Мода 60-х годов 20 века в русле современных тенденций

• Вид работы: Дипломная (ВКР)
• Предмет: Культурология
• Язык: Русский , Формат файла: MS Word 52,97 kb

Мода 60-х годов 20 века в русле современных тенденций

АННОТАЦИЯ

Курсовая работа посвящена проблеме современных трендов, пришедших из 60-х годов.

В первой части курсовой работы изучен период 60-х годов. Рассмотрена мода, образ десятилетия, и общая характеристика эпохи.

Во второй части рассмотрены современные коллекции в духе 60-х. Проанализированы тренды, вернувшиеся из того десятилетия.

ВВЕДЕНИЕ

Актуальность

Актуальность курсовой работы заключается в том, что модные тенденции 60-х годов прошлого столетия стали вновь на пике популярности. Начиная с этого десятилетия современная мода не просто меняется, она меняет свое направление в абсолютно противоположную сторону. Как нам известно, мода – это зеркало социальных процессов. Она очень тонко улавливает каждое изменение в обществе и в психологии людей. А многие аналитики моды отмечают, что в современном обществе у женщины появляется новая роль. Женщина приобретает все большую активность и мобильность. Все эти изменения в образе жизни и мышления ведут за собой изменения и в образе женщины. Образ жизни зависит от моды, так что постоянно приходится определять, следует ли сохранять прежний образ жизни или необходимо избрать новый, чтобы соответствовать моде. Наблюдая за этими социальными изменениями, мы видим, что женщины меняют ценности и идеалы недавних лет, а, соответственно, и образ жизни, и свой облик, начинают одеваться во что-то более иное… но что? Откуда пришел этот новый облик? И здесь, изучив моду прошлых столетий, мы приходим к выводу, что это ни что иное, как стиль 60-х годов прошлого века.

Всегда, на каждом историческом этапе мода использует мотивы ретро. Мы всегда ищем в костюмах фрагменты моды давно прошедших лет. Это естественная сокровищница человеческой культуры. Ведь человеческое тело не меняется так стремительно, как стиль одежды.

Любая новая мода – это отказ от наследия, высвобождение из под власти предшествующей моды. Таким образом, новая мода является освобождением от старой. Проблема заключается в том, что в данном случае происходит замена одной доминирующей силы другой, и человек точно так же, как и раньше, подчиняется тирании новой моды.

Мода 60-х годов демократична. Сочетая в себе множество различных стилей, сегодня, она позволяет каждой личности проявлять себя, как что-то особенное и неповторимое.

Поэтому тема данной курсовой работы очень актуальна в данный момент времени – это неисчерпаемый источник для творческой деятельности в области дизайна костюма и создании современных коллекций.

Новизна

Ни для кого не секрет, что мода изменчива и капризна, и потому она периодически предлагает нам увлекательную игру со временем. Каждый сезон к нам приходит то самое новое, которое на деле оказывается хорошо забытым старым. И тут уже наступает наша очередь делать ход конем: вплетать тренды других эпох в модный современный образ.

Придумать что-то кардинально новое невозможно хотя бы потому, что люди придумывают это новое последние шесть тысяч лет – с тех пор как существует ткань.

Однако все модные дома взялись за изучение данной темы.

В коллекциях 2011/2012гг. многие модные дома решили отдать должное моде 60-х годов, некоторые просто создали пару луков в стиле 60-х, а коллекции других – настоящая ода моде 60-х годов.

Это доказывает, что данная тема является неисчерпаемой. Черпая вдохновение в коллекциях модельеров середины двадцатого века, современные дизайнеры создают потрясающие коллекции, полные изысканной утонченности 60-х, но в тоже время не лишенные индивидуальности.

Исследуя темы 60-х годов 20 века и их современной интерпретации, и мы можем привнести нотку индивидуальности в давно знакомый сюжет.

Обзор источника

Курсовая работа написана при использовании литературных источников, раскрывающим затронутую в работе проблему, а также с помощью визуальных материалов. Библиографический список представлен в конце курсовой работы.

Были изучены теоретические материалы: исторические книги, а так же современные журналы, публикации, статьи (для поиска аналогий моды 60-х в современном мире), и визуальные материалы: кинофильмы 60-х годов, фотографии, художественные работы.

Все материалы были проанализированы, сравнены, обобщены. Был сделан общий вывод, который представлен в заключении курсовой работы.

Цель и задачи

Целью курсовой работы является исследование моды 60-х годов в русле современных тенденций как творческого источника для дизайна костюма.

Для достижения поставленной в курсовой работе цели нами решались следующие задачи:

изучение и анализ литературных источников

рассмотрение современных тенденций

выявление и обоснование актуальных проблем

сравнение моды 60-х годов и современных тенденций

выявление ряда особенностей, которые могут быть положены в основу создания современной коллекции

ЧАСТЬ1 60-Е ГГ

.1 ХАРАКТЕРИСТИКА ДЕСЯТИЛЕТИЯ

«Свингующие шестидесятые» были самым важным десятилетием 20 века. Доказательством служит тот факт, что об этой эпохе до сих пор не сложилось единого мнения. Одни считают ее золотым веком новых свобод, а другие – мрачным десятилетием, которое принесло с собой крушение морали, авторитета и дисциплины.

Период 1960-х гг. связан с надеждой на большие перемены в советском обществе, обуслоленные хрущевской оттепелью. Технический прогресс в стране, ее постоянная конкуренция с США характерна для этой эпохи. Первые полеты Юрия Гагарина и Валентины Терешковой в космос изменяют представления о возможности человека. Но дальнейшие изменения в мировой политике, карибский кризис, а так же строительство берлинской стены и усиление холодной войны становятся новыми вехами в этой напряженной эпохе шпиономании.

Все, что пришло в движение в 60-е годы, до сих пор оказывает общественное, политическое и культурное влияние на нашу жизнь.

Исходный импульс всему этому дала молодежь, которая всегда была главным носителем надежды в обществе. В результате послевоенного «бэби-бума» процент молодежи среди населения резко возрос, молодежное влияние было сильно как никогда. Тинэйджеры, ставшие в 50-х годах потребителями благосклонность которых стремились снискать производители превратились в двадцатилетних бунтовщиков, подвергавших сомнению все святыни своих родителей. Одной из причин этого явления было экономическое чудо. Хотя оно свершилось уже в 50-х во всей полноте его плоды можно было пожинать лишь теперь, спустя десять лет, когда они стали доступны практически каждому. Однако многие молодые люди не хотели платить за это положенную цену – приспосабливаться, подчиняться, отказываться от себя. Они восставали против авторитета родителей, церкви и государства, начали поиск новых ценностей, развенчали общепринятую двойную мораль, которая заставляла людей делать одно, публично проповедуя совсем другое.

Подобные конфликты между поколениями происходили всегда. Новым было то, что молодежь не только протестовала, но и создала собственную культуру, вынеся ее на рынок в таких масштабах, что эта культура уже не бурлила где-то в подполье, а стала воистину вездесущей. Некоторое время казалось, что представления о лучшем мире, в котором будет больше честности и человечности, даже удастся претворить в жизнь. Так или иначе, это желание объединяло всех молодых людей: и тех, кто мыслил в политических категориях, и тех, кто занимался поп-культурой, и тех, кто просто наивно мечтал о мирной жизни, полной радости.

Послевоенного поколения, создавших экономическое чудо. За фразой «… ты должен чего-то достичь в жизни» обычно следовала угроза: «Пока ты садишься за мой стол, будешь делать то, что я скажу». Нередко это приводило к отказу от любых достижений и отторжению семьи и всего, что с ней связано: брака, верности, традиционного распределения ролей между мужем и женой. Принуждение представлялось корнем всех зол. А что, если не позволять собой командовать, если выбирать сексуальных партнеров так же свободно и спонтанно, как одежду, в которой больше не хочется видеть символ социального статуса? Сказано – сделано, и молодежь радостно предалась райской свободе. Уши Обермайер описывает это так: «Все было абсолютно новым: мода, музыка, философия, образ жизни. Живя в коммуне, мы находились в семье, которую сами себе выбрали. В жизни мы следовали принципу удовольствия, старались все перепробовать».

В этих экспериментах молодежи помогло изобретение противозачаточных таблеток. Появившись на рынке в 1961 году, они впервые позволили надежно и легко предохраняться от беременности. Без этих маленьких круглых пилюль сексуальная революция была бы невозможна. Насколько они помогли эмансипации женщины – это еще вопрос. Появление «пилюли» привело в первую очередь к тому, что мужчины полностью освободились от чувства ответственности. А женщины вскоре ощутили принуждение иного рода – необходимость постоянной готовности к сексу. Лишь немногие могли сказать о себе, как Уши Обермайер: «Я всегда делала только то, что хотела, и никогда не рассматривала себя как феминистку». На баррикады феминизма в конце 60-х многих женщин привели именно неожиданные последствия приема противозачаточных таблеток и сексуальной революции.

Условием свободы такой женщины, как Уши Обермайер, была в том числе и финансовая независимость. Как топ-модель Уши могла позволить себе все. Она была не единственной, кто с неожиданной быстротой нажил состояние в молодые годы. Экономическое чудо все еще было в расцвете; бум приносил прибыли молодым предпринимателям, которые обрели самостоятельность, занимаясь клубами, дискотеками, порнографией, андеграундными журналами и бутиками, и прежде всего – музыкальной индустрией. Молодежный рынок сбыта обслуживали в первую очередь молодые люди, которые разбогатели, продавая то, что нравилось им самим. А молодые вовсе не были противниками идеи потребления. Молодежь тратила деньги на индивидуальную моду, путешествия, наркотики, рок-н-ролл.

Музыка была стихией, которая объединял всю западную молодежь, невзирая на государственные границы, классовые, расовые и половые различия. Предтечами были Билл Хэйли и Элвис Пресли, потом возник спрос на «Битлз» и «Роллинг Стоунз», «Ху», «Кинкс», Джими Хендрикса и Эрика Бердона. Их музыка выражала все, что не вмещалось в слова, и люди следовали ей, как могли. В качестве шикарных девушек-«групи», которые повсюду ездили за буйными музыкантами, выступали в основном модели и красивые дочери богачей. Они немало способствовали тому, что 60-е остались в памяти как время «секса, наркотиков и рок-н-ролла». Этому имиджу не вредило даже то, что некоторые рокеры вполне по-мещански вели своих избранниц к алтарю, как Мик Джаггер – Бьянку. Главное, что распутная жизнь продолжалась.

В отличие от «Роллинг Стоунз» «Битлз» не остановились на «личном удовлетворении». Помимо этого они стремились обрести и внутреннее просветление. В 1967 году, избрав своим гуру Махариши Махеш Йоги, они стали застрельщиками движения, которое в поисках смысла бытия ориентировалось главным образом на далекий Восток. А ультрасовременные «стиляги» с прическами в форме гриба, которые следовали в моде вполне определенным, хотя и новым, законам, очень быстро превратились в хиппи (по крайней мере, по мнению средств массовой информации, для которых все «патлатые» были мазаны одним миром).

В искусстве десятилетия царствовали такие направления, как поп-арт и оп-арт.

Поп-арт. В других странах эпоха шестидесятых прошла под знаком других имен, одним из которых стал культовый (уже тогда) авангардный художник Энди Уорхол (настоящее имя – Андрей Вархола, 1928-1987). В 1960-е будущая звезда поп-арта «только начал рисовать свои полотна». О том, как все начиналось, Уорхол в соавторстве со своим личным секретарем Пэт Хэкетт поведал в книге "ПОПизм", без ложной скромности сопроводив ее подзаголовком "уорхоловские 60-е": "Когда к 1960 году в Нью-Йорке появился поп-арт, все им так прониклись, что даже занудным европейским умникам пришлось признать его частью мировой культуры… Поп-арт работал с образами, которые любой прохожий с Бродвея узнавал на раз – комиксы, столики для пикника, мужские брюки, знаменитости, занавески для ванной, холодильники, бутылки колы – в общем, со всеми теми классными современными вещами, которых так усердно не хотело замечать современное искусство" (Рис. 1-4).

Однако тех, кто уже приготовился к подробным, хронологически последовательным воспоминаниям на тему "моя жизнь в искусстве", предупредим сразу: такого "кина" не будет. Будет другое – обрывочный, случайный, поверхностный даже взгляд в прошлое. Субъективность и непоследовательность присущи большинству мемуаристов, претендующим, однако, как раз на объективность и последовательность. У Энди Уорхола все иначе: обрывочность и несостыковки – не досадная оплошность, а принцип. Как подмечено в предисловии переводчика книги Людмилы Речной, «это просто еще одно проявление ПОПизма – заполнять поверхность деталями, но не концентрироваться на них. Собирать пазл, не интересуясь каждой отдельной составляющей"…

В 1962 году Уорхол создал сенсационную серию полотен, на которых были изображены, зачастую в кричащих цветах, банки кока-колы и консервов, в том числе – знаменитые изображения банки томатного супа «Кэмпбелл», ставшие визитной карточкой Энди Уорхола. Радикальные арт-критики сразу обратили на них внимание, заявив, что произведения молодого художника искусно вскрывают пошлость, пустоту и безликость западной культуры массового потребления. Впоследствии Уорхол стал создавать более эпатажные произведения, такие как выполненные в «кислотной» манере образы кумиров современного общества: Мэрилин Монро, Мика Джаггера, Мао Цзэдуна. Поговаривали, что в качестве «последнего штриха» Уорхол просил своих любовников помочиться на подобное произведение. Скандальная репутация Уорхола способствовала росту цен на работы из этой серии. В настоящее время рыночная стоимость картин Уорхола нередко измеряется десятками миллионов долларов.

Во второй половине 1960-х Уорхол стал проявлять интерес к кино. Фильмы, снятые им вместе с Полом Морисси, – первая ласточка сексуальной революции. Самая ранняя короткометражка Уорхола изображает фелляцию двух мужчин. Параллельно с экспериментами с любительским кино Уорхол продюсирует первую альтернативную рок-группу – The Velvet Underground. Он также выступил дизайнером обложек ряда концептуальных альбомов, например, «Sticky Fingers» группы The Rolling Stones.

Оп-арт прочно связан с абстракционизмом, здесь создается особая эстетическая среда калей-доскопических эффектов, особые изобразительные формы, далекие от воспроизведения действи-тельности. Опираясь на определенные психологические особенности человеческого восприятия, художники оп-арта успешно использовали некоторые зрительные иллюзии. В качестве средств образной выразительности в оп-арте фигурирует цвет, декоративный, контрастный или мягкий, тающий в полутонах, и геометризированный рисунок в виде спиралевидных, извивающихся линий, однообразных геометрических очертаний, усложненных наложением или совмещением разных планов узора. Творчество оп-арта можно было бы рассматривать как разновидность декоративно-прикладного искусства. Известно, что художники-модельеры широко используют оптические мотивы в росписи тканей, создавая монохромные или цветовые композиции, переливающиеся при всяком движении костюма или платья.

Оп-арт стремится к достижению оптической иллюзии движения неподвижного художественного объекта путем психофизиологического воздействия на зрителей, их активизации. Эстетическая специфика Оп-арта заключается в замене классической перспективы многофокусным видением виртуального оптического пространства. Движение в нем всегда виртуально, а не реально: визуализируется сама его идея. Создается иллюзия «ожившего пространства», плоскостное восприятие картины разрушается.

Художники оп-арта использовали различные зрительные иллюзии, опираясь на особенности восприятия плоских и пространственных фигур. Эффекты пространственного перемещения, слияния, парения форм достигались введением ритмических повторов, резких цветовых и тональных контрастов, пересечения спиралевидных и решетчатых конфигураций, извивающихся линий.

Задача оп-арта – обмануть глаз, спровоцировать его на ложную реакцию, вызвать образ "несуществующий". Визуально противоречивая конфигурация создает неразрешимый конфликт между фактической формой и формой видимого.

.2 ХАРАКТЕРИСТИКА СУБКУЛЬТУР

Если судить по признаку доминировавших в те годы умонастроений, то 60-е годы можно охарактеризовать как «технократические». Впечатляющие успехи, достигнутые в 50-е годы мировой и советской наукой, прорыв в космос и «покорение» атома создали в определенных слоях населения настроение энтузиазма, веры в науку и в формирующийся на ее базе общественный прогресс. В обществе резко возрос престиж науки и образования, который распространился отчасти и на культуру в целом.

Эти процессы привели к тому, что в школьных классах (подростковой среде) сформировалось нечто вроде субкультуры продвинутых в образовательном смысле ребят, серьезно и без всякого давления со стороны взрослых занимавшихся самообразованием (главным образом путем чтения литературы, нередко довольно сложной). Двенадцатилетний подросток, относящийся к этому типу, легко мог по памяти нарисовать на доске схему транзисторного радиоприемника, цепи ядерных превращений в реакциях синтеза и деления, перечислить специфических представителей животного и растительного мира в разных регионах мира. Наряду с «технократической», или «естественнонаучной» субкультурой во взрослой и в подростковой среде возникли в те годы также субкультуры с гуманитарной направленностью, но менее влиятельные и менее многочисленные. Обе эти субкультуры не были антагонистами друг по отношению к другу, тесно взаимодействовали и вместе образовывали своего рода «интеллигентскую» субкультуру.

Возникновение интеллигентской субкультуры в подростковой среде было крупным и многообещающим событием в социальной истории страны. Ее важная роль заключалась в том, что она служила своего рода школой и поставщиком научных и технологических кадров самой высокой квалификации, прививая подросткам даже не столько знания, сколько мотивацию бескорыстного служения науке.

Описанный выше тип «ученого подростка» был и в те годы относительно редким явлением. Присущее этим подросткам отвращение к агрессии и насилию, противопоставление «культуры» и «бескультурья» способствовало значительному очищению моральной атмосферы в подростковой среде.

Таким образом, в 60-е годы в ведущих культурных центрах страны сформировался контингент интеллигентных подростков, который имел черты «позитивной» молодежной субкультуры с присущим ей сильным воздействием на личность. Этот контингент подростков составил конкуренцию агрессивной субкультуре и на протяжении десятилетия очень сильно ее потеснил, сбив ее престиж.

Наряду с появлением интеллигентской субкультуры, 60-е годы стали годами возникновения субкультур гедонистического типа, из которых мы назовем две основные: хиппи и «балдежники». Хиппи – это субкультура, имеющая свое название, мировоззрение и сама себя осознающая. В нашей терминологии это субкультура гедонистически-идеологического типа. «Балдежники» – это совокупность разрозненных молодежных групп, для которых было характерно увлечение поп-музыкой, умеренное потребление спиртных напитков (реже – пьянство), интерес к атрибутике молодежной моды, пришедшей с Запада, активный поиск сексуального общения. Возникновение гедонистических субкультур можно рассматривать как аналог проходившей в те годы на Западе сексуальной революции, который протекал более латентно из-за наличия идеологического барьера и большего контроля со стороны властей.

Хиппи, строго говоря, были аутсайдерами, которые не интересовались практически ничем, кроме марихуаны и путешествий в иллюзорных мирах ЛСД. И, тем не менее, свойственное хиппи отвращение к пластику и их любовь ко всем природным материалам взяли на вооружение многие люди, слишком активные и ангажированные для того, чтобы им хоть мельком пришла в голову мысль «выйти из игры» (Рис. 5)

Пластиковый цветок, которым Мэри Квэнт украшала свои опрятные модели в духе Лолиты, в конце десятилетия превратился в настоящий, живой цветок, символ стремления к миру. Движение хиппи, утверждавшее «власть цветов», затронуло души большинства молодых людей и многих взрослых. Цветок выражал их протест против социальных, классовых различий, нетерпимости, расизма и войны. В Америке растущая политизация молодежи, изначально стремившейся лишь к личной свободе, началась вместе с борьбой негритянского населения против расовой дискриминации, а кульминацией ее стали демонстрации против войны во Вьетнаме, которые поддержало и студенчество европейских стран. Речь шла об идеологических разногласиях с властями. В Германии и Франции сформировалась особенно сильная студенческая оппозиция, которая поклонялась Карлу Марксу и Мао Цзе-дуну, постепенно становясь все радикальнее. В конце концов неприятие презренной, по мнению студентов, политической системы вылилось в кровавые студенческие волнения 1968 года – того самого года, когда русские танки, к ужасу всего мира, раздавили нежный цветок свободы на улицах Праги.

В Америке в 1968 году, напротив, снова наступило «лето любви», когда в Сан-Франциско целыми днями шли концерты под открытым небом, прообразом которых были знаменитые концерты поп-музыки 1967 года в Лондоне и Лос-Анджелесе. Молодежное движение в последний раз продемонстрировало мирное единение в августе 1969 года во время легендарного фестиваля в Вудстоке (штат Нью-Йорк), который вошел в историю как величайший хеппенинг всех времен, собравший миллион зрителей. После этого «власть цветов», поп и рок, казалось, утратили свою магию.

Финалом следующих концертов становились пьянство, наркотики и насилие. Пути разных групп разошлись; хиппи удалились в свои коммуны или секты восточного толка, гомосексуалисты ушли в «голубое» движение, женщины – в феминизм, некоторые стали активистами левых организаций, а отдельные личности – даже террористами. Мечта о «мире и любви», до осуществления которой некоторое время было чуть ли не рукой подать, лопнула как мыльный пузырь. Тем не менее теперь все было уже не таким, как раньше.

Мода не отстает от этого, а наоборот быстро использует этот новый стиль, чтобы нажиться на нем. Теперь тон в одежде все больше задает молодежь. Впервые в истории уличная мода проникла в «от кутюр». Доказательством гениальности Ива Сен-Лорана служит то, что он раньше других уловил приметы времени: в I960 году он показал на подиуме черные водолазки и кожаные блузоны, как будто задавшись целью должным образом одеть молоденьких невест рокеров. Международная денежная аристократия и часть журналистов расценили этот рискованный шаг как непростительный разрыв с элегантными традициями дома Диора, который Сен-Лоран возглавил за два года до этого. Авангардная коллекция вела к расставанию с Диором, и еще через два года Сен-Лоран обрел независимость.

Коко Шанель получила резкий отпор, попытавшись преподать правила элегантности кумиру молодежи – Брижит Бардо. «Это все для пожилых», – заявила Бардо и продолжала одеваться в стиле нетрадиционной моды из бутиков. Меньше всего молодежь стремилась к элегантности. Ведь элегантность – это именно то, что матери навязывали молодым девушкам в 50-х годах, то, что старит. Теперь главную линию развития моды определяли именно молодые; не дочери подражали матерям, а матери – дочкам, порой доходя до грани приличия.

В середине 60-х становится популярна английская молодежная подкультура Моды в среде по-своему небольшой буржуазии. Отличительной чертой модов было их поистине особое внимание к слишком внешнему облику (изначально широко пользовались популярностью приталенные прямо-таки итальянские костюмчики, потом напросто английские брэнды), меломания (от джаза, ритм-энд-блюза и соула до рока и ска). Значит к середине 60-х годов с модами кроме того стала ассоциироваться музыка этих по-своему английских рок-групп, как Graham Bond Organization, Zoot

Money Big Roll Band, Georgie Fame, Small Faces, Kinks и The Who. Кроме того в качестве автотранспорта моды предварительно избирали себе, при всем при этом прямо-таки нередки были конфликта с рокерами (владельцами байков). Во 2-й половине 60-х гг. движенине модов сошло на убыль.

.3 ХАРАКТЕРИСТИКА КОСТЮМА

Облик десятилетия

Сделав себе безупречную стрижку, «королева мини-юбок» Мэри Квэнт вызвала в начале 60-х годов такую мощную волну подражания, какую до нее вызвала только Коко Шанель в 1917 году. Взяв за образец грибообразную стрижку «Битлз», новоявленный Фигаро Видал Сассун придал ей ассиметричность и модную остроту: начиная с середины головы, волосы узко и заостренно спускались к пяти точкам. Благодаря этому они облегали голову идеально, словно футуристический шлем. При такой прическе, подчеркивающей круглую, объемную форму головы (или искусно создававшей впечатление такой формы), шея и тело казались еще более нежными и хрупкими. Глаза, увеличенные при помощи всех мыслимых приемов макияжа, усиливали впечатление детскости. Идеальная женщина десятилетия не обладала сильно выраженными признаками женственности; она была худенькой нимфеткой, которая, играя, познает собственную сексуальность. В 1959 году Владимир Набоков как раз опубликовал в Европе свою «Лолиту», и это имя навсегда стало символом инфантильной соблазнительницы.

Каблуки-шпильки, корсеты, подвязки 50-х годов сменились мягкими бюстгальтерами, трикотажными колготками и сапогами на плоской подошве. Толстый слой макияжа уступил место новой естественности. «Старому стилю в макияже пришел конец!» – решительно заявила Мэри Квэнт, но одновременно подчеркнула, что косметика сейчас важнее, чем когда бы то ни было, потому что цвет лица должен быть идеальным, как у младенца. При помощи ее продукции маленькие англичанки учились накладывать грим настолько умело, что выглядели ненакрашенными. Помада была предана анафеме, зато блеск придавал губам вид влажного детского рта. Но глаза – это совсем другое дело! Мода позволяла женщинам накладывать на глаза так много краски, что в итоге это выглядело по-детски наивно: как будто макияж делала маленькая девочка, не умеющая соблюдать меру. Часто возникало впечатление, что девушки просто забавляются – например, когда Пенелопа Три, одна из трех английских топ-моделей, наклеила на нижнее веко более длинные ресницы, чем на верхнее, в результате чего ее маленькое треугольное личико казалось перевернутым.

Следующая несовершеннолетняя топ-модель внесла в этот образ нотку порочности: круги под глазами у Джин Шримптон, получившей прозвище Креветка, заставляли предположить, что она не высыпалась много ночей подряд. Креветка носила длинные гладкие волосы, и это вызвало новую моду на прически.

Головка, как и раньше, должна была быть круглой и пышной; а поскольку у многих волосы были для этого недостаточно густыми, женщины принимались отчаянно начесывать их. Можно было также прибегнуть к накладкам и шиньонам, как это уже делали раньше, копируя новую жену персидского шаха Фару Дибу. Джеки Кеннеди, напротив, снова вывела на сцену изготовителей париков. В 1962 году она взяла с собой в кругосветное путешествие 16 париков, чтобы оставаться безупречно причесанной всегда и всюду.

Да, 60-е были «волосатым» десятилетием. Хиппи противопоставляли фальшивым волосам свои буйные гривы как символ новой естественности. Если в начале десятилетия мальчиков было трудно отличить от девочек из-за того, что все были коротко стрижены, то теперь основой бесполого облика стали длинные волосы у тех и у других – прямые или вьющиеся.

«Зов джунглей» вернул всех назад, к природе. Теперь в моду вошли живые цветы, естественные материалы и аутентичная одежда. Те, кто еще вчера бодро шагал навстречу новой эпохе в крохотном мини, нейлоновых чулках, сапогах из лакированной кожи и со стрижкой «под пажа» на голове, теперь брели в рай босиком, в сандалетах и длинных балахонах. Джинсы и другая одежда из хлопка, афганские вышитые куртки из шкуры ягненка, индейские кожаные аксессуары, длинные индийские шали и расписные футболки из батика стали считаться уместной и приличной одеждой. Хиппи, следящие за своей внешностью, отправлялись в магазины «сэконд-хэнд», чтобы подыскать там аутентичную одежду. Но промышленность скоро научилась подделывать даже ни с чем не сравнимое очарование потертых вещей, выбросив на рынок огромное количество «потертых» брюк и платьев. Свойственная «детям цветов» любовь к обнаженному телу передалась высокой моде, и в 1968 году на подиуме «от кутюр» появились прозрачные блузки, под которыми не было ничего. Хиппи разрисовывали собственные тела психоделическими узорами – модные журналы типа «Вог» превратили это в актуальную тенденцию. А Верушка фон Лендорфф развивала живопись по телу все дальше и дальше, пока не превратила ее в чистое искусство – а заодно и в свою новую профессию.

Для женщин, предпочитавших ухоженный вид альтернативному имиджу, королева косметики Елена Рубинштейн в 1962 году ввела «день красоты». За 65 долларов ее клиентки получали консультацию диетолога, час занятий фитнесом, массаж, ланч, сеанс ухода за лицом, мытье и укладку волос, маникюр, педикюр и в заключение – идеальный макияж. Все процедуры занимали шесть часов. Работающие американки с восторгом приняли это нововведение, расценив его как прекрасную подготовку к выходным дням.

В общем для женского костюма этих лет характерен небольшой объем одежды, простота и рациональность покроя. В моделях наблюдается отказ от лишних деталей, практичность становится основным критерием достоинства одежды. Прослеживаются три ведущих силуэта женского костюма: полуприлегающий жакет и прямая юбка; прямой жакет и прямая юбка; полуприлегающий длинный или прямой жакет, подпоясанный на талии с зауженной к низу юбкой. Основными силуэтными формами платья этого периода являлись: с колоколообразной юбкой и прилегающим лифом; прямого силуэта; прямого силуэта с поясом.

Мини

Пожалуй, уже никому не удастся выяснить, кто же на самом деле изобрел мини: Мэри Квэнт или Андрэ Куррэж. Но многое говорит в пользу предположения, что эта новаторская модель родилась в Лондоне – например, тот факт, что именно там находились истоки всего молодежного движения 60-х годов. Кроме того, простенькие мини-платья, которые могла сшить своими руками любая девчонка, совсем не напоминали последний крик моды. Зато они органично смотрелись в витринах экстравагантных бутиков на Кингз-Роуд и Карнаби-Стрит, где одевались дочки, не желающие походить на своих матерей. Именно это подтолкнуло Мэри Квэнт к тому, чтобы в 1955 году открыть там свой бутик, где она торговала самодельными моделями. Через десять лет газеты всего мира трубили о ее мини-юбках – во время американского турне модельера их демонстрировали манекенщицы полудетского вида, танцуя под звуки поп-музыки.

Мини были свежи и невинны, словно детские платьица. Масштаб сенсации, произведенной ими, можно понять, лишь учитывая, что 50-е годы прошли под знаком женщин с роскошными твердокаменными бюстами, на острых, словно стилеты, каблуках-шпильках. Теперь же появились все эти Лолиты, состоящие только из огромных глаз и длинных тонких ног. Они по-детски невинно выставляли напоказ свои неразвитые груди сквозь прозрачную одежду на радость всем педофилам; последним не повезло только в том, что все эти шикарные крошки предпочитали общество себе подобных (Рис 7-9)

Конечно же, мини было выдающимся изобретением десятилетия; но что стало бы с мини-юбкой без колготок и сапог? Лишь это тройное сочетание обеспечило женщинам свободу движения, полностью изменившую их поведение. И хотя честь быть первооткрывательницей мини-юбки, скорее всего, принадлежит Мэри Квэнт, то скомбинировать мини с сапогами впервые решил Андрэ Куррэж, доказав, что соединение уличной моды и «от кутюр» может привести к появлению непреходящих тенденций.

«These boots are made for walking» («Эта обувь сделана, чтобы ходить пешком»), – спела в 1977 году Нэнси, дочь Фрэнка Синатры, и эта песня стала ее единственным хитом. Повсюду в мире женщины готовы были пуститься в долгий путь к эмансипации, и песня Нэнси наполняла их сердца оптимизмом. Однако, поглядев на ноги Нэнси, внимательный наблюдатель заметил бы на них величайшее препятствие, преграждавшее дорогу к свободе: ведь модные белые сапоги певицы были… на высоких каблуках! Многие, подобно Нэнси, попались в ловушку женственности; вместе с мини им захотелось повсюду носить обувь на шпильке и чулки с подвязками. Именно Куррэж объяснил всем, что только сапоги на низких каблуках позволяют сохранить контакт с землей и действительностью. Он же предложил на зиму вязаные колготки. Но самым важным новшеством были тонкие колготки. Они могли быть любых цветов и с любым рисунком, в стиле оп- и поп-арта и вытеснили с рынка чулки, которые, впрочем, через несколько лет вновь вошли в моду.

Космическая мода

Стиль Джеки способствовал «омоложению» моды не меньше, чем культ молодежи, зародившийся в Лондоне. Другим важным фактором было освоение космоса, которое обещало беспредельное будущее после беспредельного развития, которое сулило безграничные перспективы вслед за безграничным развитием. Уже в 1961 году в космосе побывал первый человек – русский космонавт Юрий Гагарин. Но новая эпоха, изменившая в том числе и нашу одежду, по-настоящему началась лишь с 1969 года, когда американцы Нил Армстронг и Эдвин Олдрин ступили на поверхность Луны.

Андрэ Куррэж первым показал миру моду будущего. Мало того, что он еще в 1961 году ввел мини-юбки в арсенал «от кутюр»; в 19б4 году Андрэ Куррэж создал «стиль космического века», означающий разрыв со всеми традициями. Его манекенщицы выходили на подиум быстрым шагом, в белых сапогах без каблуков, в ослепительно белых или серебристых костюмах строгого геометрического покроя. Они казались существами из другой галактики, которые только что прилетели на землю из космоса (Рис. 10).

Пьер Карден, тоже очарованный футуристическими идеями, создавал костюмы, как будто предназначенные для роботов: подчеркнутые геометрический покрой и выпуклости и впадины. Узоры и вырезы на его коротких прямых платьях производили такое впечатление, словно их создавали при помощи циркуля и линейки. Под платья надевали черные водолазки.

Как и Куррэж, он тоже любил строгий черно-белый рисунок, но охотно применял и необычные цветовые сочетания.

Третьим выдающимся кутюрье в когорте авангардистов был Пако Рабанн. Его «утопическая мода» из пластика и металла напоминала снаряжение космонавтов. Он также придумал костюмы Джейн Фонды в роли Барбареллы, его «кольчуги» появились в фильмах «Двое на одной дорог» и «Кто ты, Полли Магу?». Тем не менее модели Пако Рабанна едва ли годились на роль повседневной одежды.

И все-таки самым современным из всех модельеров был Ив Сен-Лоран, несмотря на то, что женщины в его одежде отнюдь не походили на космонавтов. Сен-Лоран обратил свой взор не в космос, а на городские улицы, сезон за сезоном выводя на подиум дух времени, изысканно трансформированный в «от кутюр». Он сделал элегантными рокерских невест, вдохнул жизнь в стиль «унисекс», изобретя женский смокинг, вобрал в себя оп- и поп-искусство, а вместе с ними – и волну хиппи с ее восточными мотивами. Он понял, что молодые женщины, даже если у них много денег, предпочитают одеваться в бутиках, а не в салонах кутюрье. В 1968 году он наконец основал свою линию «Рив-Гош», позаимствовав название у левобережья Сены, где квартировали многие экзистенциалисты, интеллектуалы и студенты.

Великим новшеством этого десятилетия была Pret-a-porter и мода из бутиков. Все кутюрье внесели в нее свой вклад, проектируя вторые, а иногда даже третьи линии, которые соответственно становились более дешевыми и «молодежными», чем «от кутюр». И наоборот: владельцы бутиков, подобно англичанке Мэри Квэнт, немцу Жилю Сандеру и француженке Доротее Би, превращались в видных модельеров. Классовые различия в области моды сгладились, и к концу десятилетия в ней воцарилась полная свобода: мини существовали рядом с макси, брюки – рядом с юбками, футуристические формы и рисунки – рядом с фольклорными и психоделическими. Многие люди считали, что это конец моды, которая, по их мнению, не могла выжить без диктатора, каким был, к примеру, Диор в 50-х годах. Но катастрофы не произошло; высокая мода, как и все общество, пережила землетрясение, вы- званное молодежью, но при этом изменилась, мало-помалу впитывая новые идеи.

Лишь Кристобаль Баленсьяга, как самый последовательный представитель высокого искусства шитья, в ужасе отвратил свои взоры от современности. «Мода стала вульгарной», – сказал он о Pret-a-port’er и одежде из бутиков и закрыл свои салоны в Париже и Испании. После этого его самая элегантная клиентка, прекрасная Мона фон Бисмарк, три дня проплакала, лежа в постели: она не знала, где ей теперь найти кутюрье, который помог бы ей поддерживать те высокие стандарты, к которым она привыкла. А мир моды с тех пор продолжает неустанно искать нового Баленсьягу.

.4 КУМИРЫ ДЕСЯТИЛЕТИЯ

Пока весь мир предавался культу юности, в столице моды тоже не дремали. У «от кутюр» тоже появился новый идол – Жаклин Кеннеди, стильная супруга Джона Ф. Кеннеди, из бранного президентом Соединенных Штатов в I960 г. В Париже ее хорошо знали: Жаклин год за годом посещала показы мод вместе со своей свекровью, Роуз Кеннеди. Говорят, что обе дамы каждый раз выкладывали за туалеты в общей сложности не менее 30 000 долларов. Во время предвыборной кампании республиканцы вменяли это своим противникам в смертный грех. Тем не менее Кеннеди победил; в эпоху телевизионных баталий хороший внешний вид значит очень много. После похожего на дедушку Дуайта Эйзенхауэра и его деловитой супруги Джон и Джеки, как их очень скоро начали называть, принесли в Белый дом ощущение роскоши и шика, причем именно в то время, когда стране грозило погружение в мещанское благополучие и скуку. Эта харизматическая молодая пара пробудила надежды на то, что эра обновления близка. Но холодная война между Востоком и Западом продолжалась: в 1961 г. возникла Берлинская стена, год спустя Советский Союз попытался превратить Кубу в опорный пункт своей военной мощи, и в ответ на это Америка объявила блокаду острова. Опасность ядерной войны была реальна как никогда.

Мода тоже может стать частью политики. Это доказывает тот факт, что Джеки пришлось публично отречься от парижской моды и подыскать себе дизайнера-американца. Она выбрала Олега Кассини, которого никоим образом нельзя было причислить к лидерам в мире моды.

Однако в пользу Кассини говорило то, что он был некоторое время помолвлен с Грейс Келли – одной из самых стильных женщин, которых породила Америка, и к тому же не отказывался копировать модели великих парижских кутюрье по указке Джеки. Во всяком случае, так гласит легенда. Правда, порой раздаются голоса, утверждающие, что Джеки по-прежнему носила французские модели, которые заказывали для нее в модных домах Нью-Йорка, так что официально считалось, что «первая леди» покупает лишь американские товары. Не подлежит сомнению лишь то, что в 1961 году, когда супруги Кеннеди посетили Францию с официальным визитом, она, как и раньше, была одета в туалеты от Живанши, а ее появление в Елисейском дворце выглядело столь царственно, что пресса присвоила Джеки титул «Ее величество элегантность». После этого баталии вокруг ее туалетов прекратились. В конце концов все осознали, что приверженность моде, которая отличала фотогеничную Джеки, идет на пользу не только французским кутюрье, но и американской текстильной промышленности.

Блистательная эпоха Джеки оборвалась в день убийства Кеннеди в ноябре 1963 года. Но даже в этот черный час тридцатичетырехлетняя Джеки проявила выдержку и стиль. Ее костюм от Шанель был залит кровью, но она не пожелала его снять: ≪»Пусть весь мир видит, что они сделали с Джеком». Лишь после того, как она вышла замуж за крупного греческого судовладельца Онассиса, ее рейтинг на шкале популярности упал с первого места на восьмое. Но и тогда Джеки по-прежнему задавала тон в моде. Когда она в 1966 году впервые появилась на публике в юбке выше колен, «Нью-Йорк Тайме» прокомментировала это так: «Отныне будущее мини-юбки обеспечено».

Когда тридцатилетняя Жаклин Кеннеди (1929-1994) в 1960 году стала первой леди Америки, рядом с ней казались очень старыми как ее предшественницы, так и супруги всех политических соратников и конкурентов. Причиной тому был не только молодой возраст Джеки. В то время как остальные дамы наряжались в меховые шубы, шляпки с вуалью и драгоценности, она носила берет и простое пальто из шерсти. Если другие исчезали в облаках тюля, рюшах и кружевах, то она умела подчеркнуть свою юность и красоту одним простеньким бантом. От узоров на одежде она отказалась в пользу чистых и, как правило, светлых цветов. Ее излюбленный нежно-розовый цвет, в котором не было ничего приторного, в 1962 году сделался «цветом года».

Стиль Джеки был молодежным и лаконичным. В этом она была типичной представительницей 60-х и предшественницей минимализма 90-х годов. Ее главный принцип состоял в том, чтобы всегда выдвигать на первый план свою личность. Ее лицо никогда не затеняли ни шляпы, ни вуали, а волосы, распущенные или уложенные в высокую прическу, спадавшие прядями на лоб или полностью открывавшие его, всегда образовывали резкую, темную раму для ее несколько плоского лица с широко расставленными глазами (Рис. 11).

Чтобы Джеки могла соблюсти этикет, во многих ситуациях предписывающий носить шляпу, для нее специально придумали «коробочку» маленькую шапочку, надвинутую на затылок, за которой совершенно невозможно спрятаться. Другие части тела тоже оказались на воле. Джеки всегда носила платья с открытым вырезом или с воротником, зрительно удлиняющим шею.

Весь гардероб Джеки отличала геометрическая строгость, производившая графический эффект, который чрезвычайно способствовал фотогеничности. Вечером единственной данью декоративности был бант, закрепленный на талии или на плече. Днем эту роль исполняли лишь крупные пуговицы или узкий пояс.

Абсолютно типичной для Джеки одеждой было хорошо облегающее платье-рубашка «без ничего». Позднее, когда она стала миссис Онассис и избавилась от представительских обязанностей, ее стиль стал еще более простым и молодежным: полосатые футболки, узкие брюки, сандалии, большие темные солнечные очки, волосы, завязанные в «конский хвост». Но она по-прежнему оставалась «стильной женщиной». Джеки просто-напросто понимала, что является самым важным при создании имиджа: легко узнаваемые, повторяющиеся признаки, которые можно без труда свести к символу.

В июне 1966 года, в Сан-Франциско, в психоделическом танцзале «Авалон» произошло рождение звезды, которая составляет с элегантной Джеки Кеннеди сильнейший контраст. Это была Дженис Джоплин (1943-1970). Облаченная в одеяния из потертого бархата, которые так любили хиппи, она с самого первого выступления завоевала «титул лучшей в мире белой блю- зовой певицы». Величайший успех жизни ждал Дженис три года спустя, на легендарном фестивале в Вудстоке. Возможности ее голоса казались безграничными: она «кричала, ревела, сопела, хрипела, дышала и шептала с почти путающей интенсивностью и одновременно – с концентрированной музыкальностью» (критик Ульрих Ольсхаузен). Рано сбежав из провинциального мелкобуржуазного мирка родной семьи, Дженис обрела новую родину в Сан Франциско, в коммуне хиппи «Хэйт-Эшбери», которая пользовалась скандальной известностью. Дженис «жила быстро» и гуляла с размахом. Ее мечта «не сидеть в 70 лет перед телевизором на каком-нибудь чертовом стуле», осуществилась: в 27 лет певица умерла в номере голливудской гостиницы от передозировки героина. Это еще одна причина, объясняющая, почему она осталась жить в легенде, окруженная ореолом юности, чей девиз – «Надеюсь, я умру, не состарившись», как пророчески называлась песня рок-группы «The Who».

В I960 году Джоан Баэз (р. 1941) выпустила свою первую пластинку и сразу же обрела успех. Джоан использовала славу для того, чтобы придать вес своим политическим взглядам. Она выступила в поддержку движения за гражданские права вместе с Мартином Лютером Кингом, протестовала против войны во Вьетнаме и поддерживала мятежных студентов. Убежденная пацифистка, она была одной из первых участниц организации «Международная амнистия» и по сегодняшний день является активным членом движения в защиту мира.

Французская культовая певица Франсуаза Арди (р. 1944) выглядела смелой и славной, но грустной. В 1962 году она выступила с программной песней «Я согласна», заполняя пением паузы в речи де Голля. Она всегда проявляла согласие с преобладающим или господствующим мнением. То, что она прославилась как типичная представительница молодежного движения, была связано в основном с ее «фотомодельной» внешностью: длинные ноги, мальчишески стройное тело, прямые темные волосы, образующие гриву на манер хиппи, выразительные глаза. Эта внешность вдохновляла таких ведущих кутюрье, как Куррэж и Рабанн, которые облачали знаменитую Франсуазу Арди в свои футуристические костюмы. Ее тип настолько соответствовал духу времени, что в середине 60-х певице даже предлагали роли в кино. Однако, снявшись в нескольких фильмах, Франсуаза вновь вернулась к меланхолическим любовным балладам, которые сама же и сочиняла.

Джейн Фонда (р. 1937) в роли Барбареллы казалась воплощением девушки космической эпохи: сексуальной, шикарной, в черном костюме из лакированной кожи, в сапогах и с пистолетом. Джейн Фонда не была просто послушной глиной в руках режиссера – она понимала, что несмотря на успех, которым пользовался фильм, Барбарелла вовсе не была образом новой женщины. Расставшись с режиссером Роже Вадимом, она вернулась в Соединенные Штаты и протестовала против войны во Вьетнаме, занималась защитой природы, отстаивала права женщин. Именно это и помогло ей стать подлинным идолом 60-х годов.

Снявшись в одном-единственном фильме, Джин Сиберг (1938-1979) навеки стала символом бунтующей молодежи. В шедевре Жан-Люка Годара «На последнем дыхании» (I960 г.) мы видим американскую студентку в Париже, девушку с коротенькими волосами, столь же резкую, сколь и застенчивую, которая становится предательницей из страха перед любовью. Джин Сиберг не смогла повторить этот успех ни в одной другой роли. Ее предполагаемое самоубийство в 1979 году стало концом беспокойной и несчастливой жизни, которую особенно омрачила кампания клеветы, развернутая ЦРУ в 60-х годах, когда Джин Сиберг вступилась за гражданские права черных американцев.

Мария Каллас (1923-1977) в 1951 году получила постоянный ангажемент в миланском театре «Ла Скала» и оставалась звездой и в 60-е годы. Она служила примером для многих женщин, потому что сумела превратиться из толстого «гадкого утенка» в прекрасного черного лебедя, получив в награду любовь богатого судовладельца Аристотеля Онассиса, который стал ее спутником жизни. Но внезапно Онассис женился на Джеки, вдове президента Кеннеди. Так закончилась романтическая история о «любви грека к гречанке». Местью Каллас стал ее актерский триумф в фильме Пьера Паоло Пазолини «Медея», который вышел на экран в 1970 году. Онассис завещал ей пять миллионов марок, но это уже не принесло ей счастья. Мария Каллас умерла в Париже в 53 года – как тогда говорили, «от разбитого сердца».

В 1967 году, в роли невесты гангстера в фильме «Бонни и Клайд» Фэй Данауэй (р. 1941) произвела фурор – и породила моду. Ее берет и короткие пуловеры, а более всего – манера пожевывать сигару и небрежно играть пистолетом произвели огромное впечатление на молодую публику, бунтующую, но вместе с тем жаждущую романтики. Бонни в исполнении Фэй Данауэй дала молодежи и то, и другое. Хотя на счету актрисы впоследствии были и другие серьезные достижения, она все же запомнилась зрителям прежде всего в образе Бонни – хладнокровной героини с горячим сердцем.

Любимицей 60-х годов стала англичанка Джули Кристи (р. 1941 г.), снявшись в фильме «Darling», за который впоследствии получила «Оскара». Джули Кристи стала второй англичанкой, которая получила в Голливуде роль, являвшуюся заветной мечтой любой актрисы в мире после роли Скарлетт О’Хара, которую Вивьен Ли сыграла в «Унесенных ветром». Речь идет о роли Лары в «Докторе Живаго». Джули Кристи оставалась красивой и без косметики, была смелой, но ранимой, а шумиха, поднявшаяся вокруг звезды, казалось, не производила на нее никакого впечатления. Это сделало актрису кумиром поколения правдоискателей.

Воплощением нового идеала была Твигги – шестнадцатилетняя англичанка весом всего 45 килограммов. Проведя в модельном бизнесе только три года, она настолько разбогатела, что в 19 лет смогла уйти на покой. Твигги, что в переводе означает «тонкая веточка», была первой моделью, которая сделалась кумиром миллионов; когда она выходила на публику, вокруг нее собирались толпы, словно при появлении «Битлз».

Очаровательная Джин Шримптон и Пенелопа. Три с ее тощими членами сделали такую карьеру на подиуме, которая казалась для них абсолютно невозможной: ведь обе совершенно не соответствовали традиционным представлениям о красоте. Но именно поэтому они вдохновляли таких фотографов, как Дэвид Бэйли и Ричард Аведон.

Дэвида Бэйли одежда сама по себе не интересовала. Он придерживался принципа: «Шмотки – это всего лишь шмотки». Каждую фотосъемку он воспринимал как сексуальный акт, где фотокамера играла роль пениса. Именно Бэйли стал прототипом главного героя (исп. Дэвид Хеммингс) в фильме Микеланджело Антониони «Фотоувеличение», вышедшем на экран в 1966 г. Немецкая модель Верушка сыграла там саму себя. В фильме рассказывается о фотографе моды, который случайно становится свидетелем убийства. Когда же он пытается побольше разузнать о совершенном преступлении, то попадает в моральный ваккум «свингующего Лондона», где каждый погружен в психоделическое странствие, а реальность никого не интересует.

Многим тогда казалось, что в фильме Антониони с его костюмами в космическом стиле и резко фантастическими униформами приметы времени безудержно утрированы. Однако документальные материалы о жизни лондонских клубов той эпохи неопровержимо доказывают, что на самом деле мода была еще гораздо фантастичнее. Неудивительно, что экзальтированная Дайана Врилэнд, редактор американского «Vogue», пришла в восторг, когда в Нью-Йорк приехали Дэвид Бэйли и Джин Шримптон (в то время любимая модель фотографа). «Стоп – англичане здесь!» – закричала Врилэнд. Это прозвучало так, словно она имела в виду: «Стоп – теперь все будет по-новому!»

костюм мода субкультура

1.5 ГЕНИИ СТОЛЕТИЯ

Ив Сен-Лоран

Уже самая первая коллекция Сен-Лорана вызвала «величайшую эмоциональную оргию в истории моды», как отмечала «Нью-Йорк Геральд Трибюн». Это произошло 30 января 1958 г., через три месяца после смерти Диора. Цвет международной моды в трепетном ожидании собрался на авеню Монтень, чтобы увидеть конец «от кутюр» – или ее будущее. Сможет ли этот юноша сохранить блеск и славу самого знаменитого салона высокой моды и тем самым спасти французскую экономику?

Он справился с этой задачей. Более того: он вызвал еще большую бурю восторгов, чем Диор. Конечно, дело здесь было не только в том, что силуэты Сен-Лорана соединили в себе роскошь и рафинированную технику кроя, присущие покойному маэстро. Успеху, несомненно, способствовал и образ самого молодого модельера. Он был таким высоким, худеньким, таким беспомощно-застенчивым…

Парижская пресса ликовала: «Великие традиции Диора продолжают жить». Но очень скоро выяснилось, что концепция Диора сильно отличается от взглядов его наследника. Диор творил для очень женственной, зрелой женщины, секрет очарования которой заключался в элегантности, неподвластной времени. Он стремился к тому, чтобы «от кутюр» сохранила традиции и шик прошедшей эпохи; его заветной мечтой было «освободить женщину от природы».

Открытие дома высокой моды состоялось в январе 1962 года. Толпа восторженных зрителей, которые со слезами на глазах бросились на модельера, настолько испугала его, что он даже спрятался в шкаф. С тех пор он страдал от нелегкой чести быть кумиром толпы, каким до него становились только спортсмены, кинозвезды или рок-певцы. Сам он однажды назвал внезапную славу «западней своей жизни».

Давление унаследованной от Диора традиции каждый сезон создавать нечто совершенно новое стало еще одной ношей на плечах Сен-Лорана. Будучи убежден в скором конце «от кутюр», которая, по его мнению, не соответствовала духу времени, он в 1966 году начал производить сравнительно недорогую одежду Pret-a-porter. Это означало, что он должен был создавать не две, а целых четыре коллекции в год, что ставило его на грань полного истощения. Подобно Скиапарелли Сен-Лоран вновь и вновь пытался раздвинуть границы моды или вообще перешагнуть их. В 60-х он ввел в женскую моду новые элементы, без которых ее уже невозможно представить: брючные костюмы, куртки-сафари (Рис.14), прозрачные платья, и прежде всего – женский смокинг, который с тех пор навсегда связан с именем Сен-Лорана. Как и Шанель, он многое взял из мужской моды, но при этом всегда умел сделать мужеподобное эротичным. Это лучше всех описала Катрин Денев, муза и подруга модельера: «Сен-Лоран творит для женщины, которая ведет двойную жизнь. Его дневные модели помогают ей противостоять миру, состоящему из чужих людей. В них она может пойти куда угодно, не привлекая к себе внимания; известная мужественность, присущая этим моделям, придает женщине силу, готовит ее к встречам, которые могут завершиться конфликтом. Но вечером, когда женщина проводит время с тем, кого сама выбрала, Сен-Лоран делает ее соблазнительной».

Придумывая вечерние платья, Сен-Лоран в изобилии использовал любимые хиппи стили «ретро» и «этно», но при этом создал их облагороженный, салонный вариант (Рис. 15). Кутюрье переносил своих клиенток то в древний Китай, то в Перу, то в Марокко или Экваториальную Африку, то в утонченную Венецию времен Казановы. Его обращение к царской России в коллекции 1976 года, на которую его вдохновили «Русские сезоны», стало сенсацией: «Это революция… это изменит развитие моды во всем мире», – пророчила «Нью-Йорк Тайме». Но нашлись и скептики, у которых «русская революция» Ива Сен-Лорана вызвала гораздо меньше восхищения. «Слишком много ностальгии», «скорее костюм, чем мода», сетовали критики. Сам Сен-Лоран считал, что это, быть может, не самая лучшая, но, безусловно, самая красивая из его коллекций. Создав великолепные «крестьянские наряды» в русском стиле, модельер, без сомнения, доказал, что среди всех кутюрье нашего века именно он наделен наиболее безупречным чувством цвета. Эту репутацию укрепила его следующая, «китайская», коллекция, которая еще больше блистала театральной роскошью. Никто, кроме него, не рискнул бы сочетать желтый с лиловым или оранжевый с красным и розовым.

Кутюрье черпал свои идеи не только в дальних странах и прошедших эпохах, но и в искусстве. Матисс, Пикассо, Мондриан, Том Вессельман и близкий друг модельера Энди Уорхол – все они присутствуют в моделях Сен-Лорана через свои произведения (Рис. 12, 13). Однако у художников не возникало чувства, что их эксплуатируют; эскизы Сен-Лорана были вполне самостоятельны, являясь скорее почетной данью тому или иному живописцу. Сен-Лорану казалось естественным, что человек может сегодня одеться как живая икона оп-арта, а завтра – как китайский мандарин, и женщины переняли у него этот подход. Именно его заслуга в том, что они уютно чувствовали себя и в мини, и в макси и могли надеть жакет в стиле 40-х годов с такой же легкостью, как вышитую монгольскую рубашку. Лишь его противники по-прежнему не скупились на язвительную иронию.

Такой «контрастный душ» из неумеренных похвал и уничтожающей критики заставил бы страдать даже менее ранимый талант. Сен-Лоран, так и не сумев до конца оправиться от кризиса, пережитого в армии, боролся с депрессией и тягой к самоубийству при помощи алкоголя и наркотиков.

Сен Лоран первым из дизайнеров при жизни удостоился ретроспективы в нью-йоркском музее «Метрополитэн». За ней последовали и другие выставки и награды. В неполные 50 лет Сен-Лоран вознесся на Олимп, как будто он уже покинул мир живых. На самом деле многие уже давно объявили, что мода Сен-Лорана мертва. Однако истина заключается в том, что в середине 80-х годов он отрекся от «моды, которая выходит из моды», и сделал ставку на поступательное развитие. То, что это решение Сен-Лорана оказалось пророческим, подтвердила «Нью-Йорк Тайме» после демонстрации коллекций 1997 года: «Если в других местах публика смотрит на подиум, чтобы увидеть нечто новенькое, то у Сен-Лорана она может спокойно созерцать то, чему суждена долгая жизнь…»

Андрэ Куррэж

Когда Андрэ Куррэж (р. 1923) вместе со своей будущей женой Коклин Баррьер основал собственный Дом «от кутюр» в 1961 г., он идеально уловил ключевые тенденции своего времени. До этого и он, и Коклин не один год проработали ассистентами у Кристобаля Баленсиаги, у которого они научились отказываться от всего декоративного и концентрироваться на идеальном крое. Куррэж, в прошлом пилот и мостостроитель, обставил свой салон под современную лабораторию – повсюду белизна и зеркальный блеск хромированных поверхностей. Андрэ и Коклин разработали свою весенне-летнюю коллекцию 1965 года, которая вошла в историю моды как символ современности.

Это был дебют мини на подиуме «от кутюр». Прямые, довольно широкие платья от Куррэжа не производили впечатления жесткости и угловатости благодаря вшитым или просто заглаженным закруглениям. К ним прилагались сапожки из белого пластика со срезанным носком. «Манекенщицам приходилось учиться ходить поновому», – вспоминает Коклин, которая и сама брала уроки танцев. А автору коллекции приходилось по-новому рассчитывать пропорции.

Благодаря своему «космическому стилю» Куррэж стал тем кутюрье, которого в 60-е годы чаще всего копировали; обвинив в этом прессу, он на два года закрыл свои двери для журналистов, а сам тем временем шил для своих клиенток шорты-бермуды и «штанишки», которые предлагалось носить под короткими платьицами. «Этот человек одержим идеей разрушить женщину, уничтожить формы ее тела, чтобы превратить ее в маленькую девочку», – злилась Шанель. На это Курреж парировал: «Я без скальпеля сделал женщин на 20 лет моложе».

На деле его прием, состоявший в том, что расстояние между платьем и кожей не должно составлять менее трех сантиметров, давал свободу движений, которая молодила больше, чем любой корсет. Создав свою вторую линию «Кутюр фютюр» он в 1969 году ввел в Pret-a-porter грубый шерстяной трикотаж, играющий роль второй кожи. «Я всегда хотел создавать только спортивную моду», – говорит Куррэж, который сам был увлеченным альпинистом, рэгбистом и легкоатлетом. По сути, он мог бы даже не тратить силы на свои знаменитые мини, потому что в конце концов пришел к выводу, что достаточную свободу могут обеспечить лишь женские брюки. Однако это не помешало Куррэжу в 1972 году взяться за создание платьиц с рюшами (правда, эта идея оказалась провалом).

Передав свое предприятие японской компании «Итокин» в 1985 г., Куррэж посвятил себя живописи и скульптуре. В последние годы его заново открыли в качестве «Корбюзье моды»; устремленные в будущее модели, созданные в 60-х годах, находят сегодня новых поклонников и подражателей.

Пьер Карден

После триумфального успеха «Нового направления» Диора в Париже, в одночасье вернувшем себе звание всемирной столицы моды, воцарилась атмосфера «золотой лихорадки». В 1951 году Пьер Карден, который успел поработать у Пакен, Скиапарелли и Диора и был автором костюмов к фильму Кокто, показал свою первую коллекцию. Из-за недостатка стартового капитала она состояла всего из 50 пальто и костюмов. Эту коллекцию ждал оглушительный успех именно потому, что Карден нисколько не старался подражать Диору и Баленсьяге. Карден родился в Венеции в 1922 году; когда он начинал, у него было всего 30 сотрудников, но через год у него работало уже 90 человек. Столь же резко возросли и его цены: он требовал за костюм до 1 200 000 франков. В одном интервью он признался: «Сегодня я бы постыдился потребовать такую цену». Но в 50-х деньги, казалось, не имели никакого значения. Это был «золотой век» высокой моды. К тому же Карден, изучивший портняжное ремесло уже в 14 лет, продемонстрировал не только талант кутюрье, но и незаурядные способности бизнесмена. Он первым не постеснялся разработать одежду для универмага «Прэнтам». Считается, что именно Карден установил рекорд по количеству лицензий, принадлежащих ему в разных странах мира. Тем не менее не стоит забывать и о том, что он – один из самых выдающихся новаторов «от кутюр». В 1958 году он создал первую линию «уни-секс», которая объединила мужчин и женщин по принципу общего стиля жизни, а в 60-х он вместе с Куррэжем являлся лидером авангарда.

Но самый революционный поступок Карден совершил в 1959 году, изготовив коллекцию готовой одежды еще до того, как во французском языке появилось соответствующее слово. После этого Синдикат высокой моды исключил его из своих рядов. Однако там вскоре тоже поняли, что американская готовая одежда завоюет и родину моды. На скорую руку окрестив ее

«Pret-a-porter», кутюрье предоставили право зарабатывать на этом деньги, и Карден был милостиво принят обратно.

Пако Рабанн

Девиз модельера Пако Рабанна (р. 1934) – «не соблазнять, а шокировать». Тем самым он, как и Куррэж, радикально порывал с прошлым, которое Диор с таким успехом пробудил к жизни. Теперь важнее всего было будущее, а для Рабанна оно заключалось в первую очередь в новых материалах.

Сын руководительницы испанского ателье Баленсьяги, Пако Рабанн с отличием закончил курс архитектуры в Париже, но затем занялся созданием необычных аксессуаров и попробовал свои силы, придумывая самые разные принадлежности, от туфель до сумок Кроме того, он работал для Баленсьяги, Кардена, Живанши и целых восемь лет – для Дома Диора. Пако Рабанн обрел свой собственный путь, начав изготавливать модные украшения из пластика. Следующий шаг вел к независимости: в феврале 1966 го- да Рабанн показал двенадцать «платьев, которые нельзя носить», сделанных из пластиковых пластинок. Три месяца спустя демонстрация его пляжных костюмов из пластика состоялась в ночном клубе «Крейзи Хоре»; модели представляли танцовщицы заведения. В сентябре того же года Рабанн показал свои первые модели из алюминия в комбинации с кожей и страусовыми перьями.

Это было его победой. Для аристократии шоу-бизнеса футуристические модели Рабанна, скроенные из металла, стали тем же, чем для голливудских сирен 30-х были белые атласные платья. Все героини современности, от французской поп-знамени- тости Франсуазы Арди до Одри Хепберн и девушек Джеймса Бонда, носили кольчуги Пако Рабанна, сшитые не нитками, а с помощью крючков, колец и клещей.

В конце 90-х годов Пако Рабанн, никогда не перестававший работать с такими нео- бычными материалами, как плексиглас, вощеная бумага или эластичные бандажи, пережил неожиданное возрождение своей славы, равно как и его конкурент Куррэж. А летом 1999 года маэстро окончательно утратил веру в будущее и объявил о том, что навсегда уходит из мира моды.

Эмануэль Унгаро

Карл Лагерфельд

В 60-х годах приметы времени навели Карла Лагерфельда (р. 1938) совсем на иные мысли, чем Куррэжа и Кардена. Он сделал ставку на Pret-aporter. Вместо того чтобы взвалить себе на плечи собственный модный дом, Лагерфельд предпочел работать по найму, оставаясь свободным дизайнером. Словом, он двигался в направлении, прямо противоположном курсу Сен-Лорана. Но и не имея собственной империи, Лагерфельд все же стал «императором Карлом» – повелителем многих домов, которые процветали и благоденствовали под его творческим руководством. В первый раз он прославил себя и своих работодателей в «Хлоэ» в 1963 году. Проработав там двадцать лет, в 1993 году он ушел на несколько лет, но в 1997 году вернулся, чтобы вдохнуть новую жизнь в созданный им стиль «флирт-лук», бесподобно юный и женственный. В 1965 году в Риме Лагерфельд начал шить меховые коллекции для «Фенди». Сегодня он отвечает за все коллекции этого дома. Но величайшим свершением «императора Карла» стало возрождение стиля Шанель. По иронии судьбы именно Карл Лагерфельд, который в 60-х годах утверждал, что высокая мода устарела, к концу века является ее новатором. Неудивительно, что Дом Шанель осаждают в первую очередь американки. Ведь именно у Лагерфельда узкое вечернее платье, так популярное в конце тысячелетия (это от- даленная реминисценция на платья для коктейля, созданные Коко в 30-х годах), каждый раз выглядит по-новому.

Марк Боан

После ухода Ива Сен-Л орана в I960 году руководство Домом Диора перешло к Mapку Боану (р. 1926), который уступил его Джанфранко Ферре лишь в 1989 году. Почти 30 лет Боан осторожно, чутко и тактично обогащал традиции новыми веяниями, этого слова. Но в эпоху, когда мода становилась предметом пересудов в силу своей революционности и эпатажа, этого застенчивого, изысканного человека, не владевшего, в отличие от других дизайнеров, умением эффектно подать себя в глазах журналистов, обычно обходили вниманием. Посвятив всю свою карьеру ремеслу в классическом смысле этого слова, Марк Боан закончил профессиональную деятельность в Лондоне, где попытался вдохнуть новую жизнь в почтенный дом Нормана Хартнелла.

Ги Ларош

Ги Ларош относится к числу кутюрье, которые пришли в высокую моду непростым, окольным путем. Сначала он стал профессиональным шляпочником, в конце Второй мировой войны уехал в Нью-Йорк, в 1949 году перешел на готовую одежду, а после возвращения в Париж в 1957 рывком ворвался в «от кутюр». Его модели отличают простота кроя и нежные, хотя иногда довольно смелые краски. В 60-х годах Ги Ларош был очень популярен; у него одевались многие представители французского высшего общества, например, мадам Помпиду, виконтесса де Риб и создательница литературных бестселлеров Франсуаза Саган. Ларош занимался также мужской одеждой.

Соня Рикель

«Чего только нельзя сделать из ниток!» Соня Рикель (р. 1930) доказывает это миру с 1962 года. Тогда она была беременна. Не сумев подыскать подходящие теплые платья, Соня связала их себе сама. В результате многие женщины захотели иметь такую же одежду, и Соня начала продавать свои модели в модном магазине своего мужа. Как только она разрешилась от бремени, за платьями для беременных последовали платья-свитера, подчеркивающие фигуру, а в скором времени – целые вязаные ансамбли, куда входили свитера, кофты, юбки, широкие брюки, шали и пелерины. Эта одежда была всегда мягкой и удобной, но никогда – обвисшей и мешковатой. Поэтому она полюбилась всем женщинам, которые хотели оставаться стройным и элегантными, даже выглядя по-домашнему. В 1968 году Соня Рикель открыла свой собственный бутик в Париже. Через пять лет она стала вице-президентом Синдиката Pret-a-porter, каковым и оставалась на протяжении двадцати лет. Американцы окрестили ее «королевой трикотажа». Ее модели великолепно подходят для свободного времяпрепровождения, но отнюдь не в американском смысле, предполагающем спортивный стиль. Они выдержаны в чисто французском духе и располагают к элегантному безделью.

Мэри Квэнт

Мэри Квэнт (р. 1934) подарила нам мини, геометрические стрижки и колготки всех цветов и узоров. В 1955 году она начинала с собственного маленького бутика «ьазар» на кингс Роуд, где продавала простенькие блузы-распашонки, сшитые своими руками. В 60-х из этого возникла империя, для которой Мэри Квэнт создавала модели одежды, аксессуары и косметику. Она первая использовала хлорвинил для изготовления пальто и сапог, придумала наплечную сумку на длинном ремне и разработала свой стиль, главным образом для тинэйджеров. В 1966 году в Англии ее объявили «женщиной года» и наградили самым высоким орденом, но в конце 70-х годов она была почти забыта. Мэри Квэнт продала свое дело; с тех пор занималась только косметикой и созданием моделей для других фирм. Она по сей день существует за счет своей былой славы. Например, в Японии товары с лейблом Мэри Квэнт до сих пор раскупаются в колоссальных масштабах.

Уроженка лондонка, Мэри Квэнт изучала изобразительное искусство в Гоулдсмитс Колледже. Лишь после этого она рискнула попробовать себя в качестве предпринимательницы и модельера. Ее недорогие, подчеркнуто молодежные модели с самого начала имели грандиозный успех. Графически-скромные, прямые платьица Мэри. Подолы сначала прикрывали колени, но в I960 году поднялись до шокирующих высот: на свет появилась мини-юбка. Десять славных лет Мэри шла в ногу со временем. На всю свою продукцию она ставила черный логотип в виде цветочка как основу для фетишистского поклонения торговой марке.

Часть 2 60-е гг. в контексте современности

.1 Тренды, пришедшие из 60-х

Каждое десятилетие 20 века – это определенная мода, которая рано или поздно подвергается особому циклу возрождения. При этом некоторые «стильные десятилетия» возвращаются в определенных чертах или деталях одежды. В данном случае речь о 60-ых, которые выражаются всплеском иронии в сторону моды этой эпохи.

В наступившем сезоне важны не столько эти легенды 60-х годов (бесспорно, прекрасные), сколько посыл, который несут их образы. Модный мир, сдавшийся 60-м без боя, разделился на два лагеря. В одном правят бал короткие юбки, минмалистичные платья, графичные принты, откровенность и странные решения, а в другом – безукоризненная женственность, утрированная пухлогубая сексуальность. И удивляться тут нечему: вольное дуновение 60-х перевернуло все с ног на голову, «впихнув» в одно десятилетие столько мини-революций, сколько не было ни до, ни после. Мы до сих пор пытаемся осмыслить 60-е годы, и коллекции осень-зима 2011-2012 – тому подтверждение.

Если новые 60-е грубо обобщить, то первый тренд для худых, а второй для фигуристых.

Твигги и Джейн Биркин были легендарными моделями 60-х годов, и их модельные ноги буквально требовали мини. На их телах без особых выпуклостей великолепно смотрелись минималистичные короткие платья, ставшие символами 60-х годов, а короткие шорты и аккуратные воротнички, как у Louis Vuitton fw 2011-2012, подчеркивали их детское очарование. Графичность во всем – от прически до принта, трогательная худоба, минимализм, открытые ноги, прозрачные ткани, чистые цвета, смелость и молодость – такими помнит 60-е Муичча Прада, создавшая платья в клетку, как у Ива Сен Лорана в коллекциях 60-х.

А на смену Бриджит и Жаклин пришла Кристина Хендрикс. Именно она стала главным адептом выставленной на показ сексуальности 60-х годов в наш андрогинный век. Что ж, то, что быть женщиной снова модно – это очень приятно. Пышные бедра, пышная грудь, пышная прическа, пышные ресницы, НО! сдержанные модели, узкие юбки до колен, небольшие каблуки и простые элегантные силуэты. Странная смесь сдержанности Жаклин Кеннеди и нескромности Бриджит стала новым прочтением 60-х.

Интерес к самым веселым и жизнерадостным годам 20 века – эпохе 60−х – проявляется не только в работе модельеров, но и в других формах. Чего только стоит нашумевшая выставка и вслед за ней вышедшая одноименная книга «Balenciaga and Spain». Шедевры таких знаменитых кутюрье как Кристобаль Баленсиага, Кристиан Диор и Коко Шанель не перестают вдохновлять современных творцов fashion-индустрии и вызывать восхищение нынешних «стиляг».

Однако, для того чтобы продемонстрировать свой безупречный вкус, мало просто взять фильм с Мэрилин Монро и скопировать ее образ. Хотя это тоже в некоторой степени модный эпатаж. Но, все же, важно понимать, как и для чего Вы это делаете и какую нотку индивидуальности сможете привнести в давно знакомый сюжет. Черпая вдохновение в коллекциях модельеров середины двадцатого века, современные дизайнеры создают потрясающие коллекции, полные изысканной утонченности 60-х, но в тоже время не лишенные индивидуальности.

Стилистика поп-арта, оп-арта, студии 54 и старых итальянских фильмов изящно и порой едва заметно вплетена в современный имидж, что создает оттенок ретро романтики. И многие марки от классиков Armani и Prada до молодых типа Marc Jacobs и Miss Sixty сознательно используют эти детали в своих сезонных коллекциях. Причем в ход идут разнообразные fashion-атрибуты эпохи 60-х: это могут быть отклики свингующего Лондона, где господствовал легендарный Твигги-look, сумасшедшие яркие мини и прическа-бабетта, или всегда женственный и утонченный Париж, который настаивал на сдержанном авангарде и космическом образе в связи с техническим прорывом той поры; Милан же вносит свои правила, предлагая красочные абстрактные рисунки, а также строгую геометрию в крое и расцветке. Из сезона в сезон возвращаются силуэты с заниженной талией и ярко выраженными угловыми вырезами на груди, ткани с люрексом и винилом, ядовитые цвета и броские детали.

Не миновали мы и вечное движение хиппи, распространившееся по цивилизованному миру в конце 60-х. Об этом говорит мода на длинные юбки и платья в пол всевозможных цветов и форм, объемные фасоны и бунтарский секонд-хенд – концепция ясна и актуальна.

Актуальные стили в духе 60-х:

Минимализм. Девиз начала шестидесятых "меньше – значит больше". Это актуально и в длине – в 1962 году Мэри Квант первую коллекцию мини. Короткие юбки, платья бэби-долл, гольфы, туфли на низком каблуке – все это начало шесидесятых. (Рис. 16)

Середина шестидесятых. Эпоха космической тематики в моде, винила, кислотных цветов, геометрических рисунков . Рождается стиль унисекс. В мире моды царят Андре Куреж, Пако Рабанн, Пьер Карден, Руди Гернрайх, Ив Сен-Лоран. А что сегодня?

В конце шестидесятых появилось и активизировалось движение хиппи. Сказать, что "дети цветов" оказали влияние на моду того времени было бы ничтожно мало. Именно движение хиппи стало идейным вдохновителем стилей этно, и фолк, и ретро, и унисекс. Благодаря хиппи стала популярной длина макси, они же актуализировали женские брюки… Модельеры конца 60-х заимствовали у хиппи множество идей. (Рис. 17)

Тренды, пришедшие из 60-х:

Футуризм

В конце десятилетия Андре Курреж (Andre Courreges) разнообразил женский гардероб новыми вещами. Они были словно созданы не для повседневных забот, а для покорения космоса. Узкие брюки в сочетании с короткими жакетами, трапециевидные пальто и сапоги на плоской подошве… Этой осенью будущее стало еще реальнее. По подиуму шагали модели Calvin Klein Collection в белых нарядах из металлизированных тканей с отсутствующим взглядом и «космическим» макияжем.

А-силуэт

Укороченный жакет прямоугольного силуэта а-ля Жаклин Кеннеди-Онассис (Jacqueline Kennedy Onassis) в паре с юбкой клеш или узкими брюками – вот новая униформа для офиса в этом сезоне, предложенная Loewe. А трапециевидные пальто Alberta Ferretti и платья выше колена Costume National подойдут для любого случая: из шерсти и хлопка – повседневный вариант, шелковые – «в свет». В противовес стилягам свингующего Лондона, этот образ выглядит строго и аккуратно. Добавьте к такому костюму лоуферы на устойчивом каблуке и компактные сумки геометрической формы.

Кокон

Объемный и уютный силуэт придумал испанский кутюрье Кристобаль Баленсиага (Cristobal Balenciaga) в 30-х годах ХХ века. На показах осенне-зимнего сезона Burberry Prorsum и Jil Sander цитировали кокон практически «дословно»: узкая горловина и подол, широкая талия.

Мини

Вместо сдержанных пальто и костюмов из твида своих родителей молодежь предпочла мини-юбки. Для них между 1963 и 1965 годами дизайнер из Лондона Мэри Куант (Mary Quant) придумала мини-юбку, тем самым изменив стиль жизни целого поколения. И всех последующих. Доказательства – у Versace и Nina Ricci.

Рукава «3/4»

Пальто, платья и жакеты с рукавами длиной чуть ниже локтя – еще один неотъемлемый атрибут 60-х. Носите такие вещи с кожаными перчатками, короткими (Aquilano. Rimondi) или длинными (Moschino). Рукава могут быть как очень широкими (Marni), так и узкими (Ermano Scervino).

Белый цвет

Белый вошел в моду опять же благодаря Андре Куррежу. Он создавал вязаные трико, платья, перчатки, шляпы, все – цвета снега. Минималистичный образ достигался еще и за счет простых форм и строгого силуэта. Конечно, одеваться в total white, как предлагает MaxMara, Hermes и Maison Martin Margiela, совсем непрактично, даже если вам идти всего несколько шагов от машины до двери. Но попробовать белое пальто, перчатки или водолазку-лапшу (без нее в 60-е тоже было никуда) стоит.

Яркие цвета

Самые модные цвета того времени – голубой, розовый, оранжевый и салатовый. В этом сезоне дизайнеры предлагают нетривиальные сочетания: оранжевый плюс бежевый или белый (Blumarine), канареечный плюс розовый (Philosophy di Alberta Ferretti), карри плюс фуксия (Bottega Veneta). Все они призваны избавить нас от осенней хандры.

Тотал-лук

В 1966 году авангардный дизайнер из Америки Руди Гернрайх (Rudi Gernreich) представил total look – ансамбли, в которых все элементы, включая колготки и обувь, были с принтами, имитирующими шкуры животных. Вообще же одеться полностью в монохром – еще одна из примет 60-х. В сезоне осень-зима 2011/2012 отдайте предпочтение не расцветке «под леопарда» или «под зебру», а клетке и графике. Пример – у Rag & Bone и Celine.

Принты

Крупный графичный орнамент в 60-е можно было встретить везде: от обоев и обивки диванов до пальто и купальников. Цветные ромбы, круги и полосы словно с полотен Малевича, Суетина, Клюна добавят нотку жизнерадостности любому наряду. Творчеством супрематистов вдохновлялись Issey Miyake и Aquascutum.

Также популярна черно-белая графика в стиле «оп-арт» (оптическая иллюзия). Британский дизайнер Оззи Кларк (Ossie Clark) работал именно в этом направлении. В наше время его поддерживают Dries Van Noten, Antonio Berardi и Rodarte.

Любимая Пьером Карденом (Pierre Cardin) клетка в этом сезоне может быть любого размера и цвета, только не шотландский тартан. Карден наряжал своих моделей в клетку с головы до ног. Вы можете последовать примеру мастера или ограничиться какой-нибудь одной вещью в гардеробе (Prada, Chanel, Yves Saint Laurent). Лучшее сочетание – клетка плюс коричневый.

Синтетика

В 1960-е начался бум синтетики и всего искусственного. Неотъемлемыми атрибутами современного образа жизни стали замороженные обеды, химчистка и пластиковая мебель. Разумеется, не обошлось без изобретения синтетических тканей. Они оказались самыми доступными и практичными, поскольку не мялись и легко стирались. Поливинилхлорид, кримплен, пластик, лайкра, нейлон, полиэстер, заменитель кожи корфам. Триумфом синтетики стала коллекция Пако Рабанна (Paco Rabanne) под названием «12 экспериментальных и негодных к носке моделей из современных материалов».

Нынче в почете все натуральное. Но дабы не выходить из заданного образа, присмотритесь к нарядам из современных материалов: непромокаемые мембранные ткани, кевлар, гортекс. Либо подберите платье и сумку с прозрачными вставками из пластика. Особенно хороши наряды Christopher Kane.

Пластиковые украшения

Браслеты, серьги и ожерелья в стиле 60-х в должны быть заметны издалека. Для этого и сейчас выбирайте яркую и крупную бижутерию. Именно бижутерию, а не натуральные камни и металлы. Помните о моде на все искусственное. При выборе украшений в стиле 60-х в сезоне осень-зима 2011/2012 ориентируйтесь на стиль американского «короля бижутерии» Кеннета Джей Лейна (Kenneth Jay Lane), позже создававшего украшения для героинь сериала «Секс в большом городе».

Хиппи

Платья в стиле хиппи, отличающиеся нотками легкости и расслабленности, отлично вписываются в ряд стильных моделей нового теплого сезона этого года. Некая хаотичность, непредсказуемость фасонов шестидесятых годов позаимствована из деталей национальных нарядов индейцев Америки и африканцев. Замшевые вставки, вышитые разноцветными бусинами орнаменты и длинная бахрома, многочисленные банданы и ленты, выполненные из кожи, открытые сандалии – выделяют стиль хиппи своей красотой, функциональностью и удобством. Для современных платьев в стиле хиппи характерна яркая, контрастная цветовая палитра, выраженная в природных оттенках небесно-голубого, сочно-зеленого, оранжево-желтого и багряно-красного цветов. Фасоны платьев отличаются легкостью, многослойностью и большим количеством всевозможных оборок. Ткани из которых выполнены платья в стиле хиппи – это, в основном, пестрые ситцы, цветастые, хлопковые материи, контрастный шелк и воздушный шифон. Колоритные, этнические принты, цветочные узоры и использование интересной техники в стиле пэчвок – придают платьям нотки самобытности и особой вычурности. Модным аксессуаром так же стали веселые, озорные сумки, выполненные в стиле пэчвок. Они сшиты из мягких, пестрых лоскутков кожи, замши, хлопка и льна, которые соединяются между собой декоративными, грубоватыми швами во вместительные, удобные котомки. Такая разноцветная сумочка, с яркими аппликациями, этнической бахромой, замшевыми лямками и ручной вышивкой – настоящая «цитата» из шестидесятых, которая идеально подойдет к модному платью в стиле хиппи.

2.2 Обзор современных коллекций

В коллекциях осень-зима 2011/2012 многие модные дома решили отдать должное моде 60-х годов, некоторые просто создали пару луков в стиле 60-х, а коллекции других, например, Prada и Philosophy by Alberta Ferretti – настоящая ода моде 60-х годов. И если коллекция Prada достаточно осовременена, то Philosophy by Alberta Ferretti (Рис. 18) напоминает скорее ретроспективу: платья и пальто А-силуэта, юбки-трапеции, кардиганы бледно-голубого, лимонного, оливкового, лилового, цвета яичной скорлупы, туфли с перепонками, а прически и макияж некоторых моделей очень напоминают прическу и макияж Твигги – модной иконы 60-х годов.

Однако кто сказал, что одежда в стиле 60-х должна быть неброской? В коллекциях Burberry Prorsum, Blumarine, Alberta Ferretti, Prada, сколько ярких и жизнерадостных цветов! Ведь яркие оттенки, как и стиль 60-х, – еще один модный тренд предстоящего сезона (Рис. 19).

Коллекция Fendi вдохновлена стилем 60х. Женственность, сдержанность, тусклые, но контрастные оттенки, – все это свойственно коллекции Fendi и стилю 60х, который берет корни из 50х (это очевидно, но стоит об этом сказать, потому что 50е очень актуальные сейчас и высокая талия, юбки и платья до колен свойственны и стилю 60х, поэтому такие вещи – не пустая трата).

В коллекции Bottega Veneta чувствуется вся та же сдержанная роскошь и стиль 60х. Костюмы сразу напоминают о Джеки Кеннеди (Рис. 20).

Эклектичный стиль хиппи врывается в нашу жизнь вихрем сочных красок, бунтарским настроением, пьянящим глотком свободы и дыханием жизнерадостности. Это излюбленный стиль модных коллекций таких известных Домов Моды, как D&G, Michael Kors, Roberto Cavalli, Balmain Dries, Van Noten, Emilio Pucci и Marni Etro.

Коллекция платьев в стиле хиппи от Diane von Furstenberg – это модный коктейль нарочитой небрежности и лоска. Платья выделяет довольно традиционный и модный покрой – откровенный лиф, выполненный в виде двух аккуратных треугольников, поддерживающийся тонкими бретельками, которые перекрещиваются на шее, и летящая, расклешенная юбка максимальной длины. Крупный и колоритный рисунок материи повторяет расцветку экзотических, тропических цветов и разноцветных бабочек.

Простота, соблазнительная естественность, индивидуализм движения хиппи 60-х годов и самовыражение – нашли свое воплощение в романтических платьях макси от D&G, которые удивительно гармонично смотрятся с кожаными сандалиями.

При всем немыслимом разнообразии и пестроте коллекций есть одна идея, которая объединяет многие из них – это ассоциации с модой 60-х годов.

Одежда, вернувшаяся из 60-х годов, элегантная, женственная, но в тоже время яркая и экспрессивная, помогает создать незабываемый образ и неповторимый стиль.

Некоторые модельеры не только используют старые тенденции в своих новых коллекциях. Они идут дальше в этой рециркуляции старого и создают новую моду, исходя из своих собственных предшествующих коллекций. Мартин Маржьела был, возможно, в этом первым, но Диана фон Фурстенберг выразила идею еще отчетливее, когда создала в 2001 году точную копию платья, представленного ею в 1972 году, и использовала точно такую же рекламу, которая анонсировала новинку в 1972-м. Dolce&Gabbana и Prada открыли бутики, в которых продают модели своих старых коллекций. Вивьен Вествуд производит одежду из старой продукции на заказ. Маноло Бланик запустил производство обуви из старых коллекций, а Fendi сделали то же самое с сумками. Если мода в значительной части руководствуется рециркуляцией, почему бы человеку точно так же не повторять самого себя. Однако сложно представить себе значительный прорыв в отношении основной идеи моды, когда предшествующее всегда должно порождать что-то новое.

ЗАКЛЮЧЕНИЕ

В данной курсовой работе мы достигли поставленных целей, изучив общество в 60-е годы, и не только в области моды, но и в образе жизни. Увлечения, кумиров десятилетия, а так же ведущих деятелей в области моды. Проанализировали литературу и кинофильмы того периода, современные журналы мод и показы коллекций. Сравнивая эти два периода, мы заметили тенденцию на возвращение моды 60-х годов. В моду вошел минимализм, актуальный в начале 60-х, яркие цвета, геометрические рисунки, стиль унисекс, а так же, появившийся в конце 60-х стили хиппи, с его цветочными принтами и свободным покроем.

Данная тема является неисчерпаемым источником для дизайна костюма. Мы выявили, что в наступившем сезоне важны не столько эти легенды 60-х годов, сколько посыл, который несут их образы. Стилистика поп-арта, оп-арта, студии 54 и старых итальянских фильмов изящно и порой едва заметно вплетена в современный имидж, что создает оттенок ретро романтики. Не миновала современная мода и вечное движение хиппи, распространившееся по цивилизованному миру в конце 60-х. Об этом говорит мода на длинные юбки и платья в пол всевозможных цветов и форм, объемные фасоны, хлопковые материалы и воздушный шифон. Одежда, вернувшаяся из 60-х годов, помогает создать незабываемый образ и неповторимый стиль.

Исследовав темы 60-х годов 20 века и их современной интерпретации, и мы пришли к выводу, что можем привнести нотку индивидуальности в давно знакомый сюжет, вплести тренды 60-х годов в модный современный образ.

Основываясь на актуальности этой темы, мы выявили ряд особенностей, которые могут быть положены в основу создания коллекций. Исследовав тему 60-х годов, мы приходим к выводу, что для создания коллекции можно применить крой изделий, общий силуэт и образ, цвета, ткани, техники декора, характерные для моды того десятилетия.