- Вид работы: Реферат
- Предмет: Культурология
- Язык: Русский , Формат файла: MS Word 24 Кб
Зарождение французской моды
Зарождение французской моды
Введение
Из века в век человечество использовало одежду и украшения. Одежда отражала род занятий, место обитания, ранг, пол, принадлежность к классу, круг интересов и уровень материального благосостояния. Проходило столетие и одежда менялась, менялось отношение к ней и сам её смысл. Менялась мода. Однако, мода подразумевает не только модную одежду. Это и ювелирные украшения, и причёски, и бодиарт и внешняя красота. Мода меняется очень часто, потому что являет собой некую систему знаков современного уровня. Одаренные виртуозы в порывах вдохновения и в муках творчества создают настоящие произведения искусства: модную одежду, обувь, парфюмерию, драгоценности, аксессуары и косметику – и таким образом не только украшают жизнь человека, но и развивают в нем высокое чувство – чувство прекрасного. Взаимное проникновение культур различных народов дает дополнительный импульс развития моды, а значит развития человеческой личности. Ведь каждый ищет красоту и гармонию в себе и окружающем мире.
Мода, в любом её веянии и проявлении, от экстравагантной модной одежды, пирсинга в пупке, сережки в ухе, татуированного тела до ультрамодной прически и классических аксессуаров, идентифицирует личность. Мода дает возможность многое рассказать о себе, узнать и понять другого человека. Модная одеждапозволяет человеку создать свой имидж и стиль. Соответствие одежды, обуви, аксессуаров друг другу – нелегкий труд. Однако, именно то, что надевает человек говорит о его характере, настроении, образе жизни, привычках и интересах. Мужская и женская мода, мода для беременных, детская мода, повседневная модная одежда и высокая мода, модные аксессуары – каждый выбирает то, что соответствует его полу, социальному статусу, уровню жизни и предпочтениям. С начала появления модных направлений мнение человечества разделилось. Часть людей считает, что естественная красота и мода – это одно целое, и лишь слабый духом человек изо всех сил старается вписаться в рамки культовых ценностей и условностей. Другие же, отдают дань моде! Те, кто может и желает изменить свою внешность постоянно находятся в разных образах, посвящают себя йоге, ходят на косметические процедуры, листают журналы мод и занимаются шопингом. Мода задает строгие правила поведения и манеры одеваться, тот, кто не соблюдает эти правила подвергается риску прослыть «немодным». Но, что модно сегодня, завтра станет самым нелепым вариантом одежды. Как известно, у каждого века своя красота! Так, некогда превозносимая красота женщины эпохи Рубенса, в этом столетии явно не сможет претендовать на современный эталон красоты. Однако, условностей в моде довольно много, ведь часто она возвращается к давно забытому. Итак, мода – это предписание, изменчивое направление общественного вкуса и стиля, то есть мода – быстропроходящая и непрочная популярность. Но без моды наша жизнь не имеет смысла, ведь мода – это фантазии, воплощенные в реальность.
1. Понятие Моды
Мода – (франц. mode от лат. modus – мера, образ, способ, правило, предписание) – быстрое широкое распространение и кратковременное господство определенных вкусов в отношении одежды, предметов быта или в какой-л. др. сфере жизни или культуры. В отличие от стиля, мода характеризует поверхностные и непродолжительные изменения внешних форм предметов быта и художественных произведений. Существенной чертой моды является ее частая сменяемость. В моде проявляется постоянное стремление человека к обновлению, изменению всего, что его окружает, в том числе и одежды. Понятие мода относится преимущественно к явлениям культуры, охватывающим широкий круг жизнедеятельности людей, включая материальные и духовные ценности, выработанные человечеством в процессе его развития. В более узком смысле модой называют смену форм, пропорций и фасонов одежды, головных уборов и аксессуаров, которая происходит в течение сравнительно коротких промежутков времени.
Что же такое мода? Мода – это предписание, постоянно и быстро меняющееся направление вкуса общества. Мода – это и определенное направление, которое поддерживают именно сегодня, и которое соблюдает большинство людей. Мода может быть и формой проявления культуры, отражение действительности, манеры поведения, выражение собственного «я». Мода – господство определенного стиля над другими. Кроме того, мода, а именно высокая мода – это творения высочайшего качества ведущих мировых салонов и домов мод, которые и задают стиль и ведущие направления моды всего мира. Мода – это уникальные в своем роде, неповторимые модели одежды, это искусство кроя, шитья высочайшего качества, фантазии модных гениев.
Словоупотребление "быть одетым по моде" (a la mode), восходит к XVII в., когда французская придворная мода стала образцом для всех европейских стран. Сама же мода, как утверждают историки культуры родилась в XII-XIII вв., когда в костюме стали появляться элементы, применение которых нельзя объяснить необходимостью или развитием эстетического вкуса: например, шляпы высотой в метр, шлейфы длиной с сажень, сверхузкие мужские панталоны, в которых невозможно было сесть, или загнутые носки туфель, которые приходилось подвязывать к голени шнурами.
Начиная с XVII в. Франция прочно закрепила за собой звание законодателя моды и это звание она удерживает до сих пор. Дважды в год все взоры обращаются к Парижу, к модным коллекциям фирм "от кутюр". Традиции парижской моды зародились в далеком прошлом. Еще в эпоху Возрождения, когда влияние итальянского вкуса распространялось на всю Европу, в Венеции на площади Св. Марка выставлялись французские куклы, одетые в придворные туалеты, и богатые венецианки копировали их наряды. Дважды в год от берегов Франции отплывал корабль, загруженный куклами, одетыми по парижской моде. Когда этот корабль подходил к Британии, английский флот получал приказ о прекращении военных действий.
Haute Couture (НС) – в переводе с французского "высокое шитье" или более вольный перевод – «высокая мода». Это по сути дела часть искусства. И развивается она по законам искусства, а ее творцы – это художники. Мода же – это часть массовой культуры. Потребителями оригинальных произведений искусства всегда были самые богатые люди, считающие себя элитой общества. Они находятся и в первых рядах потребителей произведений высокой моды. Например, голландский модельер Эдуард ван Рейн долгое время одевал семью Онассисов, королевскую семью Нидерландов, создал в Голландии свой Дом Haute couture.
Создаваемые такими художниками модели уникальны, выполняются в единственном экземпляре, выкройки при изготовлении не используются, почти нет швов, выполняемых на швейных машинках. Для этих моделей используются сверхкачественные ткани. Такие модели оцениваются по критериям изобразительного искусства, где ценится только оригинал, а копия вызывает чувства, варьирующиеся от презрения до возмущения.
Это чистое искусство для искусства. Многие модели предназначены лишь для показа, даже не предполагается, что их будут носить в массовом количестве или вообще кто-то выйдет в таких платьях на улицу. Потребление части этих моделей богатыми слоями демонстрирует лишь возможность утилитарного искусства. Аналогичные процессы мы наблюдаем в живописи, скульптуре: есть произведения, которые интересны только для просмотра на выставках, а есть те, которые используются для украшения домов и офисов. Однако высокая мода – это и лабораторные экземпляры, которые при наличии благоприятных условий могут пойти с определенными коррективами в серию, это источники вдохновения и толчок для размышления массе модельеров, работающих на поток, производящих модели класса pret-a-porter, то есть уже предназначенные для ношения в реальной жизни, а не только на подиуме.
Совершенно иной характер имеет мода. Это процесс массового потребления и массового конструирования границы между «модными» и «немодными». В физическом пространстве высокая мода концентрируется на подиуме, а мода – на улице, в разных общественных местах – театрах, фирмах, университетах и т.д. Это то, что порою называют "уличной модой". Высокая мода и мода соотносятся как искусство и утилитарная массовая культура. Мода начинается там, где появляется массовость моделей. Высокая мода, как и любое искусство, стремится к свободе творчества как от власти, так и от толпы. Мода наоборот является частью массовой культуры, основа которой – массовый вкус. Сила высокой моды в том, чтобы как можно дальше вырваться вперед, обозначить тенденции будущего с риском быть не понятым сегодня. У Кутюрье те же амбиции, что и у художника. Сила тех, кто делает бизнес на моде – в способности уловить и оседлать поворот во вкусах масс, что дает шанс на большое количество продаж и, следовательно, на высокие прибыли – главный критерий успеха.
Высокая мода и мода имеют размытую границу, на которой находится pret-a-porter (буквально «готовые к тому, чтобы носить») – модели, предлагаемые для потребления в реальной жизни. Это еще не мода, а предложения дизайнеров, направленные к массе потребителей. Амбиции их авторов связаны с превращением в королей толпы, формирующих ее вкус и потребление. А чтобы эффективно править толпой, надо быть очень чувствительным к ее слабостям, надо чувствовать ее чаяния, предрассудки, страхи и надежды. Художник, работающий в области высокой моды, наоборот, стремится оторваться от толпы, воспарить над ней. Он может шокировать ее своей смелостью, игрой вокруг нравственной границы, в моде же это опасный эксперимент.
На подиум манекенщица выйдет в том, что ей предложит модельер. Последний добьется большего привлечения к себе внимания, если сделает что-то, сильно отличающееся от того, что принято, что приковывает внимание. Поэтому чертой высокой моды является экзотичность, экстравагантность. Модный человек может позволить это лишь в очень ограниченной мере, поскольку мода исключает желание быть белой вороной. Моден тот, кто является самым современным среди «обычных черных ворон».
французский мода барокко
2. Фазы движения моды
Первая фаза – производство моды. Она включает ряд этапов. (1) Идеальное (духовное) производство – разработка новых моделей, которые первоначально могут существовать лишь в форме рисунков, чертежей, описаний. Эту функцию выполняют модельеры, конструкторы, архитекторы, композиторы, поэты и т.д. (2) Материализация моделей. Эта функция выполняется либо индивидами либо специализированными организациями: домами моделей, опытными мастерскими и т.п.
Вторая фаза – распространение модных вещей и стандартов поведения. Это процесс предполагает доведение модных моделей до максимально широкой публики. Этот процесс также включает ряд этапов. (1) Распространение имиджа объекта моды и стандарта потребления. Это осуществляется через прямую и скрытую рекламу. (2) Распространение материальных объектов моды, которые появляются в виде товаров в магазинах, в виде услуг, доступных в большинстве населенных пунктов. Предложение рождает спрос.
Третья фаза – потребление модных вещей. На этой фазе люди, купившие объекты моды используют их для демонстрации своей принадлежности к модному процессу.
Начиная с XVII в. Франция прочно закрепила за собой звание законодателя моды и это звание она удерживает до сих пор. Дважды в год все взоры обращаются к Парижу, к модным коллекциям фирм "от кутюр". Традиции парижской моды зародились в далеком прошлом. Еще в эпоху Возрождения, когда влияние итальянского вкуса распространялось на всю Европу, в Венеции на площади Св. Марка выставлялись французские куклы, одетые в придворные туалеты, и богатые венецианки копировали их наряды. Дважды в год от берегов Франции отплывал корабль, загруженный куклами, одетыми по парижской моде. Когда этот корабль подходил к Британии, английский флот получал приказ о прекращении военных действий.
Во второй половине XVII в. в европейской моде господствовали вкусы французского двора Короля-Солнца Людовика (Луи) XIV. Это был период расцвета абсолютной монархии во Франции, ставшей культурным центром Европы.
Изменились идеалы красоты. Мужчина-рыцарь, воин окончательно превратился в светского придворного. Обязательное обучение дворянина танцам и музыке придает его облику пластичность. На смену грубой физической силе приходят иные, высоко ценимые качества: ум, сметливость, изящество. Мужественность XVII в. – это величественность осанки, и галантное обращение с дамами. Идеал женской красоты сочетал парадность и кокетство. Женщина должна быть высокой, с хорошо развитыми плечами, грудью, бедрами, очень тонкой талией (с помощью корсета ее затягивали до 40 сантиметров) и пышными волосами. Роль костюма в выражении идеала красоты становится огромной, как никогда ранее.
В целом все еще сильны традиции испанской моды, но приспособленной к французским вкусам. Строгую геометрию испанского платья сменили ясные тона и краски, сложность покроя. То была мода барокко (от итал. barocco – странный, причудливый, вычурный), отличавшегося от стиля Возрождения декоративностью, сложными формами и живописностью.
Дворяне обычно носили обувь (полусапожки или туфли с плоским округлым носком – «утиным носом») из мягкой вышитой или тисненой кожи разных цветов (чаще белого) на высоком (от 15 до 24 см! красном каблуке и на толстых (7-10 см) пробковые подошвах, обтянутых красной кожей. В результате некоторых модников стали называть «господин красный каблук».
Предполагают, что моду на такую обувь ввел невысокий Людовик XIV, заказавший в 1660 г. себе на церемонию коронации подобные туфли у известного сапожника из Бордо. На таких каблуках нельзя уже было ходить, а можно было только подпрыгивать. Зато такие высокие каблуки делали походку горделивой, человек словно совершал различные па.
Сначала высокие каблуки носили как женщины, так и мужчины. Но для женщин такие «высоты» были значительно важнее, а потому они «удержались» на каблуках такой гротескной величины. Даже когда каблуки стали тонкими.
Мужчины и женщины брали уроки красивой ходьбы на каблуках. Правда, к концу века каблук стал ниже (король постарел и ему стало труднее передвигаться на высоком каблуке).
За годы правления Людовика XIV мужчина стал более элегантным, более похожим на разряженную женщину, более женственным, неспособным к труду.
Франция в это время была образцом для европейского дворянства, поэтому правилам хорошего тона и моды, которые она диктовала, следовали не только коронованные особы и их приближенные, но и все дворянство в целом. Все это было не простым развлечением, а дорогостоящей и изнурительной игрой, направленной на подчинение себе других.
Вся Европа восторженно говорила о грации француженок, галантности их кавалеров. Везде господствовали французская речь, французские нравы все старались уподобиться французам и французской моде. Весь цивилизованный мир стал одеваться на французский лад. Сотни, тысячи дворян надевали парики и щеголяли в башмаках на высоких красных каблуках. Всякий, кто хотел прослыть важной персоной, старался подражать французскому монарху. Хотя англичане, немцы, русские и другие народы вносили в одежды что-то свое, но это были лишь детали. Французская мода не только стирала национальные различия – она постепенно сблизила по внешнему виду отдельные сословия. Начиная именно с времен Людовика XIV, можно уже говорить о мировой моде.
…Людовик XIV жил долго – 77 лет. И правил он немало – 72 года (1643-1715 гг.). Эти годы были отмечены в истории костюма небывалой роскошью. Стремление к роскоши, расточительные траты на удовлетворение мимолетных капризов короля не прошли бесследно. К концу правления Людовика XIV государственная казна Франции оскудела настолько, что в плавильную печь пришлось отправить королевский золотой сервиз вместе с кольцами для салфеток, украшенными бриллиантами, и серебряный алтарь собора Парижской богоматери.
Таков финал блестящего царствования импозантного государя, когда-то во всеуслышание гордо заявившего: «Государство – это я!». «Солнце» французской моды закатилось. Но придуманный Людовиком образ просвещенного монарха надолго пережил своего создателя…
4. Костюм эпохи барокко
Костюм эпохи барокко всецело подчинен этикету двора и отличается пышностью и громадным количеством украшений. С этого времени французский вкус и мода завоевали всю Европу и владеют ею в течение нескольких веков. Во Франции стало модно украшать все подряд лентами и кружевом, этот стиль дошел до крайности в начале 1660-х, когда Людовик XIV (известный в народе, как Король-Солнце) достиг расцвета своего могущества и начал задавать тон в мужской моде.
Вошли в моду новые материалы и украшения, общий вид костюма стал совершенно иным. Шелк и кружева оттеснили бархат и металл. Французская мода подчеркивала природные данные; настал черед пышных форм.
Строгие формы испанской моды побеждены: «треугольник» исчез. Одежда учитывает движения и индивидуальность того, кто ее носит; приспосабливается к тому, кому предназначается костюм. В свободно развевающемся платье воплотилась фантазия, а вместе с ней и стремление к эксцентричности и роскоши. Покрой костюма сложен. Изготовленный из узорчатой парчи костюм богато украшен кружевами, шнурами, лентами, каймой и вышивками.
Стоимость нарядов стала фантастической, – например, один из костюмов Людовика XIV имел около 2 тыс. алмазов и бриллиантов. Подражая королю, придворные старались не отстать от моды на роскошные одеяния и если не превзойти самого Короля-Солнце, то, по крайней мере, не ударить в грязь лицом друг перед другом. Недаром пословица того времени гласила: «Дворянство носит свои доходы на плечах». В мужском гардеробе насчитывалось не менее 30 костюмов по числу дней в месяце – и менять их полагалось ежедневно. В середине правления Луи XIV появился специальный указ об обязательной смене одежд по сезонам. Весной и осенью следовало носить одежды из легкого сукна, зимой – из бархата и атласа, летом – из шелка, кружев или газовых тканей.
В моде 50-70х создается образ полудетского облика в подражание малолетнему королю Людовику XIV. Костюм этого периода состоял из сорочки, богато декорированной кружевом, бантами, короткой куртки – весты с рукавами до локтя и поколенных штанов-ренгравов.
.1 Мужской костюм
Верхней одеждой служил недлинный плащ без рукавов типа накидки или с рукавами на яркой теплой подкладке, накидывавшийся лишь на левое плечо. На голове мужчины носили мягкие широкополые шляпы с низкой, украшенной страусовыми перьями, кружевами и разноцветными лентами. Шляпы постепенно приобретают треугольную форму. По этикету шляпу снимали только в церкви, при короле и во время еды, но с конца XVII в. становится общепринятым снимать головной убор в любом помещении.
Все большую роль играет домашняя одежда: халат (шлафрóк – от нем. schlafrock), домашний колпак и низкие мягкие туфли. В конце века в моду входят большие муфты для мужчин, поскольку стареющий модник Людовик XIV предпочитал прятать от посторонних взглядов свои дряхлеющие руки. Муфты носили на шнуре.
К концу XVII в. в основном складываются три важных компонента, из которых и сегодня состоит мужская одежда, -сюртук, жилет и штаны.
Мужской костюм дополняли шелковые или шерстяные чулки белого, голубого, красного цвета с вышивкой и узором; галстук, завязывающийся бантом; и парики, оставившие заметный след в истории моды.
.2 Женское платье
Женская мода второй половины XVII в. менялась чаще, чем мужская, ведь ее законодательницами были многочисленные фаворитки Людовика XIV. Правда, дамскому гардеробу присуща одна общая черта – стремление подчеркнуть ту часть женского тела, которая у очередной фаворитки была более привлекательной или искусно скрыть менее привлекательную. Это естественное желание честолюбивой любовницы, пытающейся всеми доступными способами продлить свою власть при королевском дворе. Женский костюм второй половины XVII в. шили из тяжелых дорогих материалов насыщенных и темных тонов: багряного, вишневого и темно-синего. Гладкие ниспадающие юбки середины столетия разрезают и поднимают на боках. Стала видна не только нижняя юбка, но и подшивка верхней юбки. Жеманницы изобретают кокетливые названия для дамских юбок: верхняя называлась «скромница», вторая – «шалунья», а третья, нижняя, – «секретница». Изменился и лиф платья. Он снова стянут китовым усом и так зашнурован, что заставляет женщину принимать едва заметный соблазнительный и изящный наклон вперед. Возвращается мода на декольте. Почти всегда оно кокетливо прикрывалось черными, белыми, разноцветными, серебряными и золотистыми кружевами тончайшей ручной работы. Форма и глубина выреза менялись.
Все зависело от прихоти очередной фаворитки. Сначала декольте имело форму овала, затем стало приоткрывать плечи и, наконец, к концу XVII в. приобрело вид неглубокого и неширокого квадрата – нововведение последней фаворитки Людовика XIV, умной и деспотичной маркизы Ментенόн.
Костюм украшали кружевами и разнообразными лентами: серебряными, переливающимися, двойными, полосатыми, атласными и др. Мода барокко требовала как можно больше лент и бантов. Бантами обычно отделывали платье от выреза до талии, образуя так называемую «лестницу». Причем банты сверху вниз уменьшались. Украшения и богатая отделка костюма располагались в основном спереди как и в мужском костюме, поскольку придворный этикет требовал в присутствии короля стоять к нему только лицом.
Женщины носили туфли на высоком выгнутом «французском» каблуке с очень узким, заостренным носком. Такие туфли требовали осторожной, плавной походки. Обувь обычно изготовляли из дорогих тканей – бархата и парчи, так как большая часть жизни знатных дам проходила в помещении, а поездки совершали в каретах, либо дам переносили в портшезах.
К низу корсажа с правой стороны дамы прикрепляли ленты или цепочки, а на них подвешивали необходимые для модной женщины аксессуары: зеркало, веер, флакончик с духами и т.д.
Новой деталью женского костюма середины века была съемная распашная юбка со шлейфом, имевшая не только декоративное, но и престижное значение – длина шлейфа зависела от знатности происхождения. Если требовали обстоятельства и этикет, шлейф носили пажи. Особо престижно было иметь пажей – негритят. Домашняя одежда в это время для женщин стала совершенно необходимой, так как хотя бы временно избавляла их от тяжелых выходных платьев. Стало модно принимать посетителей во время утреннего туалета в полупрозрачном пеньюаре, цветных тонких шелковых чулках и… курить!
Косметику применяли сверх меры, причем особенной популярностью пользовались черные мушки, которые дамы наклеивали на лицо, шею, грудь и другие интимные места. Мушки из черной шелковой ткани обычно представляли собой разнообразные геометрические фигуры или изображали сценки, порой весьма двусмысленные. Каждая мушка имела свое символическое значение. Так, мушка над губой обозначала кокетство, на лбу – величественность, в углу глаза – страстность.
Иногда случайность становилась модной закономерностью: как-то в 1676 г. принцесса Элизабета Шарлотта Палатинская, супруга герцога Филиппа Орлеанского, страдая от холода в королевском дворце, накинула на плечи полосу соболей. Неожиданное и эффектное сочетание меха и женской нежной кожи так понравилось придворным дамам, что мода на прямые полоски меха, украшавшие плечи, – они получили название палантин (фр. palatine) – быстро распространилась во Франции, а затем и в Европе. В это время также появляются специальные дамские костюмы для верховой езды: длинная юбка, короткий кафтан и небольшая кокетливая треуголка.
В число модных аксессуаров как женских, так и мужских, входили – пояса, украшенные драгоценными камнями, золотой и серебряной бахромой; широкие перевязи, с начала века опустившиеся с бедра до уровня колена; щегольская трость с набалдашником; часы в виде луковиц; веера; флаконы с духами; нюхательные соли; длинные курительные трубки; косметические коробочки; шелковые, серебряные, оловянные и медные пуговицы к костюмам; шелковая и серебряная бахрома; шелковые зонтики с бахромой от дождя и солнца; маски и полумаски; перчатки (суконные с подкладкой, кожаные и шерстяные), обязательно пропитанные дорогими духами и украшенные лентами и кружевами; подвязки; шейные платки и серебряные пряжки к ботинкам.
Особым шиком среди дворян считалось появиться на великосветском карнавале в разной обуви: одна нога обута в башмак со шпорой, другая – в мягкий сапог с пышным бантом. Кстати, именно в XVII в. обувь, наконец, стали делать на разные ноги, а не на одну и ту же, как раньше. По-видимому, это было связано с появлением высоких каблуков, требующих от обуви большей устойчивости. Дворяне обычно носили обувь белого либо черного цвета на высоких (до 7 сантиметров) красных каблуках и толстых пробковых подошвах, обтянутых красной кожей (позднее – красные туфли с желтыми каблуками). Предполагают, что моду на такую обувь ввел Людовик XIV, отличавшийся небольшим ростом. Туфли украшали узким бантом на подъеме и шелковой розеткой на носке. На охоту надевали высокие сапоги с раструбами – ботфорты.
Начиная со времен Людовика XIV, о французской моде уже можно говорить как о мировой. «Версальскому диктату» охотно подчиняются все. Происходит почти полное «офранцуживание», а точнее «опаризьенивание» (от слова Париж) Европы. Французская мода не только стирает национальные различия – она постепенно сближает и внешний вид отдельных сословий.
Основным источником информации о моде был журнал «Галантный Меркурий», помогавший французским модам покорять Европу. В этом журнале печатались обзоры, к ним прилагались картинки с описанием моделей и указанием, когда и что следует носить, иногда критиковались те или иные нововведения. Кроме этого популярного журнала, новости моды распространялись при помощи двух манекенов из воска – «Большой Пандоры» и «Малой Пандоры». Их одевали в только что появившиеся туалеты и выставляли на улице Сен-Оноре для обозрения. «Большая» демонстрировала парадные платья, «малая» – домашнюю одежду. Парижские новинки отправлялись в европейские столицы и пользовались такой сногсшибательной популярностью, их везде так ждали, что «Пандоры» даже имели право беспрепятственного передвижения в военное время. Подражание моде доходило до того, что, например, пунктуальные немецкие дамы не только тратили огромные деньги на французские наряды, но и посылали во Францию своих портных для изучения последних новинок моды.
.3 Мужская и женская прически
Молва приписывает их появление Людовику XIV. В детстве и юности у него были прекрасные волосы – предмет зависти всех модников. Облысев из-за болезни, он заказал себе парик. С этих пор парики стали обязательной принадлежностью костюма на 150 лет!
Золотистый или рыжеватый парик расчесывали на пробор посередине; два его крыла обрамляли лицо красиво лежащими рядами локонов. На рубеже XVII-XVIII вв. парик приобретает пирамидальную форму и изготовляется из светлых, а затем каштановых волос, длинными прядями спадавших на грудь и спину. Мужская голова становится похожей на голову льва с густой гривой. Парик как бы олицетворял величие и неприступность его владельца. При таком обилии волос на голове они полностью исчезают с лица, – даже те крохотные усики, что совсем недавно украшали верхнюю губу. Модники того времени румянились и чернили брови так, что своим обликом напоминали дам.
Мария Анжелика де Скорайлль де Рувилль-Фонтанж была дочерью небогатого дворянина. Безукоризненная белокурая красавица с прелестными голубыми глазами, девица Фонтанж пленила короля молодостью, свежестью, но уж никак не умом, весьма ограниченным. Предыдущая фаворитка Людовика XIV называла ее прекрасной статуей – столь восхитительны были формы Фонтанж. Именно она ввела в моду прическу, сохранившую ее имя от забвения. Как-то в 1680 г. на охоте в лесах Фонтенбло красавица, скача на коне, растрепала волосы о ветку векового дуба и, чтобы поправить прическу, кокетливо обвязала голову подвязкой от чулок. Эта незатейливая прическа очаровала короля, и он просил свою возлюбленную не носить иной. Уже на следующий день в надежде заслужить благосклонность короля ее примеру последовали придворные дамы, и прическа а ля Фонтанж вошла в моду на 30 лет. Судьба Фонтанж трагична. Когда беременность обезобразила прелестное личико красавицы, пресыщенный плотскими наслаждениями Людовик XIV оставил ее, приблизив очередную фаворитку. Вскоре, 21 июня 1681 г., когда-то ослепительная красавица Фонтанж скончалась
Рожденный ею незадолго до смерти ребенок – плод любовных утех Короля-Солнца – прожил несколько дней.
.4 Аксессуары
Украшения барокко Барокко родилось в конце XVI века в Италии как помпезный стиль Рима, с помощью которого католическая церковь утверждала своё величие. В середине семнадцатого века стиль получил новую опору – абсолютизм Людовика XIV: барокко пришло во Францию, а оттуда распростиралось по всей Европы. О возникновении термина барокко известный исследователь стилей В.Е Власов писал: «жаргонное словечко «бароко» использовалось португальскими моряками для обозначения бракованных жемчужин неправильной формы, а в середине XVI века оно появилось в разговорном итальянском языке как синоним всего грубого, неуклюжего, фальшивого». Несколько позже, уже во Франции слово baroquer получило новое значение «смягчать, растворять контур, делать форму более мягкой, живописной». Создатель же искусствоведческого термина «барокко» Г. Вельфин, характеризуя стиль, даёт несколько его ключевых характеристик: живописность, величественность, массивность, динамичность. Свойственная стилю помпезность и представительность непременно сочетались с жизнерадостностью и внутренней силой, прослеживающимися во всех творениях эпохи барокко: в динамике силуэтов, игре светотени, насыщенности декора, сложности криволинейных очертаний. Все перечисленные качества прослеживаются и в изделиях декоративно-прикладного искусства, в частности – в ювелирных изделиях. Даже в мелкие украшения пришли законы, выработанные архитектурой барокко: симметричность, композиция, построенная на ритмике, выразительная профилировка форм, сочный рельефный орнамент. Исполнялись изделия из золота, реже – серебра, разноцветной эмали и драгоценных камней или крупных жемчужин. Благодаря развитию международной торговли и колонизации в Европу поступали изумруды из Бразилии и Колумбии, алмазы и рубины из Индии, бирюза из Персии, что позволило разнообразить ювелирные изделия. Развивалась и техника огранки драгоценных камней. Среди типов огранки были распространены кабашон, огранка в форме прямоугольника (table-cut), остроконечная огранка (point-cut), «роза». Первая бриллиантовая огранка (называемая Мазарини) была изобретена в середине XVII века. Некоторые типы огранок Популярность жемчуга неправильных форм зародилась в шестнадцатом веке, и, как упоминалось выше, его название – «барокко» – стало именем всего стиля. Природная неровная поверхность усиливала светотеневую игру перламутра и будила воображение мастера. Исходя из разнообразной формы жемчужин, придумывалась та или иная фигура – животное, птица или мифологический персонаж. Жемчуг в таких изделиях дополняли золотом, эмалью и драгоценными камнями.
Обычно их носили на цепи в качестве украшений или амулетов. Такова подвеска «Лебедь», выполненная в 1590-х годах нидерландским мастером. Изделие отличает сложная техника: крылья, шея и хвост лебедя сделаны из золота и покрыты чёрно-белой эмалью, голубая эмаль изображает воду. Инкрустация алмазами, изумрудами, рубинам дополняют подвеску. Однако эти изделия из «барочного» жемчуга неправильных форм скорее можно охарактеризовать как украшения маньеризма, их носили только в конце XVI – начале XVII века. Изменение стиля ювелирных изделий, его переход к эстетике барокко обусловили два фактора: развитие технологий, связанных с обработкой драгоценных камней, и обращение к растительным и цветочным мотивам. Произошло это только в 20-х годах XVII века, когда фигуративные изображения полностью исчезли из декора, а в моду вошёл барочный растительный орнамент названный «cosse de pois», «стручок гороха». Его разработали во Франции, где были изданы декоративные проекты Бальтазара Лемерсье и Жака Кайларта. Гравюры этих мастеров распространялись по всей Европе. На портрете Елены Формент, второй жены Рубенса, мы видим, как носились подобные украшения, представляющие собой что-то между брошью и подвеской: не имея никаких креплений, они пришивались прямо на платье. Ювелирные изделия с мотивами «стручка гороха» были популярны в Европе в 1620-х – 1650-х годах, однако растительный орнамент развивался на всем протяжении XVII века. Несмотря на использование металла и драгоценных камней, всю первую половину XVII века основным материалом был жемчуг. Часто украшения дамы состояли только из жемчужного ожерелья, плотно прилегающего к шее, серег и браслета. Мода на жемчуг распространялась из Франции, ставшей в XVII веке центром искусства. Жемчуг нашивали на ткань, им украшали волосы, жемчужными нитями в несколько рядом дополняли платья. К пятидесятым годам XVII столетия мотивы барокко плотно вошли в декор ювелирных изделий. Серьги, подвески, аграфы, пряжки и другие драгоценности компоновались из причудливо изогнутых акантовых листьев, волют и фантастических растений. В орнаментике преобладали тяжелые гирлянды цветов и плодов, раковины, сплетения прихотливых бантов, картушей, двойного завитка в виде буквы «С». Серьги сначала делали из жемчуга вытянутой формы, называемого панделок, затем их форма постепенно усложнялась. Серьги украшали жемчугом, эмалью, драгоценными камнями, в декоре преобладали мотивы банта и крупных поникших листьев.
В конце XVII века появился новый тип украшений – серьги с тремя жемчужными подвесками формы «жирандоль». Италия, 1670-е Италия 1660-е Клаудио Коэльо "Портрет придворной" 1642. На пальцах носили кольца с рубинами и изумрудами, закрепленными в высоких кастах. Шинка чаще всего оставалась гладкой или декорировалась чеканным и гравированным растительным орнаментом, иногда с эмалью. В эпоху барокко появлялось множество колец-обманок, которые можно было раскрыть. Внутри помещались или портреты, или аллегорические изображения. В основном они имели любовное значение, но были и исключения. К примеру, после смерти английского короля Карла I были созданы мемориальные кольца со спрятанным внутри портретом монарха. Их носили роялисты во время правления Кромвеля. Наличие в костюме многочисленных драпировок требовало заколок. Эту роль стали играть броши, которые впервые вошли в обиход именно в эпоху барокко. Введение брошей в моду легенда приписывает мадам де Савиньи, придворной даме из окружения Людовика ХIII. Так называемые «броши Савиньи» состояли из двух частей: к верхней, напоминающий бант, отдельно крепилась подвеска. Такая форма возникла из-за привычки привязывать к одежде подвески атласными лентами. Крупные броши, декорированные яркими камнями – изумрудами, рубинами, сапфирами, жемчугом, – украшали декольте корсажа или подчеркивали талию. Все броши того времени в соответствии с принципами стиля барокко имели пышные, строго симметричные формы и были обильно украшены глубокими по цвету драгоценными камнями. С обратной стороны броши декорировались эмалью. Портрет мадам де Савиньи" Лефевр, 1665 брошь Савиньи и серьги. Нидерланды, втор. половина 17 в. Испания, около 1650 Женщины также украшали руки браслетами. Они могли быть низанными жемчугом или золотыми с драгоценными камнями, с оборотной стороны украшались эмалью. Как правило, браслеты носили попарно, на узкой манжете с рюшем. Большое количество браслетов носили в Голландии и Фландрии. На талии носили различные косметические предметы: зеркальца, коробочки для благовоний. Они чаще изготавливались из более дешевого материала – серебра – и практически не украшались эмалью или драгоценными камнями, только золотились и гравировались. В таких контейнерах, носимых на длинной цепочке, находились ароматические средства, которым приписывались целебные и охранные функции. Основным компонентами были палочки корицы, гвоздика и лепестки роз. Прикрепляли к талии и медальоны с эмалевыми миниатюрами внутри.
Портрет Изабеллы Койманс, Франц Хальс, 1650-52 Мода на мужские украшения в XVII веке постепенно уходит. Основными украшениями были драгоценные пуговицы и пряжки. Пряжки носили на шелковой перевязи, с правого плеча к левому бедру на которой крепилась шпага. Крепили их и на обуви: на подъеме башмаков или на сапогах, чтобы продевать ремень и пристегивать шпоры. Пряжки для башмаков большей частью были прямоугольной либо овальной формы, состояли из рамы, слегка выгнутой и украшенной камнями, расположенными в один или два ряда. Шпоры тоже могли быть ювелирными украшениями, особенно если они использовались при коронации. Из повседневных украшений мужчины носили только кольца. Шпоры Карла II, 1660-61 Мастерство лучших ювелиров сконцентрировалось на создании орденов. Конечно, основные ордена были учреждены задолго до XVII века, но именно в помпезный век барокко знаки отличия стали носиться с особой важностью, и, следовательно, ордена представляли собой шедевры ювелирного искусства. На любом парадном портрете монарх изображался с орденом. Самые значимые ордена того времени: Орден подвязки в Великобритании, Орден Золотого Руна в Испании и Орден Святого Духа во Франции. Портрет Людовика XIV кисти Гиацинта Риго: с Орденом Святого Духа; Портрет Карла II кисти Питера Лели: с Орденом подвязки Портрет Филиппа V кисти Гиацинта Риго: с Орденом Золотого Руна. Статью с кликабельными превью смотреть здесь.
Используемая литература
#”justify”>Ирина Блохина. «Всемирная история костюма, моды и стиля»
