, являющихся клиентами организаций-партнеров арт-галереи «Onegin». Данная акция приведет к упрочению деловых контактов с партнерами, а так же создаст благоприятный имидж компании.

Непременными атрибутами предлагаемой экскурсии является научность, актуальность, доходчивость и убедительность. Материал, предлагаемый в ходе экскурсии, является строго научным, все факты взяты из достоверных источников, на которые экскурсовод может сослаться в том случае, если слушатель попытается опровергнуть сказанное экскурсоводом. В течение всей экскурсии речь экскурсовода будет доходчивой, понятной людям с разным уровнем подготовки. Экскурсия отражает сегодняшний уровень отношения к предлагаемым историческим фактам, ее текст будет постоянно обновляться.

Среди функций данной экскурсии, помимо информационно-познавательной, воспитательной, развлекательно-досуговой, эстетической и коммуникативной, важную роль будет играть функция рекламная. То есть экскурсия будет рекламировать туристские ресурсы Санкт-Петербурга, а так же продукцию данного региона, в общем, и связанные с городом произведения искусства, в частности.

Темой предлагаемой экскурсии является формирование облика исторической части города, той территории, которая прилегает к арт-галерее «Onegin». Таким образом, разработанная экскурсия является исторической по временным рамкам и архитектурно-градостроительной по своей сути. Особенностью экскурсионной темы является то, что она тесно связана с объектами показа и с тем экскурсионным материалом, который насыщает ее содержание. Этот материал подается в таком объеме, который может быть усвоен экскурсантами при показе объектов. Поскольку экскурсия является пешей, экскурсовод в зависимости от состава группы может изменять ритм движения, продолжительность переходов и остановок, что является несомненным плюсом в данных условиях.

Тема играет решающую роль в объединении внешне разрозненных частей экскурсии в единое целое, то есть предопределяет композицию (расположение, последовательность и соотношение подтем, основных вопросов, вступления и заключительной части экскурсии). Весь рассказ и показ предлагаемой автором экскурсии работает на ее основную тему. По пути следования группы в экскурсию могут "вторгаться" объекты, расположенные на данном маршруте, но не относящиеся к выбранной теме. Сведения о таких объектах очень интересны, но второстепенны к конкретно рассматриваемой теме. Поэтому экскурсовод может сообщить о них экскурсантам только в качестве ответов на вопросы.

В отношении задач предлагаемой экскурсии следует выделить демонстрацию объекта (прилегающая к арт-галерее территория исторического центра Санкт-Петербурга), а так же его комментирование.

Целевой группой является взрослое население в возрасте от 14 до 70 лет. Таким образом, предлагаемая автором экскурсия ориентирована на взрослое население, в частности, на местных и приезжих туристов. Особым контингентом экскурсантов являются престарелые люди. По результатам опроса, проходившего в январе-апреле 2010 года, можно сделать следующий вывод: при условии предоставления услуги на постоянной основе интерес к данной организации увеличится, возрастет процент постоянных гостей, увеличатся продажи произведений искусства, непосредственно связанных с тематикой Санкт-Петербурга.

Так, более 80% опрошенных отнеслось к возможности прослушать исторический экскурс с большим интересом, около 15% отказались или отнеслись равнодушно. Более половины гостей галереи выразили желание прослушать так же информацию о представленных произведениях школ лаковой миниатюры и матрешек. При условии регулярного проведения экскурсий и чтений на различные тематики более 60 % гостей пожелало заблаговременно получать информационную рассылку в Интернет, иметь возможность записи на мероприятия (в том числе туристы). После проведения пробной экскурсии (на английском языке) по прилегающей территории, были получены отзывы со стороны слушателей. Основным пожеланием было проведение экскурсии на родном языке слушателей. Так же в качестве пожеланий было расширение информации относительно русской монархии, специфики архитектуры Санкт-Петербурга, и расширение охватываемой территории.

Условием проведения экскурсии является предварительная запись от лица организации-партнера (за несколько дней для проведения экскурсии на английском языке, и за неделю для проведения экскурсии на языке слушателей). В день предполагается проводить не более пяти экскурсий по прилегающей территории. Количество экскурсий не ограниченно. Минимальная продолжительность экскурсии прилегающей территории будет составлять 45 минут, в зависимости от пожеланий экскурсионной группы, возможности экскурсовода и погодных условий.

Предлагаемая экскурсия будет начинаться у Русского музея, с постепенным продвижением по площади Искусств: от Михайловского дворца и Этнографического музея по окружности площади в направлении галереи «Onegin». Данный порядок осмотра площади является наиболее логичным с точки зрения удобства передвижения. В конце экскурсии туристической группе предлагается посетить галерею «Onegin», обсудить полученную информацию за чашечкой чая, далее просмотреть внутреннюю экспозицию галереи.

Существует огромное количество PR-акций, направленных на привлечение внимания к компаниям. Однако среди галерей Санкт-Петербурга ни одна галерея современного искусства не предлагает проведения каких бы то ни было экскурсий, прямо или косвенно связанных с собственной деятельностью. Таким образом, в связи с новизной, выгодными условиями предложения, а так же с особенностями предполагаемой целевой группы, проведение предлагаемой экскурсии выгодно выделит компанию ООО «Арт Орнамент» среди прочих, упрочит положение арт-галереи «Onegin» на арт-рынке Санкт-Петербурга, создаст благоприятных имидж рассматриваемой организации среди партнеров и потенциальных клиентов, повысит продажи, дав возможность арт-галерее перейти на самоокупаемость.

Экскурсия по площади Искусств, разработанная автором. Текстовое сопровождение.

Градостроительные принципы мастеров русского классицизма начала XIX века А.Д. Захарова, А.Н. Воронихина и В.П. Стасова, создавших ряд замечательных архитектурных ансамблей, получили дальнейшее развитие в работах по реконструкции отдельных районов Петербурга в 1820-1830-х годах.

Замечательной особенностью этих работ было стремление к ансамблевой застройке целых улиц и площадей, получивших в процессе строительства единый архитектурный облик. Лучший пример тому – ансамбль Михайловской площади (ныне площадь Искусств), созданный по замыслу К.И. Росси.

Территория площади Искусств долгое время оставалась незастроенным пустырём в центре Санкт-Петербурга. В 1719 году севернее этого участка Пётр I основал фруктовый сад, названный Третьим Летним. Здесь же сохранялось болото, за которым вплоть до Невского проспекта оставался небольшой лес. Из болота брали начало река Кривуша <http://walkspb.ru/ulpl/griboedova_kan.html> и её приток Глухой. После строительства Михайловского замка <http://walkspb.ru/zd/mihailovskiy.html> на территории Третьего Летнего сада появились служебный постройки и сараи, а пустырь оставался заросшим крапивой и репейником.

Коренная перепланировка территории, прилегающей к ныне существующей площади Искусств, оказалась возможной благодаря тому, что до 1820-х годов она была застроена лишь частично и притом деревянными зданиями, не представлявших большой ценности.

Площадь Искусств – великолепный архитектурный ансамбль. Он слагается из трех основных частей: Михайловского дворца (ныне здания Государственного Русского музея) с его флигелями и садом, площади со сквером перед дворцом с домами по ее периметру и Михайловской улицы, связывающей площадь Искусств с Невским проспектом.

Монументальное здание Михайловского дворца с величественным коринфским портиком на главном фасаде расположено в глубине парадного двора, отделенного от площади чугунной оградой. Дворец доминирует в ансамбле и является его композиционным центром.

Начало его истории связано с рождением великого князя Михаила. Тогда, в 1798 году, император Павел I повелел откладывать ежегодно несколько сотен тысяч рублей на постройку в будущем для своего младшего сына дворца, который роскошью и комфортом соответствовал бы величию и вкусам императорской фамилии.

Августейшему родителю не довелось увидеть воплощение своего замысла – спустя три года жизнь и царствование его трагически и безвременно были оборваны дворцовым переворотом. Но воля государя исполнялась исправно, и денежные суммы отчислялись регулярно. Когда великому князю Михаилу Павловичу исполнился 21 год, а накопленная сумма достигла 9 миллионов, началось строительство дворца. 17 апреля 1819 года император Александр I, старший брат Михаила Павловича, установил в основание фундамента нового дворца каменный ковчег с серебряными монетами и заложил серебряную доску с памятной надписью.

В выборе дворцового строителя Александр I остановился на архитекторе Карле Ивановиче Росси (1775-1849) – гениальном зодчем, создателе крупнейших архитектурных ансамблей в стиле ампир, завершивших застройку центральной части Петербурга во втором – третьем десятилетии XIX века. Именно они задают архитектурный масштаб и ритмы, соразмерные и созвучные широкому равнинному пространству, «Невы державному теченью», протяженным грядам невысоких облаков над северной столицей.

Великолепное здание стало центром совершенно нового ансамбля с площадью, обширным садом и вновь проложенными улицами.
 Когда строился Михайловский дворец, в русской архитектуре господствовал высокий классицизм, широко известный, как стиль ампир. Образцы античной архитектуры становились для зодчих основным источником вдохновения. Главным образом, памятники периода расцвета Римской империи. Имперское настоящее России подпитывалось имперским прошлым Рима. Традиции Рима проявлялись не только в формах государственного правления, но и в обустройстве столицы. При этом не надо забывать – Михайловский дворец создавался в период подъема и роста национального самосознания. Элита потянулась к народу, победившему наполеоновскую армаду в Отечественной войне 1812 года.

Дворец был построен по типу загородной усадьбы с садом. Ансамбль Михайловского дворца состоит из главного корпуса и двух флигелей. Главный двухэтажный дворцовый корпус, высота которого составляет почти двадцать пять метров, находится в глубине парадного двора. Боковые флигели, располагающиеся симметрично, связаны между собой великолепной высокой чугунной оградой с тремя воротами. Центральные ворота украшены четырехгранными пилонами, которые увенчаны арматурой – изображением военного снаряжения: доспехами, мечами и знаменами. Первый этаж Михайловского дворца был облицован рустами. Главный фасад здания украшен портиками из восьми колонн коринфского ордера, поднятых на аркаду первого этажа. Портик завершен треугольным фронтоном. Высеченные из камня головы львов расположены над арками и над всеми окнами первого этажа. Трехчетвертные колонны украшают боковые колонны здания. Фриз дворца украшают также сорок четыре барельефа работы выдающегося скульптора Демут-Малиновского. Широкая лестница, украшенная каменными львами, ведет ко входу во дворец. Боковые ризалиты декорированы большими венецианскими окнами. Перед главным фасадом здания был разбит небольшой парадный сад. Противоположный фасад дворца, обращенный к Михайловскому саду, также богато отделан. Центральную часть этого фасада украшает грандиозная лоджия-колоннада. В отделке внутренних помещений Михайловского дворца участвовали скульпторы С.С. Пименов, В.И. Демут-Малиновский, живописцы Дж. и П. Скотти и многие другие. До наших времен сохранилась первоначальная отделка вестибюля, парадной лестницы и Белого зала. По этим интерьерам можно представить себе все великолепие дворца в первой половине XIX века. После смерти князя Михаила Павловича дворцом владела княгиня Елена Павловна, в салоне которой бывали многие выдающиеся деятели русской культуры. Здесь собирались столичные и заезжие знаменитости, общественные деятели и политики, музыканты и композиторы, ученые, писатели. Здесь зарождалось Русское музыкальное Общество, а затем и первая в России консерватория.

В конце XVIII столетия дворец унаследовала великая княгиня Екатерина Михайловна, герцогиня Мекленбург-Стрелицкая, впоследствии завещавшая дворец своим детям – сыновьям, принцам Георгу и Михаилу Мекленбургcким, и дочери, принцессе Елене Саксен-Альтенбургской.

Поскольку Михайловский дворец был принадлежностью дома Романовых, а наследники являлись германскими подданными, Александр III счел необходимым исправить это положение, выкупив дворец в казну. Осуществил задуманное отцом молодой император Николай II.

Через некоторое время после кончины Александра III последовал Императорский Указ от 20 января 1895 года о выкупе в казну Михайловского дворца со всеми принадлежащими к нему флигелями, службами и садом – за 4 миллиона рублей серебром. Судьба здания была окончательно решена 13 апреля 1895 года, когда Именным Указом Николай II учредил «Русский Музей Императора Александра III» и передал для его устройства весь комплекс Михайловского дворца.

Так, наконец, слились воедино давно уже искавшая воплощения идея создания государственного музея отечественного изобразительного искусства и судьба дворца, словно ожидавшего своего истинного, не суетного предназначения. И в его стенах началась новая, уже музейная жизнь.

Высочайшим решением была образована особая Комиссия, в задачи которой входило выяснение объема всех необходимых во дворце ремонтных работ и надзор за их производством, выбор исполнителей, согласование цен и контроль за бережным расходованием выделенных средств.

В течение трех первых лет со дня основания музея производилась переделка большинства интерьеров и перестройки, связанные с необходимостью совместить дворцовое великолепие с функциональными задачами музейной экспозиции. Нелегкая миссия эта, заранее обрекавшая исполнителя на отнюдь не однозначную оценку многих современников и потомков, выпала на долю В. Свиньина (1865-1939), молодого и энергичного архитектора Академии Художеств, назначенного решением Комиссии на должность производителя работ.

Тем не менее, за два с половиной года в стенах Михайловского дворца было построено помещение Художественного отдела Императорского Русского музея. Переделки были выполнены быстро, прочно и экономно. Достаточно сказать, что на выполнение огромного объема капитальных работ (вместе с технической реконструкцией здания), а также на реставрационные и отделочные работы было истрачено всего пятьсот сорок тысяч рублей.

В 1898 году Музей русского искусства был торжественно открыт. Сегодня в Русском музее размещается самая большая в мире коллекция произведений русского искусства. В 1912-1916 годах к зданию Михайловского замка был пристроен корпус, спроектированный архитекторами Бенуа и Овсянниковым. Предполагалось, что там будут проходить временные выставки, однако сегодня в здании, известном как корпус Бенуа, располагается часть постоянной экспозиции Русского музея.

Во время Великой Отечественной войны здание сильно пострадало от бомбежек, но было восстановлено в-первые послевоенные годы. Сегодня в стенах Михайловского дворца по-прежнему размещается Государственный Русский музей. Наряду с Третьяковской картинной галереей в Москве, Русский музей обладает крупнейшим в стране собранием русского искусства. Здесь можно увидеть памятники древнерусской живописи, произведения художников и скульпторов XVIII – XX вв., коллекции предметов прикладного искусства и многое другое.

По сравнению с Михайловским дворцом архитектура остальных домов на площади выглядит довольно скромной. Этим подчеркивается ведущая роль Михайловского дворца в ансамбле площади Искусств.

К.И. Росси спроектировал фасады всех домов, выходящих на площадь. По проекту архитектора был возведен и дом № 1 на площади Искусств, где сегодня размещается Академический Малый театр оперы и балета, и дом № 3, в котором находится мемориальный Музей-квартира художника И.И. Бродского, прославившимся портретами советских вождей, выполненных в духе соцреализма.

Несмотря на то, что в основном ансамбль площади Искусств сложился в 19 веке, многое здесь напоминает о русской культуре 20 столетия. В канун нового 1912 года в доме 5 состоялось знаменательное открытие артистического кабаре "Бродячая собака", ставшего центром литературно-артистической жизни Петербурга начала 20 века. Известные поэты, художники, артисты и музыканты собирались здесь на концерты, спектакли, поэтические чтения. В этом кафе часто бывали А.А. Ахматова, Н. Гумилев, В.Э. Мейерхольд, О. Мандельштам, читали стихи В. Хлебников, В.В. Маяковский, С.Л. Есенин. В 1915 году после чтения Маяковским скандального стихотворения "Вам!" "Бродячую собаку" закрыли. В качестве формальной причины в официальных документах было указано нарушение действовавшего с 1914 года в России "сухого закона".

На углу площади Искусств и Михайловской улицы находится здание, в котором в 1921 году была основана Петроградская филармония (сегодня – Санкт-Петербургская академическая филармония имени Д.Д. Шостаковича). Здание филармонии было построено в 1834-1839 годах П. Жако по проекту К.И. Росси. Здесь, в Большом зале филармонии, 9 августа 1942 года впервые оркестр радио под руководством К.Ф. Элиасберга исполнил Седьмую симфонию Шостаковича, ставшую гимном блокадного Ленинграда.

На другой стороне Михайловской улицы находится "Гранд Отель Европа". Эта роскошная пятизвездочная гостиница с богатым эклектическим декором фасада появилась в Санкт-Петербурге в 1875 году в результате перестройки старинного здания, возведенного в 1824 году по проекту архитектора Росси. Среди знаменитых людей, останавливавшихся в гостинице, были П. Чайковский, И. Штраус, К. Дебюсси, И. Тургенев, Б. Шоу, В. Маяковский.

Площадь в ансамбле играет подчиненную роль: это подчеркивается простотой архитектурной обработки фасадов жилых домов, ограничивающих ее с трех сторон. К.И. Росси не применил колонн и пилястр на фасадах домов в кварталах, которые ограничивают площадь с запада и востока. Более богато обработаны фасады жилых домов по улице Итальянской. Использование в их композиции ионических пилястр, объединяющих вторые и третьи этажи, как бы подготавливает к восприятию более нарядного и торжественного оформления улицы, ведущей к Невскому проспекту. Обе ее стороны Росси предполагал застроить тождественными по архитектуре зданиями. Перспектива улицы замыкалась расположенным на противоположной стороне Невского проспекта, в глубине небольшой площади, портиком Перинной линии Гостиного двора.

В ансамбль площади входят так же здания Академического Малого оперного театра (бывшего Михайловского) и Государственной филармонии (бывшего Дворянского собрания).

Овальный в плане сквер занимает территорию в 1,55 гектара. Первоначально он имел пейзажную планировку.

В 1920 году Михайловская площадь, одна из центральных площадей Санкт-Петербурга, вокруг которой сосредоточены уникальные памятники архитектуры, ведущие музеи и театры города, была переименована в площадь Лассаля. А в 1940 году Михайловскую площадь переименовали в площадь Искусств.

После Второй мировой войны на площади были проведены реставрационные работы. Сквер, разбитый в 1827-1828 годах по проекту К.И. Росси, был реконструирован в 1946 году по проекту архитекторов Е.И. Катонина, Н.В. Баранова и В.Д. Кирхоглани. Широкая дорожка пересекает его по оси здания Русского музея. В центре сквера создана площадка, на которой установлен памятник А.С. Пушкину, выполненный по проекту скульптора М.К. Аникушина и архитектора В.А. Петрова. Аникушин попытался воплотить в скульптуре образ великого поэта в соответствии с народными чаяниями, для чего ему пришлось частично пожертвовать портретным сходством. Пушкин Аникушина напоминает байроновского героя, вдохновенно читающего стихи незримой публике. Памятник был открыт 19 июня 1957 года.

В доме №13 по Итальянской улице, обращенном на площадь, в 1929 году разместился Мюзик-холл, позже превратившийся в Театр музыкальной комедии. История этого театра во многом связана с замечательным композитором и всенародно любимым артистом И.О. Дунаевским.

Текст экскурсионного сопровождения основной экспозиции арт-галереи «Onegin», разработанный автором.

Лаковая миниатюра (Зал№1)

Художественные промыслы восходят к древности, к домашним промыслам и деревенскому ремеслу, хранящим неповторимую особенность русского народа. По всей России и далеко за ее пределами известны знаменитая иконопись и искусство лаковой миниатюры Палеха, Федоскино, Холуя и Мстеры.

Старинное русское село Палех расположено в центре России, в 350 км. к северо-востоку от Москвы и в 60-ти километрах от Иванова. По старинным преданиям начало иконописи Палеха относится к временам татаро-монгольского нашествия.

Опираясь на традиции новгородской и строгановской иконописи, палешане создали свой неповторимый стиль. В начале Х1Х века иконописный промысел Палеха достиг расцвета. Палехские иконы продавались в Санкт-Петербурге, Москве, по всей России, а также за границей. Артели палехских иконописцев выполняли самые ответственные заказы: им были поручены роспись стен Грановитой палаты, осуществление реставрации фресок соборов Московского Кремля, Новодевичьего монастыря, соборов Троице-Сергиевой Лавры, храмов и церквей древнего Пскова и многих других городов.

Село Холуй – одно из древнейших поселений, расположенное в 360 км от Москвы. Первые документальные сведения о Холуе относятся к XVI веку. Это грамота Великого Князя Московского Ивана Васильевича от 1546 г. В документах, датированных 1613 г., Слобода Холуй уже упоминалась, как знаменитый центр иконописи и лаковой миниатюры и была пожалована князю Дмитрию Пожарскому за освобождение Москвы от польских интервентов. С начала XVIII в. искусство иконописи и лаковой миниатюры в Холуе развивается довольно быстро. Холуйская иконопись и лаковая миниатюра поставляется в северные губернии России: Вологодскую, Архангельскую, Олонецкую, Санкт-Петербугскую. Холуй также получает заказы на знаменитую иконопись и лаковую миниатюру и из-за границы: Болгарии, Сербии, Македонии.

В XVIII веке с модой нюхать табак появляется мода на различного рода табакерки. К началу XIX века в Московской и Санкт-Петербургской губерниях существует до десятка мастерских по изготовлению лакированных табакерок из папье-маше. Ведущим лакировальным предприятием в России в конце XVIII века становится «коробовско-лукутинское» производство. В 1795 году в подмосковном имении «Данилково» (Федоскино) П.И. Коробовым было основано первое небольшое предприятие по производству лаковых изделий. Путешествуя по Европе, П.И. Коробов заинтересовался расписными изделиями лакировальной фабрики И.Г. Штобвассера в Германии. Коробову удалось приобрести у Штобвассера необходимый инвентарь: лаки, краски и пригласить нескольких мастеров этой фабрики в Россию. Наряду с лакированными козырьками к каскам для русской армии здесь изготавливались круглые «коробовские» табакерки. Первые табакерки не расписывались, на них наклеивались гравюры, покрытые лаком. В 1916 году П.И. Коробов передаёт фабрику своему зятю П.В. Лукутину. Начинается новый период развития промысла. Фабрика осваивает выпуск не только табакерок, разных по форме и размерам, но и ряд новых изделий: портсигары, папиросницы, коробочки, шкатулки, шахматные столики, спичечницы, пудреницы и многое другое. Лукутинские миниатюры на изделиях из папье-маше отличались от европейских миниатюр своим ярко выраженным национальным характером сюжетов и своеобразными приёмами письма. Искусство художников-миниатюристов как художественное явление формировалось, с одной стороны, под воздействием русской живописи XVIII-XIX веков, с другой – художники, создававшие лаковые изделия, были, плоть от плоти народа и привносили в своё творчество ярко-декоративную народную традицию.

В лаковой миниатюре нашли отражение черты станковой живописи, народного лубка и иконописи. На Федоскинском промысле сохранились традиции миниатюрного портрета и пейзажа. Федоскинские мастера пишут тонкими колонковыми кистями. Иногда используют способ письма «по-сквозному», «на просвет», когда рисуют по наклеенным тончайшим листочкам металлической фольги, сусального золота или перламутра.

До революции Палех, Мстера и Холуй являлись последними центрами, где теплились художественные традиции древнерусской живописи (иконописи). В советское время, опираясь на художественные приемы традиционного ремесла, палехские, мстерские и холуйские художники создали принципиально новое искусство: иконографические каноны, сковывавшие их мысль и волю, отошли в прошлое, и освобожденное сознание бывших иконописцев получило широкий простор для проявления творческой фантазии. Мастера этих промыслов, сохранив самобытную и традиционную технику живописи, заимствовали у федоскинцев процесс изготовления изделий из папье-маше. Технология производства лаковой миниатюры длительна и многотрудна. Папье-маше изготовляется из картона. Нарезанные из него полосы намазываются клейстером из пшеничной муки и навертываются одна на другую на деревянную форму (болванку). Когда склейка достигает нужной толщины, ее вместе с болванкой зажимают в специально сконструированный механический пресс, и склейки под давлением превращаются в трубки разной формы, зависящей от форм болванок. Спрессованные склейки просушиваются в течение пятнадцати дней при средней комнатной температуре.

После просушки их на сутки опускают в подогретое льняное масло, которым они пропитываются, и снова просушивают в течение четырех дней в печи, при температуре 120 градусов. Изготовленный таким образом полуфабрикат становится прочным, как самые твердые и прочные породы дерева, и хорошо поддается столярно-токарной обработке. Далее заготовка покрывается специальным грунтом, и шлифуется.

Затем на внешнюю поверхность заготовки наносится 2 – 3 слоя черного лака, на внутреннюю сторону, также несколько слоев – масляного лака с киноварью. В заключение работы над заготовкой она покрывается двумя-тремя слоями светлого лака, каждый из которых тщательно и довольно долго просушивается в печи при определенной температуре. Только после этого художник может приступать к росписи. Во всех трех промыслах более или менее однотипна система письма. Палешане, мстерцы и холуйцы используют старинные рецепты приготовления красок, дошедшие до нас из времен Византии и древней Руси. Краски приготовляются вручную и состоят из природных минералов растертых на яичном желтке, смешанном с водой и уксусом. От качественно приготовленных красок во многом зависит успех работы художника.

Для работы над миниатюрой художнику требуются тончайшие беличьи кисти. Очень часто они также изготовляются самим художником. Для того, чтобы краски не скатывались с лаковой поверхности изделия, перед началом росписи лаковая поверхность обрабатывается специальной пемзой. Острым карандашом на рабочую поверхность наносится контур будущей росписи, делается так называемый подмалевок, по которому многочисленными тонкими и прозрачными слоями наносится роспись.

Порой живописная плоскость, на которой работает художник, настолько мала, а сюжет настолько сложен, что художник прибегает к помощи мощной лупы. По окончанию работы красками живописный слой просушивается и закрепляется лаком. Заключительным этапом в работе живописца является работа золотом и серебром. Миниатюрная роспись в Палехе, Мстере и Холуе, как правило, обрамляется тончайшим золотым орнаментом. Орнаментальными узорами декорируются и боковые стороны коробок.

Золотая краска также приготовляется вручную из тончайшего листового сусального золота 96 пробы и гуммиарабика, или серебра и гуммиарабика (реже применяют алюминиевую пудру). Чтобы нанесенное на шкатулку золото засияло, его полируют, как в старину, волчьим зубом или агатом в форме конуса. В зависимости от формы, сложности композиции на роспись будущей шкатулки затрачивается от нескольких дней до нескольких месяцев.

По окончанию работы художника, миниатюра вновь покрывается семью – восьмью слоями лака, каждый из которых просушивается, полируется на специальном полировальном круге и окончательно доводится вручную, до тех пор, пока не исчезнут даже самые мелкие царапины. Отполированная до зеркального блеска лаковая поверхность придает изображению глубину, а краскам необычайную мягкость и звучность. Разнообразные по формату изделия расписываются на темы русских народных сказок, былин, песен. В росписи используются фольклорные, исторические, бытовые мотивы, в которых стилизованные фигуры изображаются на фоне условно-декоративного пейзажа.

Наиболее известные русские народные игрушки (Зал №3)

Каждый народ создавал свои игрушки, передавая в них свое мироощущение. Игрушки народов разных стран и континентов различны и своеобразны, но есть в них и общие черты. У многих народов встречаются однотипные игрушки, с однотипным сходством их конструкций, форм и декора. Это сходство объясняется общностью культурных народных традиций, единой природой эстетического чувства. Родство делает их общепонятными для всех, и это одна из тех нитей, которые с детства связывают человека с наследием мировой культуры.

Подмосковное село Богородское расположено недалеко от города Сергиева Посада. Промысел резной деревянной игрушки возник, очевидно, в XVI – XVII веках. Уже к XVIII веку сложился самобытный характер и манера исполнения богородской игрушки. Можно выделить два вида: игрушки-скульптуры и движущиеся игрушки. Манеры богородской резьбы точная, резкая, хорошо заметен след резца мастера. Обычно сохранён натуральный цвет дерева, но есть также и раскрашенные игрушки. Тематика скульптур разнообразна: это крестьяне, охотники, военные, звери и птицы, сценки из повседневной жизни, сказочные сюжеты.

В начале XX века здесь была основана артель, а с 1960 года – Богородская фабрика художественной резьбы.

Самая знаменитая и любимая игрушка – это удивительные «кузнецы». Например, мужик с медведем, как заправские кузнецы, дружно стучат молотками по наковальне.

История развития игрушечного промысла в России позволяет предположить, что созданию русской матрешки способствовала традиция точения и росписи на Пасху деревянных яиц.

В одном из альбомов, посвященных творчеству русского художника С.В. Малютина можно увидеть необычайную иллюстрацию, оставшуюся без комментариев, – эскиз росписи выточенной из дерева куклы. Именно этот известный художник, впоследствии академик живописи и стал в свое время создателем первой русской матрешки. А токарная форма игрушки была предложена В.П. Звездочкиным, уроженцем Вороновской волости Подольского уезда Московской губернии.

Местом рождения новой оригинальной игрушки, быстро завоевавшей славу национального сувенира, стала мастерская – магазин “Детское воспитание” А.И. Мамонтова в Москве, где с 1898 года работал токарь В.П. Звездочкин.

Поэтому приблизительно с этого времени можно отсчитывать возраст матрешки, в дальнейшей судьбе которой были свои взлеты и падения, слава и забытье, странствия и метаморфозы.

Уже около века этой известнейшей в России игрушке, но и по сей день неизвестно, что было сначала – эскиз профессионального художника или удачное воплощение творческих поисков народного мастера.

Несмотря на московское происхождение, настоящей родиной матрёшки всё же стал подмосковный Сергиев Посад – крупнейший в России центр кустарного производства игрушек, своеобразная “игрушечная столица”.

Промысел возник предположительно в XVII столетии и достиг расцвета на рубеже XVIII – XIX веков. Нет точных данных о времени создания в этом городке первой игрушки, но известно, что еще в XV веке при Троице-Сергиевом монастыре существовали специальные мастерские, в которых монахи занимались объемной и рельефной резьбой по дереву.

Тематика сергиевской ручной деревянной игрушки была достаточно разнообразной, что объяснялось, прежде всего, выгодным географическим положением промысла. Близость Москвы и непосредственное соседство Троице-Сергиевой Лавры, привлекающей огромное количество богомольцев, оказали большое влияние на выбор сюжетов. Игрушка отразила многие стороны русской жизни, события того времени, особенности быта различных слоев населения

Одним и тем же сюжетом могли быть расписаны цельные, неразъемные куклы и разъемные, полые внутри, укладки; в укладке могли находиться последовательно уменьшающиеся разъемные вкладыши или несколько одинаковых неразъемных фигур.

В нижнюю, более массивную часть таких кукол и укладок иногда вставлялась металлическая сердцевина, превращая их в “неваляшек”. Некоторые игрушки снабжались с внешней стороны дополнительными деталями, обточенными и вручную прикрепленными головными уборами, резными лотками со снедью и т.д. Эти примеры говорят о неистощимой фантазии сергиевских кустарей и интенсивном поиске наиболее оптимальной формы образной токарной игрушки.

Окончательно “загорский” стиль росписи матрешки (как его стали называть после переименования Сергиева Посада в г. Загорск в 1930 году) сложился в 1920-е годы, когда на смену подчеркнуто живописной “земской” манере с ее обилием тщательно выписанных мелких деталей и позолоты пришел стиль более экономный. В росписи обычно используются три – четыре цвета – красный или оранжевый, желтый, зеленый и синий – с добавлением черного для обводки тонкими линиями лица и контуров одежды. Стиль росписи матрешки и других игрушек в те годы изменился под влиянием нескольких факторов, в частности, в результате возникновения новой социально – экономической и культурной ситуации в стране.

На протяжении нескольких десятилетий в нашей стране и за рубежом наибольшей известностью пользовались семеновские и мериновские матрешки, которые для большинства вообще стали ассоциироваться с понятием “русская матрешка”. Эти матрешки заметно потеснили загорскую, что имело свои причины.

В 1953 году семеновкие изделия впервые попали за рубеж. Именно с этого времени семеновская матрешка начала соперничать с загорской, выгодно отличаясь от нее раскованной росписью и сочным колоритом. Несмотря на незатейливое решение образа, изготовление матрешек в Меринове и Семенове по декоративному оформлению было более ярким и своеобразным, чем в Загорске. Эти матрешки расписываются стилизованными цветами контрастных тонов. В композиционном отношении роспись иногда напоминает пышный букет. Все это позволило матрешке с берегов Волги естественно и безболезненно влиться в круг характерных для тех мест изделий.

Почти одновременно с мериновской в Поволжье появилась еще одна матрешка – в большом селе Полховский Майдан, или Полхов Майдан, как его назвали в просторечии. Своей формой полховская матрешка заметно отличается от своих сергиевских и семеновских сестер. Кроме того, удивляет ее необыкновенное многообразие от многоместных, подчеркнуто вытянутых по вертикали фигурок с маленькой, жестко очерченной головкой до примитивных одноместных фигурок – столбиков и толстеньких, похожих на грибки, куколок. Роспись полховских матрешек строится на сочетании малиново-красного, зеленого и черного цветов по предварительно нанесенному тушью контуру. “Цветы с наводкой” – наиболее типичная и любимая в Полховском Майдане роспись, более близкая и “пестрение” – украшение при помощи отдельных мазков, “тычков” и точек.

Мастера Полховского Майдана, как и мериновские и семеновские соседи, расписывают матрешку анилиновыми красками по предварительно загрунтованной поверхности. Красители разводятся спиртовым раствором. Роспись же сергиевских матрешек производится без предварительного рисунка гуашью и лишь изредка акварелью и темперой, а интенсивность цвета достигается при помощи лакировки.

Наиболее сложной технологией изготовления отличается другой тип матрешки – родом из Вятки. Помимо традиционной росписи, в ее оформлении используется оригинальный художественно – технологический прием, вообще характерный для изделий этого региона – инкрустация соломкой.

Вятка издавна славилась изделиями из бересты и лыка – коробами, корзинами, туесами – в которых помимо искусной техники плетения, использовался и тисненый орнамент, поэтому инкрустация соломкой стала применяться еще в конце прошлого века как новый способ художественного оформления изделий. Но вятской матрешке повезло меньше, чем ее подмосковным и поволжским родственницам, из-за известнейшей дымковской глиняной скульптуры, сохранению и развитию которой здесь всегда уделялось наибольшее внимание. Массовому же изготовлению вятской матрешки, по всей вероятности, помешала также сложность самого процесса инкрустации, требующего больших затрат времени и высокого уровня мастерства.

По мнению автора, всеобщая мода на матрешку не только обогатила ассортимент русских промыслов, но и вывела эту игрушку за пределы национальных границ. В 1960 годы появились башкирские и марийские матрешки, расписанные в национальных традициях. Мир матрешки удивительно многообразен. Здесь живут рядом сказка и реальность, современность и традиция. В этой игрушке по-своему отразились общественный уклад, быт, нравы и обычаи, достижения ремесла и народного творчества, техники и искусства.

Заключение

Представленная работа является одной из попыток рассмотреть художественные галереи Санкт-Петербурга в контексте современной культуры. Проведенное исследование позволило сделать вывод о том, что галереи современного искусства являются неотъемлемой и важной частью культурной жизни общества.

Для выяснения места и роли художественных галерей в культурном пространстве нашего времени часть работы была посвящена изучению факторов, способствовавших появлению художественных галерей современного искусства в России в конце XX века, и истории развития галерейного дела России данного периода.

Советский период истории XX века выдвинул на первое место ценности, которые базировались на марксистско-ленинской идеологии. Идеология стала ведущим фактором, определившим состояние культуры социалистического общества. Благодаря Хрущевской оттепели в 60-е – 70-е годы XX века наряду с официальным появилось искусство андеграунда. Именно тогда возникли предпосылки к зарождению художественных галерей, что и произошло в период Перестройки (80-е годы), причем главным образом в двух основных культурных центрах России – в Москве и Ленинграде. Следует отметить, что и сейчас большинство галерей современного искусства расположено именно в этих мегаполисах. В конце 80-х годов XX века стал формироваться арт-рынок современного искусства России.

Появление художественных галерей современного искусства стало возможным также и в результате глобальных процессов постмодернистского этапа развития общества, а галерея на уровне духовных потребностей его членов стала отражением тонких процессов этого развития. К числу главных факторов следует отнести возникновение индивидуалистических тенденций, усложнение коммуникативных связей между явлениями и людьми. В галерейном деле это нашло свое отражение в появлении разнообразных направлений и течений в искусстве для удовлетворения частных интересов отдельного посетителя. При этом многообразие художественных галерей и внутренняя дифференциация по направлениям работы охватывает широкий спектр интересов зрителя.

В Санкт-Петербурге успешно работают около 50 художественных галерей и выставочных залов, на площадях которых ежегодно проводятся до 400 выставок современного искусства, а также организуются до 130 выставок из фондов и собраний музеев. Отвечая потребностям общества, с одной стороны, и интересам художников – с другой, продолжает бурно развиваться галерейное дело, непосредственно связанное с арт-рынком в целом.

Художественные галереи стали неотъемлемой частью культурного и социального поля. Несмотря на то, что институт арт-галереи уже занял свою нишу в культурной жизни российского социума, функционирование галерей современного искусства непосредственно связано с рыночными механизмами: будучи основным институтом рынка современного искусства, арт-галерея выполняет в художественном пространстве основные его функции.

В работе значительное внимание было уделено исследованию деятельности художественных галерей и их роли в современной культуре. Были рассмотрены возможные направления их культурной, а также функциональной деятельности. Проведена сравнительная характеристика данных организаций, с выделением основных особенностей российских галерей. Так, во-первых, было показано, что в России галерея – это не только коммерческая организация, но и занимающаяся просветительской деятельностью и участвующая в различных социальных, некоммерческих проектах. Во-вторых, сфера деятельности российских галерей значительно расширена географически: они постоянно работают на зарубежный арт-рынок, участвуют в международных художественных ярмарках и форумах. В-третьих, место российской галереи в культурном пространстве позиционируется непосредственно через социальное положение галериста, тогда как за рубежом галерея занимает свое место в обществе в зависимости от искусства, которое представляет, и статуса, которого она достигла за время кропотливой работы.

На основе анализа существующих художественных галерей современного искусства в работе были выделены их несколько типов, объединенных в группы по принципам работы: галереи, ориентирующиеся на художественные течения и виды искусства; галереи, ориентирующиеся на творческую индивидуальность; виртуальные галереи. Были всесторонне рассмотрены особенности формирования данных типов, специфические задачи и основные направления деятельности. В ходе анализа удалось выявить специфику работы галерей каждого типа.

Таким образом, в настоящее время художественная галерея занимает стабильное положение в культурном пространстве Санкт-Петербурга наряду с многочисленными музеями и разнообразными постоянно действующими выставочными залами.

Недостатком организации выставочной деятельности является ее слабая структурная организация, частая смена руководства, кураторов выставок, разноплановость ее функций (как коммерческой, так и некоммерческих), отсутствие концептуального единства, частая смена экспонатов, ситуационный характер самих выставок, отсутствие целенаправленной рекламной кампании и т.д. С этих позиций преимуществом организации галерейного дела является возможность разрабатывать стратегию развития в расчете на оптимальное соотношение интересов всех субъектов организации деятельности. На арт-рынке Санкт-Петербурга в будущем, безусловно, сохранятся те галереи, деятельность которых оптимально организована и которые смогут адаптироваться к изменяющимся внешним условиям.

На основании проведенного в исследовании анализа был сделан вывод о том, что оптимально организованными художественными галереями современного искусства можно считать галереи «нового типа», которые характеризуются относительно простой и гибкой структурой, сложностью и гибкостью содержания (направления деятельности) и выполняемых функций. Только такие структуры смогут сохраниться в современном культурном пространстве, остальные же постепенно сойдут с художественной сцены или перейдут к подобной форме организации.

Интерес к современному искусству в Санкт-Петербурге существовал всегда. Сейчас разнообразная культурная жизнь мегаполиса дает возможность заинтересованному зрителю удовлетворить все свои эстетические потребности.

Настоящее исследование показало, что галерея как явление, возникшее в последней четверти XX века, оказалось ярко выраженным и целостным в своей направленности, несмотря на наметившееся многообразие типов художественных галерей современного искусства по направлению деятельности. Вместе с тем, этот период представляет собой лишь начальный этап их формирования, однако уже сейчас мы можем констатировать, что галереи современного искусства органично вошли в современную культурную жизнь российского общества. Таким образом, появление художественных галерей современного искусства – процесс закономерный, гипотеза, выдвинутая автором в начале работы, подтвердилась.

Список литературы

1.   Антонов В., Петербург. Новое о старом. – Спб: Центрполиграф, 2010.

2.      Аполлон. Изобразительное и декоративное искусство, архитектура: Терминологический словарь/ под общ. ред. A.M. Кантора. – М.: Эллис Лак, 2000.

.        Балдина О., Вкусы и пристрастия современного художественного рынка. – М.: ООО «Издательство Астрель», 2002.

.        Боровский А., Галереи: чистый лист // Искусство против географии. СПб, 2000.

.        Боровский А., Зов галерей // Новый мир искусства. 2000, №5.

.        Вальран В., Формирование художественного рынка в Ленинграде-Петербурге. Доклад на семинаре «Новый художественный Петербург», 19 марта 2003.

.        Грачева С., Отечественный региональный арт-рынок в современном художественном пространстве // Ученые записки факультета искусств, вып. 1. Стратегии развития и механизмы формирования современного художественного рынка. – СПб: Издательство СПбГУП, 2001.

.        Груен Н., Концептуализируя художественный рынок // Новый мир искусства. 2001, №4.

.        Деготь Е., Drei Galerien auf der Suche nach einem Museum. Три галереи в поисках музея. Каталог. – Leverkusen-Opladen, 2000.

.        Козиев В., Петербургский архетип в живописи. В сб.: Символы, образы, стереотипы современной культуры. Международные чтения по теории, истории и философии культуры, вып. №7. – СПб, 2000.

.        Колдобская М., Современное искусство за годы реформ: от партизанской войны к шоу-бизнесу // Полит.Ру. 23.05.2003

.        Литвина Л.П. Музей современного искусства в России // Панорама культурной жизни Российской Федерации. Вып. 2. – М., 2000.

.        Любивая А., Российский музейный сервис на рынке современных туристских услуг: новые направления и подходы. //Инновационные подходы к развитию сферы сервиса: научные исследования, подготовка кадров, предпринимательство. 23-24 апр.2003г// Материалы конференции. Т.I, – СПб, 2003.

.        Марголис А., Санкт-Петербург. История. Архитектура. Искусство. – М.: Слово, 2007.

.        Матвеева А., Искусство – покупать // Петербургский календарь. №4 (33), 16-29 февраля 2004.

.        Мелихова Е., Художественная галерея: торговля искусством //- Социологическое Исследование, 2000, №4.

.        Мозговая Ж., Галереи в условиях современного художественного рынка. – СПбГУП, 2001.

.        Мясников А., Санкт-Петербург. История города. – М.: Белый город, 2003.

.        Никишин H.A., Лебедев A.B., Введение: информационный менеджмент как технология организации музейной деятельности. Музей будущего: Информационный менеджмент / Сост. A.B. Лебедев. – М.: «Прогресс-традиция», 2001.

.        Новые художники. 1982-1987. Антология. Издание ЦСИ Сороса. – СПб, 2000.

.        Пыляев М., Старый Петербург. – М.: Золотые книги, 2007.

.        Российская культура в законодательных и нормативных актах. Музейное дело и охрана памятников. 1997-2000. – М., 2001.

.        Северюхин Д., «Выставочная проза» Петербурга. Из истории художественного рынка. – СПб, 2003. Сб.

.        Суворов Н., Галерейное дело: Введение в арт-бизнес. – СПб: Культинформпресс, 2001.

.        Ульянова Н., Арт-рынок мог бы быть, если бы на то была воля // Деловой Петербург. 10.03.2003

.        Фохт-Бабушкин Ю., Социокультурные факторы роста посещаемости учреждений искусства // Ориентиры культурной политики. №6. – М.: «Информкультура», 2001.

.        Хадсон К., Музеи не стоят на месте//Museum. 2000. №197.

.        Шехтер Т., Критерии и ценности современного художественного рынка // Ученые записки факультета искусств, Вып. 1. Стратегии развития и механизмы формирования современного художественного рынка. – СПб.: Издательство СПбГУП, 2001.

.        Юренева Т., Музееведение: Учебник для высшей школы. – М.: Академический проект, 2003.

.        Art Moscow 2003. 22-27.04.2003. – M.: ЦДХ, 2003.

31.    Барабанов Д., Феномен московских галерей. Из опыта галерей М. Гельмана и XL – галереи // <http://www.guelman.ru>.

.        Информационный сайт Немецкого Культурного центра им. Гете // <http://www.goethe.de/oe/mos/ruknd.htmflnew>.

.        Новиков Тимур, Лекции: http://nccatest.artinfo.ru:8008/mediaitem?filial=2&itemid=2343

.        Официальный портал Администрации Санкт-Петербурга //<http://www.gov.spb.ru>.

Приложение 1

Таблица 1 – Наиболее значимые арт-галереи Санкт-Петербурга

Приложение 2

галерея онегин художественный культура

Таблица 2 – Примеры пояснительных табличек арт-галереи «Onegin»

Приложение 3

Таблица 3 – Свот-анализ деятельности арт-галереи «Onegin»