Характерные особенности русской живописи второй половины XIX века

• Вид работы: Контрольная работа
• Предмет: Культурология
• Язык: Русский , Формат файла: MS Word 31,86 kb

Характерные особенности русской живописи второй половины XIX века

Содержание

1. Характерные особенности русской живописи второй половины XIX века

. Исторический жанр в творчестве В.И. Сурикова

. В.М. Васнецов. Народная тема в былинно-сказочном аспекте

Заключение

Список литературы

живопись суриков васнецов былинный

1. Характерные особенности русской живописи второй половины XIX века

Вторая половина XIX в. ознаменовалась расцветом русского изобразительного искусства. Оно стало подлинно великим искусством, было проникнуто пафосом освободительной борьбы народа, откликалось на запросы жизни и активно вторгалось в жизнь. В изобразительном искусстве окончательно утвердился реализм – правдивое и всестороннее отражение жизни народа, стремление перестроить эту жизнь на началах равенства и справедливости.

Осознанный поворот новой русской живописи к демократическому реализму, национальности, современности обозначился в конце 50-х годов, вместе с революционной ситуацией в стране, с общественным возмужанием разночинной интеллигенции, с революционным просветительством Чернышевского, Добролюбова, Салтыкова-Щедрина, с народолюбивой поэзией Некрасова. В Очерках гоголевского периода (в 1856 г.) Чернышевский писал: Если живопись ныне находится вообще в довольно жалком положении, главною причиною того надобно считать отчуждение этого искусства от современных стремлений. Эта же мысль приводилась во многих статьях журнала Современник.

Центральной темой искусства стал народ, не только угнетенный и страдающий, но и народ – творец истории, народ-борец, созидатель всего лучшего, что есть в жизни.

Утверждение реализма в искусстве проходило в упорной борьбе с официальным направлением, представителем которого было руководство Академии художеств. Деятели академии внушали своим ученикам идеи о том, что искусство выше жизни, выдвигали лишь библейскую и мифологическую тематику для творчества художников.

Но живопись уже начинала приобщаться к современным стремлениям – раньше всего в Москве. Московское Училище и на десятую долю не пользовалось привилегиями петербургской Академии художеств, зато меньше зависело от ее укоренившихся догм, атмосфера была в нем более живая. Хотя преподаватели в Училище в основном академисты, но академисты второстепенные и колеблющиеся, – они не подавляли своим авторитетом так, как в Академии Ф. Бруни, столп старой школы, в свое время соперничавший с Брюлловым картиной Медный змий.

В1862 г. Совет Санкт-Петербургской академии художеств принял решение уравнять в правах все жанры, отменив главенство исторической живописи. Золотую медаль теперь присуждали независимо от темы картины, учитывая только ее достоинства. Однако «вольности» в стенах академии просуществовали недолго.

В 1863 г. молодые художники – участники академического конкурса подали прошение «о дозволении свободно выбирать сюжеты тем, которые сего пожелают, помимо заданной темы». Совет академии ответил отказом. То, что произошло дальше, в истории русского искусства называют «бунтом четырнадцати». Четырнадцать учеников исторического класса не пожелали писать картины на предложенную тему из скандинавской мифологии – «Пир в Валгаале» и демонстративно подали прошение – о выходе из академии. Оказавшись без мастерских и без денег, бунтари объединились в своеобразную коммуну – по типу коммун, описанных Чернышевским в романе Что делать?, – Артель художников, которую возглавил живописец Иван Николаевич Крамской. Артельщики принимали заказы на исполнение различных художественных работ, жили в одном доме, собирались в общем зале для бесед, обсуждения картин, чтения книг.

Через семь лет Артель распалась. К этому времени, в 70-х гг., по инициативе художника Григория Григорьевича Мясоедова возникло объединение – «Товариществохудожественных передвижных вставок», профессионально-коммерческое объединение художников, стоявших на близких идейных позициях.

Товарищество передвижников не в пример многим позднейшим объединениям обошлось без всяких деклараций и манифестов. В его уставе лишь говорилось, что члены Товарищества должны сами вести свои материальные дела, не завися в этом отношении ни от кого, а также сами устраивать выставки и вывозить их в разные города (передвигать по России), чтобы знакомить страну с русским искусством. Оба эти пункта имели существенное значение, утверждая независимость искусства от властей и волю художников к широкому общению с людьми не только столичными. Главная роль в создании Товарищества и выработке его устава принадлежала помимо Крамского Мясоедову, Ге – из петербуржцев, а из москвичей – Перову, Прянишникову, Саврасову.

«Передвижники» были едины в своем неприятии «академизма» его мифологией, декоративными пейзажами и напыщенной театральностью. Они хотели изображать живую жизнь. Ведущее место в их творчестве заняли жанровые (бытовые) сцены. Особой симпатией «передвижников» пользовалось крестьянство. Они показывали его нужду, страдания, угнетенное положение. В ту пору – в 60-70-е гг. XIX в.- идейная сторона искусства ценилась выше, чем эстетическая. Лишь со временем художники вспомнили о самоценности живописи.

Пожалуй, самую большую дань идейности отдал Василий Григорьевич Перов(1834-1882). Достаточно вспомнить такие его картины, как «Приезд станового на следствие», «Чаепитие в Мытищах». Некоторые работы Перова проникнуты подлинным трагизмом («Тройка», «Старики-родители на могиле сына»). Кисти Перова принадлежит ряд портретов его знаменитых современников (Островского, Тургенева, Достоевского).

Некоторые полотна «передвижников», писанные с натуры или под впечатлением от реальных сцен, обогатили наши представления о крестьянской жизни. В картине С.А. Коровина «На миру» показана стычка на сельском сходе между богачом и бедняком. В.М. Максимов запечатлел ярость, слезы, и горе семейного раздела. Торжественная праздничность крестьянского труда отражена в картине Г.Г. Мясоедова «Косцы».

В творчестве Крамского главное место занимала портретная живопись. Он писал Гончарова, Салтыкова-Щедрина, Некрасова. Ему принадлежит один из лучших портретов Льва Толстого. Пристальный взгляд писателя не оставляет зрителя, с какой бы точки он ни смотрел на полотно. Одно из наиболее сильных произведений Крамского – картина «Христос в пустыне».

Открывшаяся в 1871 году первая выставка «передвижников» убедительно продемонстрировала существование нового направления, складывавшегося на протяжении 60-х годов. На ней было всего 46 экспонатов (в отличие от громоздких выставок Академии), но тщательно отобранных, и хотя выставка не была нарочито программной, общая неписаная программа вырисовывалась достаточно ясно. Были представлены все жанры – исторический, бытовой, пейзажный портретный, – и зрители могли судить, что нового внесли в них «передвижники». Не повезло только скульптуре (была одна, и то мало примечательная скульптура Ф. Каменского), но этому виду искусства «не везло» долго, собственно всю вторую половину века.

К началу 90-х годов среди молодых художников московской школы были, правда, те, кто достойно и серьезно продолжали гражданственную передвижническую традицию: С. Иванов с его циклом картин о переселенцах, С. Коровин – автор картины «На миру», где интересно и вдумчиво раскрыты драматические (действительно драматические!) коллизии дореформенной деревни. Но не они задавали тон: близился выход на авансцену «Мира искусства», равно далекого и от передвижничества и от Академии. Как выглядела в ту пору Академия? Ее художественные прежние ригористические установки выветрились, она больше не настаивала на строгих требованиях неоклассицизма, на пресловутой иерархии жанров, к бытовому жанру относилась вполне терпимо, только предпочитала, чтобы он был «красивым», а не «мужицким» (пример «красивых» неакадемических произведений – сцены из античной жизни популярного тогда С. Бакаловича). В массе своей неакадемическая продукция, как это было и в других странах, являлась буржуазно-салонной, ее «красота» – пошловатой красивостью. Но нельзя сказать, чтобы она не выдвигала талантов: очень талантлив был упоминавшийся выше Г. Семирадский, рано умерший В. Смирнов (успевший создать впечатляющую большую картину «Смерть Нерона»); нельзя отрицать определенных художественных достоинств живописи А. Сведомского и В. Котарбинского. Об этих художниках, считая их носителями «эллинского духа» одобрительно отзывался в свои поздние годы Репин, они импонировали Врубелю, так же как и Айвазовский – тоже «академический» художник. С другой стороны, не кто иной, как Семирадский, в период реорганизации Академии решительно высказался в пользу бытового жанра, указывая как на положительный пример на Перова, Репина и В. Маяковского. Так что точек схода между «передвижниками»и Академией было достаточно, и это понял тогдашний вице-президент Академии И.И. Толстой, по инициативе которого и были призваны к преподаванию ведущие «передвижники».

Но главное, что не позволяет вовсе сбрасывать со счетов роль Академии художеств, прежде всего как учебного заведения, во второй половине века, – это то простое обстоятельство, что из ее стен вышли многие выдающиеся художники. Это и Репин, и Суриков, и Поленов, и Васнецов, а позже – Серов и Врубель. Причем они не повторили «бунта четырнадцати» и, по-видимому, извлекли пользу из своего ученичества.

Уважение к рисунку, к построенной конструктивной форме укоренилось в русском искусстве. Общая направленность русской культуры к реализму стала причиной популярности чистяковского метода, – так или иначе, русские живописцы до Серова, Нестерова и Врубеля включительно чтили «незыблемые вечные законы формы» и остерегались «развеществления» или подчинения красочной аморфной стихии, как бы ни любили цвет.

В числе передвижников, приглашенных в Академию, было двое пейзажистов – Шишкин и Куинджи. Как раз в то время начиналось в искусстве гегемония пейзажа и как самостоятельного жанра, где царил Левитан, и как равноправного элемента бытовой, исторической, отчасти и портретной живописи. Вопреки прогнозам Стасова, полагающего, что роль пейзажа будет уменьшаться, она в 90-е годы возросла, как никогда. Преобладал лирический «пейзаж настроения», ведущий свою родословную от Саврасова и Поленова.

«Передвижники» совершили подлинные открытия в пейзажной живописи. Алексей Кондратьевич Саврасов (1830-1897) сумел показать красоту и тонкий лиризм простого русского пейзажа. Его картина «Грачи прилетели» (1871) заставила многих современников по-новому взглянуть на родную природу.

Федор Александрович Васильев(1850-1873) прожил короткую жизнь. Его творчество, оборвавшееся в самом начале, обогатило отечественную живопись рядом динамичных, волнующих пейзажей. Художнику особенно удавались переходные состояния в природе: от солнца к дождю, от затишья к буре.

Певцом русского леса, эпической широты русской природы стал Иван Иванович Шишкин (1832-1898). Архипа Ивановича Куинджи (1841-1910) привлекала живописная игра света и воздуха. Таинственный свет луны в редких облаках, красные отсветы зари на белых стенах украинских хат, косые утренние лучи, пробившиеся сквозь туман и играющие в лужицах на раскисшей дороге, – эти и многие другие живописные открытия запечатлены на его полотнах.

Своей вершины русская пейзажная живопись XIX века достигла в творчестве ученика Саврасова Исаака Ильича Левитана(1860-1900). Левитан – мастер спокойных, тихих пейзажей Человек очень робкий, стеснительный и ранимый, он умел отдыхать только наедине с природой, проникаясь настроением полюбившегося пейзажа.

Однажды приехал он на Волгу писать солнце, воздух и речные просторы. Но солнца не было, по небу ползли бесконечные тучи, и прекращались унылые дожди. Художник нервничал, пока не втянулся в эту погоду и не обнаружил особую прелесть сиреневых красок русского ненастья. С той поры Верхняя Волга заштатный городок Плес прочно вошли в его творчество. В тех краях он создал свои «дождливые» работы: «После дождя», «Хмурый день», «Над вечным покоем». Там же были написаны умиротворенные вечерние пейзажи: «Вечер на Волге», «Вечер. Золотой плес», «Вечерний звон», «Тихая обитель».

В последние годы жизни Левитан обратил внимание на творчество французских художников-импрессионистов (Э. Мане, К. Моне, К. Писарро). Он понял, что у него с ними много общего, что их творческие поиски шли в том же направлении. Как и они, он предпочитал работать не в мастерской, а на воздухе (на пленэре, как говорят художники). Как и они, он высветлил палитру, изгнав темные, землистые краски. Как и они, он стремился запечатлеть мимолетность бытия, передать движения света и воздуха. В этом они пошли дальше его, но почти растворили в световоздушных потоках объемные формы (дома, деревья). Он избежал этого.

«Картины Левитана требуют медленного рассматривания, – писал большой знаток его творчества К.Г. Паустовский, – Они не ошеломляют глаз. Они скромны и точны, подобно чеховским рассказам, но чем дольше вглядываешься в них, тем все милее становится тишина провинциальных посадов, знакомых рек и проселков».

На вторую половину XIX в. приходится творческий расцвет И.Е. Репина, В.И. Сурикова и В.А. Серова.

Илья Ефимович Репин(1844-1930) родился в городе Чугуев, в семье военного поселенца. Ему удалось поступить в Академию художеств, где его учителем стал П.П. Чистяков, воспитавший целую плеяду знаменитых художников (В.И. Сурикова, В.М. Васнецова, М.А. Врубеля, В.А. Серова). Многому научился Репин также у Крамского. В 1870 г. молодой художник совершил путешествие по Волге. Многочисленные этюды, привезенные из путешествия, он использовал для картины «Бурлаки на Волге» (1872). Она произвела сильное впечатление на общественность. Автор сразу выдвинулся в ряды самых известных мастеров.

Репин был очень разносторонним художником. Его кисти принадлежит ряд монументальных жанровых полотен. Пожалуй, не меньшее впечатление, чем «Бурлаки», производит «Крестный ход в Курской губернии». Яркое голубое небо, пронизанные солнцем облака дорожной пыли, золотое сияние крестов и облачений, полиция, простой народ и калеки – все уместилось на этом полотне: величие, сила, немощь и боль России.

Во многих картинах Репина затрагивалась революционная тематика («Отказ от исповеди», «Не ждали», «Арест пропагандиста»). Революционеры на его картинах держатся просто и естественно, чуждаясь театральных поз и жестов. На картине «Отказ от исповеди» приговоренный к смерти словно бы нарочно спрятал руки в рукава. Художник явно сочувствовал героям своих картин.

Ряд репинских полотен написан на исторические темы («Иван Грозный и его сын Иван», «Запорожцы, сочиняющие письмо турецкому султану» и др.). Репин создал целую галерею портретов. Он написал портреты – ученых (Пирогова и Сеченова), – писателей Толстого, Тургенева и Гаршина, – композиторов Глинки и Мусоргского, – художников Крамского и Сурикова. В начале XX в. он получил заказ накартину «Торжественное заседание Государственного совета». Художнику удалось не только композиционно разместить на полотне такое большое число присутствующих, но и дать психологическую характеристику многим их них. Среди них были такие известные деятели, как С.Ю. Витте, К.П. Победоносцев, П.П. Семенов Тян-Шанский. Малозаметен на картине, но очень тонко выписан Николай II.

Василий Иванович Суриков(1848-1916) родился в Красноярске, в казачьей семье. Расцвет его творчества приходится на 80-е гг., когда он создал три самые знаменитые свои исторические картины: «Утро стрелецкой казни», «Меншиков в Березове» и «Боярыня Морозова».

Суриков хорошо знал быт и нравы прошлых эпох, умел давать яркие психологические характеристики. Кроме того, он был прекрасным колористом (мастером цвета). Достаточно вспомнить ослепительно свежий, искрящийся снег в картине «Боярыня Морозова». Если же подойти к полотну поближе, снег как бы «рассыпается» на синие, голубые, розовые мазки. Этот живописный прием, когда два три разных мазка на расстоянии сливаются и дают нужный цвет, широко использовали французские импрессионисты.

Валентин Александрович Серов(1865-1911), сын композитора, писал пейзажи, полотна на исторические темы, работал как театральный художник. Но славу ему принесли, прежде всего, портреты.

В 1887 г. 22-летний Серов отдыхал в Абрамцеве, подмосковной даче мецената С.И. Мамонтова. Среди его многочисленных детей молодой художник был своим человеком, участником их шумных игр. Однажды после обеда в столовой случайно задержались двое – Серов и 12-летняя Веруша Мамонтова. Они сидели за столом, на котором остались персики, и за разговором Веруша не заметила, как художник начал набрасывать ее портрет. Работа растянулась на месяц, и Веруша сердилась, что Антон (так по-домашнему звали Серова) заставляет ее часами сидеть в столовой.

В начале сентября «Девочка с персиками» была закончена. Несмотря на небольшой размер, картина, написанная в розово золотистых тонах, казалась очень «просторной». В ней было много света и воздуха. Девочка, присевшая за стол как бы на минуту и остановившая свой взор на зрителе, зачаровывала ясностью и одухотворенностью. Да и все полотно было овеяно чисто детским восприятием повседневности, когда счастье себя не сознает, а впереди – целая жизнь.

Обитатели «абрамцевского» дома, конечно, понимали, что на их глазах свершилось чудо. Но только время дает окончательные оценки. Оно и поставило «Девочку с персиками» в ряд лучших портретных работ в русской и мировой живописи.

На следующий год Серов сумел почти повторить свое волшебство. Он написал портрет своей сестры Марии Симонович («Девушка, освещенная солнцем»). Название закрепилось немного неточное: девушка сидит в тени, а лучами утреннего солнца освещена поляна на втором плане. Но на картине все так слитно, так едино – утро, солнце, лето, молодость и красота, – что лучшее название трудно придумать.

Серов стал модным портретистом. Перед ним позировали известные писатели, артисты, художники, предприниматели, аристократы, даже цари. По-видимому, не ко всем, кого он писал, лежала у него душа. Некоторые великосветские портреты, при филигранной технике исполнения, получились холодными.

Несколько лет Серов преподавал в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. Он был требовательным педагогом. Противник застывших форм живописи, Серов вместе с тем считал, что творческие поиски должны основываться на твердом владении техникой рисунка и живописного письма. Многие выдающиеся мастера считали себя учениками Серова. Это – М.С. Сарьян, К.Ф. Юон, П.В. Кузнецов, К. С. Петров-Водкин.

Многие картины Репина, Сурикова, Левитана, Серова, «передвижников»попали в собрание Третьякова. Павел Михайлович Третьяков (1832-1898), представитель старинного московского купеческого рода, был необычным человеком. Худой и высокий, с окладистой бородой и тихим голосом, он больше походил на святого, чем на купца. Собирать картины русских художников начал с 1856 г. Увлечение переросло в главное дело жизни. В начале 90-х гг. собрание достигло уровня музея, поглотив почти все состояние собирателя. Позднее оно перешло в собственность Москвы. Третьяковская галерея стала всемирно известным музеем русской живописи, графики и скульптуры.

В 1898 г. в Петербурге, в Михайловском дворце (творение К. Росси) был открыт Русский музей. В него поступили произведения русских художников из Эрмитажа, Академии художеств и некоторых императорских дворцов. Открытие этих двух музеев как бы увенчало достижения русской живописи XIX века.

2. Исторический жанр в творчестве В.И. Сурикова

изобразительный искусство суриков васнецов

Василий Иванович Суриков родился в сибирском городке Красноярске 12 января 1848 года в казачьей семье. С Ермаком пришли с Дона его предки по отцовской линии, от которых он унаследовал гордый, вольнолюбивый характер. Мать также была из старинной казачьей семьи Торгошиных. Петр и Илья Суриковы, как и Василий Торгошин, упоминаются среди участников Красноярского бунта 1695-1698 годов. Суриков гордился своим происхождением и писал об этом: "Со всех сторон я природный казак… Мое казачество более, чем 200-летнее". Не осталась для него бесследной и художественная одаренность родителей. Отец его, страстный любитель музыки, великолепно играл на гитаре и считался лучшим певцом Красноярска; мать, прекрасная вышивальщица, обладала врожденным художественным вкусом. Истоком формирования понятий Сурикова о красоте была Сибирь, с суровостью, подчас жестокостью нравов, с мужеством людей, удалью народных игр, с "древней русской красотой" девичьих лиц, с величественной природой, живым дыханием истории.

Первым, кто поддержал мальчика, был Н.В. Гребнев, учи гель рисования Красноярского уездного училища, которое Суриков окончил с похвальным листом. По заданию Гребнева он копировал гравюры с картин старых мастеров, постепенно постигая искусство их времени, "Гребнев меня учил рисовать, чуть не плакал надо мною", – с благодарностью говорил Суриков о своем первом наставнике.

Чтобы поддержать семью после смерти отца, Суриков вынужден служить канцелярским писцом. Иногда приходилось, вспоминал он позднее. "яйца пасхальные рисовать по три рубля за сотню"; однажды он выполнил на заказ икону "Богородичные праздники".

Рисунки Сурикова привлекли внимание красноярского губернатора П.Н. Замятина, и тот ходатайствовал перед Советом Академии о зачислении Сурикова учеником. Из Петербурга пришел положительный отзыв о работах, но с оговоркой, что стипендия назначена не будет. Помог богатый золотопромышленник П.И. Кузнецов, любитель искусства и коллекционер, который взял на себя расходы по содержанию молодого художника. В середине декабря 1868 года с обозом Кузнецова Суриков отправился в дорогу, длившуюся два месяца. К экзаменам в Академию Суриков оказался недостаточно подготовленным. Он поступил в школу Общества поощрения художеств к М.В. Дьяконову и за три летних месяца освоил трехгодичный курс. 28 августа 1869 года Суриков успешно сдал вступительные экзамены в Академию художеств, его приняли вольнослушателем и зачислили в головной класс. Осенью следующего года он уже работает над первым самостоятельным произведением "Вид памятника Петру I на Сенатской площади в Петербурге" (1870, ГРМ).

Учился Суриков в Академии успешно, брал от занятий все возможное.

Блестящие достижения у молодого живописца были в композиции, недаром товарищи называли его "композитором".

Развитию природных данных художника во многим способствовал П.П. Чистяков, воспитавший многих мастеров русского искусства. В Академии Суриков с успехом исполнил ряд композиций на античные темы; к этому периоду относится и его картина из древнерусской истории "Княжий суд" (1874, ГТГ). В апреле 1875 года художник приступает к программной работе на Большую золотую медаль: "Апостол Павел, объясняющий догматы христианства перед Иродом Агриппой, сестрой его Береникой и римским проконсулом Фестом" (ГТГ). Строгая композиция этого произведения не выходит за рамки академических канонов, но подчинена выявлению психологии героев.

Большой золотой медали, тающей право на заграничную командировку, он не получил. Суриков заканчивает Академию в звании классного художника I степени. Когда через полгода он "в виде исключения" получил возможность уехать за границу, то попросил взамен этого разрешить ему выполнить заказ по росписи московского храма Христа Спасителя. Подготовительные работы Суриков выполнял в Петербурге, лишь уточняя и Москве необходимые детали. С июня 1877 года художник окончательно переехал в Москву, сделав в течение двух лет фрески, изображающие четыре Вселенских собора. Больше Суриков никогда на заказ не писал.

В 1878 году Суриков женился на Елизавете Августовне Шарэ, внучке декабриста П.П. Свистунова. Счастливая семейная жизнь и относитсль-ная материальная обеспеченность позволили художнику "начать свое" – обратиться к образам русской истории. "Приехавши в Москву, попал в центр русской народной жизни, сразу стал на свой путь", – вспоминал он. Казалось, заговорили сами стены древнего города, к которым вопрошал художник. В его воображении вставали образы минувшего, возникал замысел картины, которая представлялась ему "потрясающей". "Утро стрелецкой казни" (1878-1881, ГТГ) действительно потрясает. Но не ужасами смерти, а мощью характеров, трагедийностью одного из переломных этапов российской истории. "Торжественность последних минут мне хотелось передать, а совсем не казнь", – пишет Суриков об этом полотне. Стрельцы, идущие на смерть, полны достоинства.

Они проиграли в этой схватке и не просят пощады, не уйдут с плахи, как не уходили запомнившиеся Сурикову по Сибири смертники, приведенные на эшафот. В массе народа, который Суриков выделяет впечатляющие характеры. Особенно выразителен рыжебородый стрелец, гневный взор которого, как бы прочерчивая всю композицию, сталкивается со взглядом Петра.

Архитектурный пейзаж с Василием Блаженным, который Сурикову "кровавым казался", не просто исторический фон, он композиционно увязан с движением массы. "Торжественность последних минут" художник передает не только в гордой красоте русских людей, но и в той живописной палитре, которая вобрала в себя тона рассветного неба, цвета одежд и куполов собора, узорочье дуг на телегах и даже сверкание ободьев колес. Уже в этой картине проявились замечательные достоинства Сурикова – колориста, живописные поиски которого определялись мыслями и чувствами, владевшими художником. "Когда я их задумал, – писал Суриков, – у меня все лица сразу так и возникли. И цветовая краска вместе с композицией, я ведь живу от самого холста, из него все возникает".

Картина прямо на выставке была куплена П.М. Третьяковым. Если в "Стрельцах" показана трагедия массы, складывающаяся из судеб отдельных людей, то в картине "Меншиков в Березове"(1883, ГТГ) Суриков сконцентрировал внимание на одном сильном характере, в личной драме которого был отзвук трагедии России. Каким бы чисто бытовым эпизодом ни был подсказан Сурикову "узел" действия его будущей картины, созданный в ней образ приобретает историческую значимость…

Низкая изба, освещенная неярким светом свечи, крохотное слюдяное оконце покрыто причудливыми морозными узорами. Огромной фигуре Меншикова тесно под этими низкими потолками, в этой избенке. Этому сильному и властному человеку привычны иные масштабы жизни. С Меншиковым трое его детей. Все они должны были стать вершителями честолюбивых замыслов отца. Должны были… Ситуация драматична. И талант Сурикова помог уловить в ней красоту и тонкость проявления человеческих чувств, передать их в облике героев картины и колористическом строе.

… Первый эскиз "Боярыни Морозовой" появился в 1881 году; непосредственно к работе над картиной Суриков приступил три года спустя, написав "Меншикова в Березове" и побывав за границей. На этот раз Суриков обратился к образу сподвижницы протопопа Аввакума – Ф. П. Морозовой. И вновь трагическая судьба сильной и страстной натуры для художника неотделима от судеб народа, который противился никоновским церковным реформам. "Я не понимаю действий отдельных исторических лиц без народа, без толпы, – писал Суриков, – мне нужно вытащить их на улицу". При этом "толпа" у него не безлика, а слагается из ярких индивидуальностей.

Суриков хотел показать, как Морозова пробуждает в людях различные чувства, одновременно являясь средоточием этих чувств.

Поражает сила эмоционального воздействия всех компонентов полотна: формы, цвета, линейной композиции. Картина национальна не только по сюжету, восходящему к событиям XVII века, но и по типажу, архитектуре, характерному зимнему пейзажу, по трактовке цвета, звучная ясная сила которого сродни светлому мировосприятию русского народа. Суриков сумел выразить в великолепной живописи "Боярыни Морозовой" (1887,ГТГ) душевную стойкость, самоотверженность, красоту русских людей.

Впервые картина появилась на Пятнадцатой передвижной выставке и получила самую восторженную оценку современников. В. В. Стасов писал: "Суриков создал теперь такую картину, которая, по-моему, есть первая из всех наших картин на сюжеты русской истории. Выше и дальше этой картины и наше искусство, то которое берет задачей изображение старой русской истории, не ходило еще". В начале 1888 года художник испытал тяжкое потрясение: умерла его жена. Суриков почти оставил искусство, предаваясь горю. Свидетельством тогдашнего состояния художника является картина "Исцеление слепорожденного", впервые показанная в 1893 году на передвижной выставке.

Вняв советам родных, Суриков вместе с дочерьми едет в Сибирь, в Красноярск. В картине "Взятие снежного городка" (1891, ГРМ), появившейся после трех исторических полотен, заметны прямые истоки огромного жизнелюбия художника, которое помогло победить горе и невзгоды. Этим жизнелюбием В.И. Суриков наделял и героев своих произведений.

В 1891 году Суриков возвращается в Москву. "Необычайную силу духа я из Сибири привез", – отмечает он. Художник принимается за работу над новым полотном "Покорение Сибири Ермаком"(1895, ГРМ). "Две стихии встречаются" – эти слова Сурикова встают в памяти, когда видишь изображенную грандиозную сцену битвы. Народ здесь предстает во всем величии своего подвига. Движение войска направляет легендарный Ермак; его фигура сразу выделяется и в то же время она неотделима от казаков. Цельность, сплоченность – отличительная черта казацкого войска. По контрасту с ним армия Кучума, которую охватила паника, кажется разобщенной. Прославляя мужество русских, Суриков и во вражеском стане видит заслуживающие внимания черты, отмечает самобытную красоту "инородцев". Работая с натуры над созданием образов хакасов и остяков, Суриков замечает: "Пусть нос курносый, пусть скулы, а все сгармонировано…" В этом сказались и гуманизм, и подлинная широта взглядов художника.

"Главное в картине-движение, – говорил художник,-храбрость беззаветная – покорные слову полководца идут". Пейзаж картины: уходящие ввысь вершины гор, окутанные пеленой облаков, то темные, то сверкающие холодным голубоватым блеском – позволяет зрителю острее ощутить трудности перехода, почувствовать значительность подвига суворовских чудо-богатырей.

Несколько лет работал Суриков над своим последним большим полотном "Степан Разин" (1907-1910, ГРМ). Картина давалась ему нелегко, и художник возвращался к ней уже после того, как работа была показана зрителям. Картина поражает ощущением приволья. Она красива перламутровыми переливами красок, воздухом, пронизанным солнечными лучами, общей поэтичностью. Красотой природы как бы подчеркивается тяжелая дума атамана, словно отделяющая его от хмельного веселья казаков.

Очевидно, целью Сурикова было передать внутреннее состояние этого сильного мятежного характера. Об этом свидетельствуют и его слова, сказанные художнику Я.Д. Минченкову: "Сегодня я лоб писал Степану, правда теперь гораздо больше думы в нем?"

Последний созданный Суриковым исторический образ – образ Пугачева; сохранился эскиз 1911 года, изображающий предводителя крестьянского восстания заключенным в клетку…

В 1912 году на выставке Союза русских художников экспонировалась картина Сурикова "Посещение царевной женского монастыря" (ГТГ). Историко-бытовой характер этого полотна сближает его с подобными же работами А. Рябушкина и С. Иванова.

Значительно искусство Сурикова-портретиста. Прежде всего – это прекрасные этюды к историческим полотнам и "Снежному городку". Глубоко раскрыты характеры в "Портрете доктора А.Д. Езерского" (1911, частное собрание), "Портрете человека с больной рукой" (1913, ГРМ), "Автопортретах" (1913, ГТГ; 1915, ГРМ); удивительно красивы женские образы в сто портретных произведениях.Умер Суриков 6 марта 1916 года и похоронен рядом с женой в Москве, на Ваганьковском кладбище.

Василий Иванович Суриков – живописец, мастер исторической картины (1848, 12 января, Красноярск – 1916, 6 марта, Москва). "Суриков не только великий реалист, но по существу своему поэт, и, быть может, сам того не сознавая, этот художник обладает огромным мистическим дарованием. Он знает, чувствует, умеет то, что могли очень немногие в живописи – Тициан, Рафаэль, Веласкес, да у нас – Рублев, Левитан, Врубель…" (Бенуа А.Н.)

Выдающийся мастер исторической живописи В.И.Суриков родился в Красноярске. Его предки по отцовской линии пришли в Сибирь с Дона в дружине Ермака. В 1869 г. Детство художника прошло в патриархальной среде, в селе Сухой Бузим, среди суровой природы и сильных людских характеров. Он рано проявил интерес и незаурядные способности к рисованию. Благодаря случаю и меценатской помощи Суриков приехал в Петербург, где поступил в Академию Художеств и учится у известного педагога П.П. Чистякова. Уже во время учебы в Академии Суриков проявляет интерес к исторической живописи. Многоукладность российской действительности, где, наряду с общественными силами новой буржуазной формации, существовали слои, сохранявшие верность патриархальным традициям, уходящим корнями в допетровскую Русь, сыграла большую роль в формировании такого исключительного явления, как историческая картина Сурикова. Картина «Утро стрелецкой казни» (1881, Государственная Третьяковская Галерея), первое большое полотно Сурикова на тему отечественной истории, обращена к событиям эпохи Петра I. Прогрессивные реформы и преобразования Петра, оплаченные огромной ценой, страданиями и кровью народа, вызывали горячий протест и выступления. Одной из сил, противостоящих борьбе новому, было стрелецкое войско. Ущемленное в своих интересах, оно не раз восставало: последний стрелецкий бунт 1698 гола, возглавляемый царевной Софьей, был жестоко подавлен. Суриков взял за основу сюжета казнь стрельцов, но сама казнь на картине не показана, поскольку художник стремился рассказать о трагической народной судьбе в момент исторического перелома. Стремясь передать драму стрельцов, он сосредоточился на изображении их душевного состояния, на том, как каждый персонаж переживает последние минуты своей жизни. Впечатлению глубокого трагизма вторит и мрачный колорит картины: недаром художник выбрал время изображения казни – раннее хмурое утро, наступившее после дождливой осенней ночи. В этой работе Суриков применил и необычный композиционный прием сближения планов, с помощью которого добился эффекта изображения огромной народной толпы, полной жизни и движения. Не самую казнь, а «торжественность последних минут перед казнью» хотел, по его словам, передать художник в картине. Сами стрельцы полны ощущением неизбежности совершающегося: конфликт приобрел характер независимого от воли и желания людей трагического противостояния двух миров – старой Руси и петровской России. Суриков широко пользуется средствами эмоционального воздействия, языком поэтических уподоблений, контрастов, композиционной «рифмовки». Таков, например, контраст асимметричных живописных форм собора Василия Блаженного и подчеркнутой горизонтальной линейности кремлевских стен, соответствующий смысловому противопоставлению стихийной толпы, окружающей стрельцов, и регулярного войска Петра I, выстроенного справа вдоль стен. Мглистый сумрак раннего утра, в котором еще виден свет горящих свечей, создает образ трудного, мучительного рождения нового дня и воспринимается как поэтическая метафора, обобщенно выражающая смысл исторической минуты – «начало славных дней Петра мрачили мятежи и казни» (А.С. Пушкин).

В картине «Меншиков в Березове» (1883, Государственная Третьяковская Галерея) показан сподвижник Петра I в опале. «Боярыня Морозова» (1887, Государственная Третьяковская Галерея) – вершина творчества Сурикова, его великолепного живописного мастерства. Но живописная красота здесь не самоцель, она служит характеристике исторической реальности, глубокому раскрытию замысла картины. Перед нами Русь XVII в. – яркая, цветная, праздничная. В таком контексте темное пятно одежд боярыни Морозовой воспринимается как диссонанс, усиливающий ощущение драматизма момента. Связи со старой верой не порваны, а только рвутся. Это отзывается болью, испугом, злорадством, тяжкой думой – целой гаммой противоречивых чувств в сердцах людей. Верный своей теме, Суриков вновь обратился к событиям отечественной истории. В основу сюжета был положен эпизод из XVII столетия: церковные реформы, проводимые патриархом Никоном и расколовшие церковь и общество надвое. Правительство жестоко подавляло раскольничье движение. Преследованию поверглась и боярыня Феодосия Прокопьевна Морозова, страстная поборница «древнего благочестия». Рано овдовев, она вела подвижническую жизнь, раздала все свои богатства неимущим и приняла монашество. За убеждения Морозова была арестована, заточена в тюрьму, подверглась мучительным пыткам, но не отреклась от своей веры. В 1672 голу в Боровском остроге она умерла голодной смертью. Суриков изобразил на полотне момент, котла закованную в цепи раскольницу везут в тюрьму Московские улицы заполонила толпа людей, так что дровни с арестованной с трудом пробираются сквозь нее. Морозова высоко вверх вскинула руку, сложенную в двуперстие, как бы призывая народ твердо стоять за свои убеждения. Исключителен по силе воплощения образ боярыни, однако он не затмевает народной массы. Людская толпа едина, но художник сумел ярко изобразить каждое лицо на картине, гениально разрешив труднейшую тему «герой и толпа». Переломные этапы истории порождают раскол в обществе, в душе народа, но в этих страданиях сказываются глубинные черты национального характера – мужество, самоотверженность, бесстрашие перед лицом испытаний, сочувствие чужому горю. С начала 1890-х гг. Суриков от трагически заостренных исторических сюжетов переходит к освещению героических страниц национальной истории.

В «Покорении Сибири Ермаком» (1895, Государственный Русский Музей) вместо героев-жертв, таких, как стрельцы, опальный Меншиков или боярыня Морозова, – победоносная дружина Ермака под развевающимися стягами. Историческое событие трехсотлетней давности – бой казачьей флотилии Ермака и войск хана Кучума – художник показал с достоверностью очевидца. "А я ведь летописи не читал. Она (картина) сама мне так представилась: две стихии встречаются. А когда я, потом уж, Кунгурскую летопись начал читать, вижу – совсем как у меня. Совсем похоже", – вспоминал художник. В сложной многофигурной композиции, полной движения и экспрессии, запечатлен подвиг русских воинов во имя освобождения родной земли.

Окончательная разрядка трагического напряжения по сравнению с историческим циклом 1880-х гг. – в картине «Переход Суворова через Альпы» (1899, Государственный Русский Музей). Бесстрашие людей, преодолевающих неприступные заснеженные скалы, отвага и смелость полководца воплощены в сильных и выразительных образах. "Двигаются, покорные слову вождя", – заметил художник по поводу сюжета своей картины. Если в картинах 1880-х гг. сила исторических обстоятельств одолевала героический характер, то в картинах 1890-х гг. сила характера торжествует над драматизмом исторических обстоятельств. Их главные герои – по-прежнему русские люди, солдаты, казаки. Художник не отделяет ни Суворова, ни Ермака от их войск. Он так строит композицию, что дает возможность зрителю окунуться в гущу событий, разделить с его героями все тяготы и лишения.

Последнее крупное полотно Сурикова – «Степан Разин» (1903-1910, Государственный Русский Музей) Почти все пространство картины занимает огромная ладья, плывущая по широкому волжскому простору. В центре, на покрытой ковром скамье, – монументальная фигура Разина, атамана-бунтаря, погруженного в тяжкую думу. В мускулистых фигурах гребцов – напряжение и сила, воплощение мощи народа.

Лето 1915 года Василий Иванович провел на юге, в Крыму. Он много загорал, подымался в горы. Такие нагрузки оказались слишком тяжелыми для его больного сердца. 6 марта 1916 года Сурикова не стало. Суриков был художником редкого таланта. Он умел предвидеть, постигать, проникая сквозь завесу столетий. Мастер учился и по стенам кремлей, и по книгам. Он встречал своих будущих героев на улицах, и одновременно они являлись ему в мечтах и снах. Художник давал всякому явлению новую жизнь в искусстве, воплощая это явление в цвете, композиции, ритме. В летописи русского искусства Суриков остается величайшим историческим живописцем, верящим в духовные силы своего народа. В наследии художника остались и многочисленные эскизы на чисто исторические темы, но ни один из них не превратился в картину.

. В.М. Васнецов. Народная тема в былинно-сказочном аспекте

Сказочная, богатырская и историческая тема в творчестве В.М. Васнецова

Произведения искусства, как люди, имеют свою судьбу и свою биографию. Многие из них сначала принесли славу и известность своим создателям, потом бесследно улетучились из памяти потомков. Творчество Виктора Михайловича Васнецова принадлежит к счастливым исключениям в искусстве, рожденные художником живописные образы входят в нашу жизнь с самого детства. С возрастом могут их сменять другие увлечения, появляются новые властители дум, но полотна Васнецова никогда не вытесняются полностью, наоборот – еще больше уплотняются в человеческой памяти.

Виктор Михайлович Васнецов (1848-1926г.г.) – один из самых знаменитых русских художников XIX века. Его называли «истинным богатырем русской живописи». Но первый из живописцев обратился к былинно-сказочным сюжетам. Но именно этот Васнецов – автор « Аленушки», «Ивана-царевича на сером волке», широко репродуцируемых в течение многих лет огромными тиражами – вошел в массовое сознание. Васнецов стал одним из первых мастеров, кому стали тесны рамки станковой картины и кто обратился к «украшению жизни», взялся за самые различные области искусства – театральную декорацию, архитектуру, прикладное искусство. Он знал восторженное преклонение и холодно-сдержанное до полного неприятия, отношение к своему творчеству, огромный успех и резкую, граничащую с хулой, критику своих работ.

«Я только Русью и жил» – эти слова художника характеризуют смысл и значение его творчества. Имя Васнецова – одно из самых любимых и известных имен русских художников. Его творческое наследие интересно и многогранно.

Талант живописца проявился во всех областях изобразительного искусства. Картины бытового жанра и поэтические полотна, сюжеты русских народных сказок, легенд, былин; иллюстрации к произведениям русских писателей, эскизы театральных декораций; портретная живопись и орнаментное искусство, росписи на исторические сюжеты и архитектурные проекты – таков творческий диапазон художника.

В.М. Васнецова с благодарностью вспоминают потомки.

Много лет работал художник над этим знаменитым полотном, выразившим наиболее полно и совершенно, лучшие стороны его огромного дарования.

Еще в раннем детстве, затаив дыхание, с трепетным волнением вслушивался будущий художник в героические сказания, богатырские былины и волшебные сказки. Образы национального фольклора глубоко запали во впечатлительную душу ребенка, завладели его фантазией, стали как бы частицей его поэтической натуры. Эти настроения и чувства поддерживала и питала величественная, со сказочным оттенком, суровая природа родного Вятского края с ее дремучими, непроходимыми лесами и окружающий бытовой уклад, бережно хранивший многие древние предания и отголоски старины. С живым интересом приглядывался юный Васнецов к народным обрядам и обычаям своих земляков.

Широко, раздольно распростерлось поле. Бескрайное, неодолимое гудит вольный ветер в ковыльной степи. Высоко в летнем полуденном небе неспешно и гордо плывут облака. Орлы сторожат курганы. Вот и богатыри на заставе, богатыри на защите родного края. Порывистый ветер подхватывает гривы могучих коней, несет горький запах полыни. Сверкает глаз Бурушки – любимого коня Ильи Муромца. Суров богатырь. Глядит далеко-далеко вдаль. Изготовлено копьё. Насторожены и други его – Добрыня Никитич и Алеша Попович. Грозная сила в этом суровом ожидании. Бессонна дружина. Спокойны и дружелюбны богатыри. И рады бы мирно почивать в своих домах, да лезет к нам всякая нечисть. Хотят испытать враги непобедимость богатырскую. Гремит гортанно гром за увалами. Стоит не дрогнет богатырская застава.

По былинным сказаниям Илья Муромец был главным из богатырей. Три побратима изображены на картине, их боевое товарищество и боевая верность. И не потому выделяется Илья Муромец среди других, что был сильнее их. Отличается он прямотой душевной, волей, стойкостью, умом, заботу о бедных и сиротах берет на себя. У каждого из богатырей своя биография, свой нрав. Добрыня Никитич – знатного происхождения, Алеша Попович «сын соборного попа ростовского», он победил Тугарина и много сражался с кочевниками.

Васнецов несколько раз переделывал те места в картине, которые ему почему-то не нравились. Особенно много работал над лицом Добрыни Никитича – лицо Добрыни стало собирательным типом Васнецовых – отца, деда, отчасти самого Виктора Михайловича. Для Алеши Поповича позировал рано умерший сын Саввы Мамонтова, талантливый Андрей. Для Ильи Муромца художник искал все новые типажи: то рисовал абрамцевского кузнеца, то московского ломового извозчика. « Иду по набережной около крымского моста – рассказывал Васнецов – и вижу стоит около полка здоровенный детина , точь-в-точь мой Илья».

Под стать богатырям и их кони. Традиционен для русской живописи подбор масти коней – белый, гнедой, вороной. Это излюбленные цветовые сочетания народных преданий и сказок. Грузный и лохматый самый «былинный» конь, такой же мощный и упористый, как и его седок, Илья Муромец. Он стоит спокойно, только слегка потряхивает бубенчиками. Сила у него могучая поистине сказочная.

Общее настроение торжественной приподнятости придает картине и пейзаж, который «тяжело давался» художнику. Буйный ветер пригибает к земле травы, гонит грозовые облака, развевает лошадиные гривы. За спинами богатырей тянется волнистая гряда холмов.

Вышли богатыри посмотреть, «не обижают ли кого где», и этими словами былин многое сказано. Всматривается вдаль Илья из-под руки на которой висит палица весом 90 пудов, копье наперевес, щит в руке. А Добрыня уже и меч из ножен вынул, щит на грудь завел, и ногу в стремена вздел. Вот-вот пустит вскачь своего скакуна. А справа от Ильи, с чуть лукавой улыбкой на смуглом лице стоит Алеша Попович. Исподлобья смотрит он, и конь его, нагнув шею, пока еще пытается щипать траву.

Не в смертной схватке показал своих героев В.М. Васнецов, а на страже, но уже прославившимися своей волей к победе. Много лет писал художник своих.

«Богатырей», но зрителю кажется, что в едином порыве вылилось из-под кисти это живописное сказание. Все в этом полотне продумано до деталей и убедительно настолько, что ничего в нем нельзя изменить.

В детстве не раз слышал художник сказку об Аленушке. Именно она тронула его сильнее других сказок, запала в его душу. Васнецов думал об Аленушке и замысел его новой композиции все больше прояснялся. Аленушка – это одновременно и героиня народных сказок, обиженная злыми людьми простая девушка, и крестьянская девчушка, горько задумавшаяся над своей трудной жизнью.

На картине В.М. Васнецова «Аленушка» мы видим героиню одноименной сказки, несправедливо обиженную людьми. Она совсем одна в дремучем лесу, полном таинственных звуков и шорохов. Пригорюнилась, присела на круглый камень у черного пруда и в тяжелом безысходном горе обхватила тонкими руками колени. Одета она в цветастый деревенский сарафан, босая, немного растрепанны ее волосы в косе. Грустно сидит она, положив голову на руки. Эта девочка пришла в этот темный, но знакомый лес погрустить о своей участи и жизни. Ее родителей нет в живых, чужие люди заставляют работать с утра до поздней ночи, морят ее голодом, бьют ее и обижают. Что будет дальше?

Природа, изображенная на картине, отражает внутренне состояние девочки. В предчувствии суровой зимы, сумрачно насупилось и отяжелело осеннее небо. Неподвижен и темен пруд, в его таинственной глади смутно отражается сарафан Аленушки.

Но не все мрачно в пейзаже, окружающем девочку. В отдалении стоят елочки, манящие вечно молодой зеленью, чуть ближе – стройные осинки. Осинки стоят совсем недалеко и под набегающим ветерком осыпают девочку золотыми листьями, словно шепчут ей: « Не плачь! Не горюй!». А стебли камыша, слева от девочки, совсем твердые и жесткие, будто сказать хотят ей чтоб она не плакала и выпрямилась как они.

Рабскую долю женщины изображали и другие мастера, но Васнецов раскрыл эту тему в истинно народном стиле. Ведь в этой картине воплотилась не только сказка. Сам автор говорил: «Чудесные русские глаза, которые глядели на меня и весь божий мир… и в вятских селеньях, и на московских улицах и базарах и навсегда живут в моей душе и греют ее!». Сам Васнецов признает в этой картине обобщение русского типа женской духовной красоты.

Картину В.М. Васнецова «Иван-царевич на сером волке» я помню с раннего детства. Она висела в комнате моей бабушки и волновала мое воображение. Бабушка рассказывала сказки, а иллюстрациями к ним служила эта прекрасная картина талантливого русского художника. От картины невозможно оторвать взор, она притягивает и завораживает. Этот дремучий лес полон злых духов, деревья-великаны скрывают страшные тайны. Может быть это заколдованные богатыри?

Серый волк в мощном прыжке устремился вперед. Веришь, что он преодолеет все трудности и выполнит договор, заключенный с царевичем. Иван-царевич уверенно сидит на волке, и крепко держит спасенную царевну. Она испугана, боится смотреть по сторонам, но надеется на своего защитника и спасителя. И мы вместе с героями картины верим в благополучное возвращение. Я верю, что художник уготовил своим героям счастливый исход. Ведь все сказки имеют счастливый конец. Герои страдают, мучаются.

Преодолевают трудности, но никогда не теряют веры в свои силы и поэтому побеждают. Такую же жизнеутверждающую силу добра, красоты, любви и преданности изобразил Васнецов на своей картине « Иван-царевич на сером волке».

Полотно художника воспроизводит эпизод из сказки о Иване-царевиче, Жар-птице, сером волке. В своих сказочных картинах автор, между тем, был далек от формального заимствования сюжета былин и сказок. Стремясь открыть зрителю красоту и возвышенность мира народной фантазии, передать народные представления о красоте, любви, верности и счастье. На его картинах огромные стволы деревьев темного непроходимого леса похожи на фантастических великанов. Сквозь переплетенные ветви деревьев едва пробивается тревожный свет утренней зари. Таит опасность болото с кувшинками. Атмосфера тревоги и печали окружает героев: беглецов ждет разлука. На переднем плане яблоня в цвету – символ всепобеждающей любви, способной творить чудеса, знак счастливого конца сказки. Соответствуют сказочным преданиям и образы героев картины в ярких нарядных «парчовых, золототканых» одеждах – женственный, трогательно печальный и нежный Елены Прекрасной и мужественный юного любящего царевича с тонкими чертами лица. Он умеет достичь заветной цели, преодолевая хитрости и трудности пути, а потом и сберечь добытое.

Заключение

Вся жизнь и творческая деятельность великих мастеров культуры раскрывается будущим поколениям в их наследии. Наследие художников, композиторов, музыкантов, посвятивших себя служению искусству – поражает исключительной многогранностью и разносторонностью.

Их произведения учат доброте, пониманию прекрасного в жизни, в природе, в искусстве. Она учат любить свою Родину, осмысливать и ценить ее историю, ее достояние и ценности. Они помогают формированию гармоничной личности человека.

Вторая половина XIX века – время окончательного утверждения и закрепления национальных форм и традиций в русском искусстве. Наиболее успешно это произошло в музыке, менее успешно – в архитектуре. В живописи «русская тема» выражалась в жанровых сценках из крестьянской жизни, в исторических полотнах Репина и Сурикова, в пейзаже «проселочной России». Русская культура не замыкалась в национальных рамках, не отделялась от культуры остального мира. Достижения зарубежного искусства находили отклик в России. В свою очередь русская культура (прежде всего литература и музыка) получила всемирное признание. Русская культура заняла почетное место в семье европейских культур.

В.М. Васнецов был одним из первых мастеров русской живописи, кому стали тесны рамки станковой картины и кто обратился к «украшению жизни».

Таким путем Васнецов пришел к решению принципиально новых задач, центральной из которых была задача создание единого, охватывающего разные виды искусства, стиля, основанного на национальных традициях. Именно поэтому художник в своем творчестве обращается к уже найденным в русском фольклоре, древнерусском искусстве и архитектуре способам выражения, прежде всего образной системе русского искусства, а затем его стилистике.

Созданные Васнецовы картины « Богатыри», «Аленушка», «Иван-царевич на сером волке» проникнуты искренней поэтичностью, исполненные веры в богатырские силы русского народа. Васнецов, одним из первых обратился к русскому фольклору, стремится придать своим работам эпический характер, в поэтической форме воплотить вековые народные идеалы и высокие патриотические чувства.

Эти картины Васнецова знают почти все. Эти картины выставлены в Третьяковской галерее.

Список литературы

1. Энциклопедия для детей. Т. 7. Искусство. Ч. 2. Архитектура, изобразительное и декоративно- прикладное искусство XVII- XX веков. Ред. Аксенова. – М.: Аванта+, 1999 г.

. Ильина Т.В. История искусства. Русское и советское искусство. М.,1989.

. Зезина М.Р., Кошман Л.В., Шульгин В.С. История русской культуры. М., 1990.

. авленко Н.И., Кобрин В.Б., Фёдоров В.А. История СССР с древнейших времён до 1861 года. – М., 1989.

. Для подготовки данной работы были использованы материалы с сайта http://www. bolshe.ru/