Древнегреческий театр и скульптура

Подробнее о Культорологии: Скачать контрольную работу

Вид работы: Контрольная работа
Предмет: Культурология
Язык: Русский , Формат файла: MS Word 3,81 Mb

Древнегреческий театр и скульптура

Московский Государственный Технический Университет

Гражданской Авиации

Кафедра гуманитарных и социально-политических наук

Контрольная работа №1

по дисциплине «Культурология»

Тема: «ДРЕВНЕГРЕЧЕСКИЕ СКУЛЬПТУРА И ТЕАТР»

студента 1 курса

заочного факультета

Табуреткина

Ивана Ивановича

Москва 2007

План: Введение. 1 Древнегреческий театр.

1.1 Происхождение театра.

1.2 Организация театральных представлений.

1.3 Древнегреческие драматурги.

1.4 Архитектура древнегреческого театра.

1.5 Постановочная техника театра.

1.6 Виды древнегреческих театров (историография)

2 Древнегреческая скульптура

2.1 Геометрика

2.2 Архаика

2.3 Ранняя классика

2.4 Высокая классика

2.5 Поздняя классика

2.6 Искусство эпохи эллинизма

Заключение. Иллюстрации к теме. Список используемой литературы. Введение

Искусство Древней Греции — одно из самых значительных явлений художественной культуры. Мастера эпохи Возрождения, открывшие древнегреческие руины, дали высочайшую оценку произведениям классической древности. Античность была провозглашена совершенной и непревзойденной. Она вдохновляла едва ли не всех великих художников — от Рафаэля и Микеланджело до Пикассо.

В Древней Греции было создано совершенное по форме искусство. В то время как творения Египта, Шумера и Китая глубже выражали умонастроения и идеалы только этих конкретных стран и народов, Эллада (Древняя Греция) вышла далеко за пределы национальных границ, создав искусство, понятное не только эллинам, но и всем другим народам. Красота и глубокий смысл эллинских творений продолжают пленять человечество на протяжении двух тысячелетий.

Искусство Древней Греции берет свои корни в Крито-Микенском искусстве, на его основе мастерами Эллады была создана новая художественная традиция. После так называемой эпохи «темных веков», которая длилась от заката микенского мира вплоть до VIII в. до н.э., началось стремительное, мощное возрождение культуры. На пути своего развития греческое искусство прошло несколько основных фаз (стилей): геометрику (IX—VIII вв. до н.э.), архаику (VII—VI вв. до н.э.), классику, которая делится на раннюю (490—450 гг. до н.э.), высокую (450—400 гг. до н.э.) и позднюю (400—323 гг. до н.э.). На III—I вв. до н.э. приходится эпоха эллинизма — время после смерти Александра Македонского (323 г. до н.э.), когда благодаря завоевательным походам великого полководца впервые был объединен пестрый и разнородный мир — от Греции через Персию и Среднюю Азию до Индии. В этот период эллинский стиль, в разных местностях проявляясь совокупностью своих отличительных черт, распространился на огромном пространстве. Во II в. до н.э. Греция подпала под владычество Римской республики и стала ее провинцией под названием Ахайя, однако эллинское искусство продолжило свое существование, теперь уже на почве Рима, став самой блестящей составляющей в очень сложном и многонациональном художественном мире империи.

Древнегреческий театр – один из древнейших театров на территории Европы. Он достиг своего расцвета в V в. до н. э.

Наследие, оставленное нам античностью в области литературы и искусства, огромно. Основные роды поэзии – эпос, лирика и драма – возникли в Греции. Античная архитектура, скульптура, литература и театр были предметом изучения и подражания и в последующие века. Значение античного театра выходит далеко за хронологические рамки породившего его общества. К примеру, в эпоху Возрождения стали создаваться первые литературные трагедии и комедии, образцами для них послужили пьесы античных авторов. Но даже на протяжении XIX и XX вв. на европейских сценах шли античные драмы.

До сих пор многие удивляются, посещая Грецию, архитектуре древнегреческого театра. Его громадности и грациозности. На сохранившихся древнегреческих сценах и в наше время ставятся произведения древнегреческой драматургии.

В своем реферате я поставил цель рассказать о происхождении древнегреческого театра, его архитектуре и драматургии, а также о развитии древнегреческой скульптуры. 1. Древнегреческий театр

1.1 Происхождение театра

Древнегреческий театр возник из сельских празднеств в честь бога Диониса. Вначале Дионис считался богом производительной силы природы, и греки изображали его в виде козла или быка. Однако позже, когда население древней Греции познакомилось с возделыванием виноградников, Дионис стал богом виноделия, а потом и богом поэзии и театра.

Несколько раз в году происходили празднества, посвященные Дионису, на которых пели дифирамбы (хвалебные песни). На этих празднествах выступали и ряженые, составлявшие свиту Диониса. Участники мазали лицо винной гущей, надевали маски и козлиные шкуры. Наряду с торжественными и печальными, распевались веселые, а часто непристойные песни. Торжественная часть праздника дала рождение трагедии, веселая и шутливая – комедии. “Трагедия, по свидетельству Аристотеля, ведет свое начало от запевал дифирамба, а комедия от запевал фаллических песен”. Эти запевалы, отвечая на вопросы хора, могли рассказать о каких-либо событиях из жизни бога и побуждать хор к пению. К этому рассказу примешивались элементы актерской игры, и миф как бы оживал перед участниками праздника.

Проливают свет на происхождение греческой драмы и сами слова трагедия и комедия. Слово трагедия происходит от двух греческих слов: трагос – козел и оде – песнь, т.е. песнь козлов, так как спутниками Диониса были сатиры, козлоногие существа, прославлявшие подвиги и страдания бога. Слово комедия тоже происходило от двух греческих слов комос и оде. Слово комос обозначало шествие подпившей толпы ряженных, осыпавших друг друга шутками и насмешками на сельском празднике в честь Диониса. Следовательно, слово комедия обозначает песнь комоса.

Почвой древнегреческого искусства считают мифологию. В ходе развития греческой трагедии круг ее сюжетов, помимо мифов о Дионисе, вошли рассказы о судьбах героев древности – Эдипа, Агамемнона, Геракла и Фесея и других. Таким образом, греческая драматургия заимствовала свои сюжеты из мифологии. Это объясняется характером греческой мифологии – ее глубокой художественной выразительности. Мифология греков выросла из стремления объяснить окружающий мир и была тесно связана с религией.

Греческая трагедия целиком основывается на мифологии. Но сквозь мифологическую оболочку драматург отражал в трагедии современную ему общественную жизнь, высказывал свои политические, философские и этические воззрения. Использование мифологии делало трагедию необычайно доходчивой. В каждой пьесе зритель встречал уже знакомые ему лица и события и мог свободнее следить за тем, как эти мифы перерабатывала творческая фантазия драматурга.

По свидетельству самих греков, трагедия уже во второй половине VI в до н. э. достигла значительного развития, использовав богатое наследие эпоса и лирики. Усилению действенной стороны трагедии очень способствовало нововведение трагика Феспида. Он выделил из хора особого исполнителя – актера.

Феспид был первым афинским трагическим поэтом. Первая постановка его трагедии состоялась весной 534 г. до н.э. на празднике Великих Дионисий. Этот год по традиции принято считать годом рождения мирового театра.

Ранние греческие трагедии напоминали, скорее всего, лирические кантаты и почти сплошь состояли из песен хора и актера. Произведения ранних греческих трагиков до наших дней не дошли.

В содержании комедии, так же как и в трагедии, с первых же дней ее существования к религиозным мотивам примешивались житейские, которые в дальнейшем занимали все больше и больше места и в конце концов стали преобладающие или даже единственными, хотя в целом комедия по-прежнему считалась посвященной Дионису.

Участники комоса стали разыгрывать и маленькие комические сценки: похищение ворами съестных припасов и вина и другие сценки. К шуткам, песням и небольшим сценкам уже в то время примешивались элементы социальной сатиры.

Возникшая из аттического комоса древняя аттическая комедия V в. до н. э. была политической по своему содержанию. Она постоянно затрагивала вопросы политического строя, деятельности отдельных учреждений Афинской республики, ее внешней политики, войны, мира и т.д. Такая комедия существовала в условиях афинской рабовладельческой демократии.

Своего высшего выражения театральное искусство V в. до н.э. достигло в творчестве трех великих трагиков – Эсхил, Софокл, Еврепида – и комедиографа Аристофана. Одновременно с ними писали и другие драматурги, но до наших дней дошли только небольшие отрывки их произведений, а иногда и лишь имя того или другого поэта.

1.2 Организация театральных представлений

Театр в Греции был государственным учреждением, и организацию театральных представлений брало на себя само государство, назначая для этих целей специальных людей. Драмы ставили на трех праздниках в честь Диониса: Малых или Сельских Дионисиях (в декабре – в январе); Ленеях (в январе – феврале); Великих или Городских Дионисиях (в марте – апреле).

Драматические представления проходили как состязания драматургов. В них участвовали три трагических и комических поэта. Каждый из трагиков должен представить по четыре пьесы: три трагедии и одну сатириковую драму (это веселая пьеса на мифологический сюжет с хором, состоящим из сатиров). Три трагедии, связанные единством сюжета, составляли трилогию, после нее и ставили сатириковую драму. Трилогия и сатировская драма составляли тетралогию. Состязания продолжались три дня. Каждый день с утра играли три трагедии и одну сатировскую драму. Под вечер исполняли комедию одного из участвовавших в состязании комических поэтов.

Драматурги получали хор от архонта, но все издержки, связанные с обучением хора, брали на себя богатые сограждане (хорег). Хорег должен был организовать хор на свои деньги, изготовить для него костюмы. Для драматических состязаний требовалось шесть хорегов: три – для тетралогий и три – комедий. В хореги избирали любителей театра, в которых недостатка в ту эпоху не испытывали. В начале драматурги сами писали музыку и сами обучали хор, но уже очень скоро им пришлось прибегнуть к помощи специальных учителей.

Исполнение обязанности хорега и участие в трагическом хоре было делом весьма почитаемым. Считалось, что хореги, актеры и члены хора находятся под особым покровительством божества. Все они на время подготовки к драматургическим состязаниям освобождались даже от военной службы.

Судили на состязании особенные выборные лица. Для победивших драматургов были установлены три награды. Драматург, занявший на состязании третье место, считался потерпевшим поражение. Помимо гонорара, драматург получал от государства в качестве награды венок из плюща. На долю хорегов, которые подготовили хор для победивших драматургов выпадала большая честь. Такой хорег имел право воздвигнуть памятник в ознаменование своей победы. На этом памятнике писали время представления, имя победившего драматурга, название его пьесы, а также имя хорега. Результаты состязаний вносились в дидаскал, который хранился в государственном архиве Афин.

Актеры и маски

По преданию, Феспид сам был единственным актером в своих трагедиях. Партия актера, чередуется с песнями хора, и составляла всю пьесу. Вскоре после Феспида Эсхил ввел девтерагониста, а младший современник Эсхила Софокл тритагониста. Основные роли исполнял в драме протагонист.

Благодаря тесной связи греческого театра с культом Диониса актеры пользовались в Греции большим почетом и занимали высокое общественное положение. Актером мог быть только свободнорожденный. Они, как и драматурги, могли принимать деятельное участие в жизни Греции. Их могли избирать на высшие государственные должности в Афинах и отправлять в качестве послов в другие государства.

Победителями на драматических состязаниях вначале признавались только хорег и драматург. Но, начиная со второй половины V в. до н.э. в театральных состязаниях принимали участие и протагонисты.

В греческой драме число актеров не превышало трех человек, то одному и тому же актеру в течении пьесы приходилось играть несколько ролей. Если в пьесах присутствовали немые роли, их играли статисты.

Женские роли всегда исполнялись мужчинами. Трагические и комедийные актеры должны были не только хорошо декламировать стихи, но и владеть вокальным мастерством, так как в наиболее патетических местах драмы актеры исполняли арии. Путем постоянных упражнений греческие актеры вырабатывали у себя силу, звучность и выразительность голоса, безукоризненность дикции и доводили до большого совершенства искусства пения. Но кроме этого, греческий актер должен был владеть искусством танца и вообще искусством движения в самом широком смысле этого слова. Поэтому греческому актеру необходимо было много работать над гибкостью и выразительностью тела.

Актеры носили маски, так что мимика из игры была исключена. Тем больше должны были греческие актеры работать над искусством движения и жеста.

Маски проникли в греческий театр вследствие исконной связи последнего с культом Диониса. Жрец, изображавший божество, всегда выступал в маске. Однако в театре классического периода маски уже не имели культового значения. Зато она отвечала задачам греческого театра создавать крупные обобщенные образы. “Так, например, характер или сиюминутное настроение действующего лица определялось маской, которую надевал на лицо актер: хохочущая, скорбная, умиротворенная. Они менялись всякий раз, как только исполнитель переходил соответственно от веселья к печали, от горестей к покойному расположению духа. Кроме того, определенное значение имела окраска маски: например, по багровому ее цвету, зрители узнавали раздражительного человека, по-рыжему – хитрого и коварного

Исполнение женских ролей мужчинами вызывало необходимость использование маски. Употребление маски обусловливалось также размерами греческого театра. Без маски лица актеров были бы плохо видны зрителям последних рядов.

Маски делались из дерева или полотна, в последнем случае полотно натягивалось на каркас, покрывалось гипсом и раскрашивалось. Маски закрывали не только лицо, но всю голову, так что прическа была укреплена на маске, к которой в случае необходимости прикреплялась так же борода. У трагической маски обычно делали выступ надо лбом, увеличивавший рост актера.

В древней комедии большая часть масок должна вызывать смех, отсюда их карикатурный и гротесковый характер.

Кроме вымышленных персонажей, поэты древней комедии выводили на сцену и своих современников. Маска в таких случаях была обычно шаржированным портретом.

Костюм трагических актеров был некоторым видоизменением пышной одежды, которую носили жрецы Диониса во время исполнения религиозных церемоний. Театральный хитон имел длинные рукава и спускался до пят. Плащи употреблялись в основном двух видов: гилматий и хламида. Отдельные персонажи носили специальную одежду. На театральных хитонах и плащах вышивались различные, нередко сложные рисунки – цветы, пальмы, звезды, спирали, арабески, а также фигуры людей и животных. Цвет на одежде имел тоже определенное значение: роли счастливцев исполнялись в одеяниях с желтой или красной полосой, а синие или зеленые полосы отмечали неудачников.

Обувь трагического актера называлась котурнами. Сценические котурны имели толстые, состоящие из нескольких слоев подошвы, благодаря чему увеличивался, рост актера.

Чтобы придать своей фигуре еще большую величественность, трагические актеры укрепляли под одеждой специальные подкладки или небольшие подушки, сохраняя при этом естественные пропорции тела.

В комедии употребление подушек и подкладок, наоборот, вызывалось стремлением нарушить нормальные пропорции человеческого тела и тем вызвать смех.

Женские персонажи комедий носили обычный женский костюм, мужские персонажи – короткую или плащ.

До наших дней дошло много статуэток, изображающих актеров древнегреческой комедии. У маски вытаращенные глаза, безобразный нос, широко открытый рот, живот и зад увеличены с помощью подложенных подушек.

Хор и зрители

Трагический хор насчитывал сначала 12 человек, затем состав его был увеличен до 15. В комедии хор всегда состоял из 24 человек. Участники хора назывались хоревтами, предводитель хора – корифеем. При выходе на орхестру во главе хора шел флейтист, который останавливался на ступенях алтаря, расположенного в центре орхестры.

В трагедии хор обычно изображал людей, близких главному герою. “Так, в “Прометее Прикованном” Эсхила хор составляют Океаниды, дочери Океана, сочувствующие страданиям Прометея и готовые разделить его судьбу”

Комический хор изображал не только людей, но и животных и сказочных существ. Например, в комедии Аристофана “Облака” хор состоит из облаков.

Существует мнение, что в трагедии хор тормозит действие и является данью культовой традиции. Однако это не так. Трагедия развивалась на основе трагического хора, из которого впоследствии был выделен один актер. С появлением второго и третьего актера роль хора ослабевает, драматический конфликт может происходить теперь между героями и без участия хора. Но хор не исчезает. Он существует как непременный компонент у всех трагических поэтов классического периода, хотя несет не всегда одинаковую драматическую нагрузку. Жизненность хора в этот период объясняется тем, что в трагедии он был необходим как выразитель общественного мнения. Хор был героем коллективным, его партии и поныне помогают понять философский и человеческий смысл трагедии в плане решения основного конфликта.

Театральные представления происходили в дни всенародных праздников Диониса. Все дела в это время приостанавливались. Суды закрывались, должники освобождались от уплаты долгов в течение всех дней праздника. Даже заключенных выпускали из тюрем, чтобы они могли принять участие в общем празднике. Наряду с мужчинами в театре бывали женщины, дети и даже слуги, домашние рабы.

На эти представления люди собирались с восхода солнца. “Сперва им было предоставлено право самим занимать какие угодно места, и нередко дело доходило до драк (драчунов разнимали нанятые для этой цели служители).” Позже чтобы устранить беспорядки и для покрытия расходов по содержанию театральных зданий, городские власти ввели выдачу входных билетов – медных кружочков, похожих на монеты и называвшихся символами. При Перикле неимущим гражданам выдавались на посещение театра особые зрелищные деньги (теорикон).

В театре были строго определены места для разных групп зрителей. Первый отводили государственным лицам, жрецам и полководцам. Им, восседающим в креслах, билеты были не нужны.

За креслами, отделенными проходом, начинались скамьи-ступени для богатой публики. Каждый сектор был помечен одной буквой, начиная с А (альфа). Той же буквой и помечали и оборотную билетов-символов с изображением головы богини Афины или морды льва, которого считали охранителем от всего плохого.

Значительно хуже вычеканенные символы, без каких либо изображений и помеченные одной и той же буквой на обеих своих сторонах, служили билетами на следующий ярус. Буквы на этих билетах соответствовали обозначением секторов для зрителей со средним достатком.

Существовали символы, изготовленные еще грубее и помеченные двумя одинаковыми буквами на лицевой и оборотной сторонах. Эти билеты предназначались для верхнего яруса, где скамьи секторов, на которых располагались бедные зрители, были обозначены четырьмя буквами.

Количество людей, получивших символы на один раз, не должно было превышать числа мест на скамьях. При входе билеты отбирались.

Драматические представления в Афинах начинались на рассвете и шли до самого вечера. Зрители ели и пили в самом театре. Все были одеты в праздничные одежды, головы украшали венками. На Великих Дионисиях происходило громадное стечение горожан, к которым присоединялись еще и жители других городов-государств, приезжавшие со всей Греции.

Жребий определял порядок представления пьес соревнующихся драматургов. Звук трубы возвещал о начале каждой пьесы.

Афинская публика была очень восприимчивой и непосредственной. Если пьеса нравилась, зрители выражали одобрение аплодисментами и криками. Среди зрителей были и подставные лица. “Рассказывают, что комедиограф Филемон (IV в. до н.э.) не раз с успехом использовал их против своего противника – Менандра.” Если пьеса не нравилась, зрители свистели, щелкали языком, стучали ногами. Бывали и такие случаи, когда актера прогоняли со сцены камнями и требовали прекратить пьесу и начинать новую. Таким образом, суждение народа имело существенное значение для успеха представления

В трагедии до Эсхила было ещё очень мало действия. Эсхил, автор героико-патриотических, поднимающих большие исторические и религиозно-философские темы произведений, он ввёл 2-го актёра , открыв этим возможность более глубокой разработки трагического конфликта и усиления действенной стороны театр, представления.

Введение 2-го актёра повлекло за собой и развитие диалога, который в старой трагедии имел лишь зачаточный характер. Эсхил был сам главным исполнителем в своих трагедиях, требовавших от актёра искусства создания титанических монолитно-героических образов.

Хор у Эсхила, состоявший из 12 человек, был настоящим действующим лицом. В его ранних трагедиях хоровые партии составляют более половины пьесы; в более поздних хор играет уже значительно меньшую роль. Постановки Эсхила отличались большой пышностью и включали в себя некоторые зрительные эффекты (торжественный въезды на колесницах, процессии и прочее). При Эсхиле определилась классическая фора строения трагедии и порядок трагического представления.

СОФОКЛ (496 – 406 гг. до н.э.) И ЕВРИПИД (485 – 406 гг. до н.э.)

завершением греко-персидских войн последовал мощный политический и культурный подъём афинского демократического рабовладельческого государства, который обусловил новый период в развитии греческого искусства. Деятельность Софокла и Еврипида была следующим этапом в развитии греческого театра. Если у Эсхила боги, хотя бы и невидимые, выступают на первом плане, то в трагедиях Софокла основное внимание уделено человеку, со всем миром его душевных переживаний, мыслей, страстей, чувств. В трагедиях Софокла выразились гражданские и нравственные идеалы антично рабовладельческой демократии эпохи расцвета. “По свидетельству Аристотеля (Поэтика, гл. 25), Софокл сам говорил, что он изображает людей такими, какими они должны быть, а Еврипид — такими, каковы они в действительности.”*

Высокая гуманистическая направленность трагедии Софокла, интерес к человеческой личности и её душевным переживаниям повлекли за собой дальнейшую драматизацию театр, представления — появление 3-го актёра, уменьшение роли хора (несмотря на доведение числа хоревистов до 15) и увеличение диалогических частей трагедии.

С именем Софокла связывается и введение декорации живописи. Все эти театр, нововведения сделали его трагедию более живой и сценичной. Этому же способствовало введение более сложных, чем у Эсхила, перипетий (т. е. переходов от счастья к несчастью и обратно) и узнаваний. Однако Софокл отказался от некоторых сценических эффектов, которыми пользовался Эсхил: у него нет торжеств, въездов царей на колесницах, не появляются призраки.

В творчестве Еврипида нашёл отражение рост общественности противоречий периода Пелопоннесской войны и начинающегося кризиса античного полиса. В его трагедиях звучание героической темы снижается, но при этом ещё более усиливается внимание к внутреннему миру человека и явлениям окружающей жизни.Миф становится для Еврипида только материалом или основой, дающей возможность высказаться его современникам. Обострение драматических конфликтов и умение в каждой драматической ситуации найти наиболее потрясающие моменты в соединении с изображением тончайших душевных переживаний героев делают Еврипида наиболее трагичным из всех античных драматургов. В целях эмоционального воздействия на зрителей и в то же время усиления чисто зрелищной стороны трагедии Еврипид вводит в свои драмы сцены смерти, физических страданий, безумия, траурные церемонии, использует машины для полётов и появления богов и многое другое. Широко применял в своих трагедиях Еврипид и монодии, в которых душевные переживания героев раскрывались не только выразительными средствами слова, но и музыки. Но хор в его драмах уже не имеет такой тесной связи с развитием действия, как у Софокла

АРИСТОФАН (ок. 446 — ок. 385 до н. э.)

Древняя античная комедия, политическая по своему содержанию, достигла художественного расцвета в творчестве Аристофана. Выступив в пору интенсивного нарастания общественных противоречий внутри афинского общества страстным защитником старинной афинской демократии и выразителем дум и чаяний античного крестьянства, Аристофан использовал театр как арену борьбы за свои идеалы. В своих сатирических произведений Аристофан вывел множество ярких социальных типов: бесчестного демагога, обманывающего народ и грабящего государственную казну; философа-софиста, развращающего своим учением юношество и другие типы. Положительным же героем комедии Аристофана выступает обычно мелкий землевладелец, обрабатывающий свою землю с помощью 1—2 рабов. Идеологическая направленность древней комедии и её происхождение из сельских празднеств в честь Диониса во многом определили её чисто театральную сторону, многое в ней сохранилось от старого античного комоса: деление хора (он состоял в комедии из 24 .чел.) на два полухория: агон и парабас (политические нападки, напоминающие старые насмесшливо-сатирические песни античных земледельцев).

Комедии Аристофана создавали живой, сценически выразительный – тип представления, богатый острыми диалогами, насыщенный буффонадой; всё это требовало от постановщика и актёров изобразительности, яркости характеристик, смелых, остроумных мизансцен.

1.4 Архитектура древнегреческого театра

Народный характер античного театра определил особенности его организации и устройства. Древнегреческий театр сооружался на открытом воздухе и состоял из 3-х основных частей: орхестры, тэатрона и скены. Древнейшей из этих частей является орхестра — круглая площадка, на которой выступали хор и актёры. Вначале зрители свободно размещались вокруг орхестры. Позднее появились особые места для публики, расположенные на склонах прилегающих холмов и гор. Античный театр вмещал огромное количество зрителей (Афинский театр, например до 17 тыс. чел.). Скена, первоначально предназначавшаяся только для переодевания и выходов актёров, находилась вне круга орхестры, позже уже на касательной к его окружности. Передняя стена скены – проскений, имевшей обычно вид колоннады, изображая фасад храма или дворца, приобрела со временем большое значение в оформлении спектакля. ”Так как в трагедии действие почти всегда происходило перед дворцом или храмом, то, по мнению немецкого архитектора и археолога В. Дёрпфельда, проскений обычно имел вид колоннады или портика; эта колоннада проходила либо вдоль всего фасада скены, либо занимала только её центральную часть.” На обоих концах здания скены были пристроены (возможно, уже в 1-й пол. 5 в. до н.э.) два боковых строения, которые назывались параскениями. Параскении служили, по-видимому, местом хранения декораций и другого театрального имущества; в тех случаях, когда драма требовала наличия двух или трёх жилищ, параскении могли изображать эти жилища. Между скеной и местами для зрителей, занимавшими несколько более половины круга, находились проходы – пароды, через которые вступали на орхестру хор и актёры, по ходу пьесы, прибывавшие из города, гавани или из чужой страны. В V и IV вв. до н.э. греческие актёры играли на орхестре перед проскением. Никакой высокой или низкой сценической площадки в это время не существовало. Планировка греческого театра была рассчитана на хорошую слышимость. Кроме того, для усиления звука в некоторых театрах применялись резонирующие сосуды, помещавшиеся среди зрительных мест. «Если, стоя в центре орхестры, бросить на камень пола монетку или разорвать клочок бумаги, то звон упавшей монеты, шорох разрываемого листа будут слышны в самом в верхнем ряду. Занавеса в греческом театре не было, хотя возможно, что в некоторых пьесах какие-либо части проскения временно занавешивались от зрителя.

1.5 Постановочная техника театра

Развитие драматургии определяло эволюцию постановочной техники греческого театра. В ранних трагедиях Эсхила декорации представляли собой массивные деревянные сооружения (большой алтарь с кумирами двенадцати богов в «Умоляющих», гробница царя Дария в «Персах», скала в «Прикованном Прометее»). При Софокле появились расписные декорации, помогавшие превращать проскений в фасад дворца или храма, в переднюю стену палатки предводителя. В некоторых комедиях действие переносилось из одного месте в другое (например, из города в деревню, с земли в подземное царство и т. д.), причём в театре они располагались рядом. Содержание греческой драмы требовало применения театральных машин. “Божества взлетали вверх и спускались вниз с помощью блоков, причем от зрителей ничего не скрывалось и всегда были видны веревка и крюк, которым зацепляли за пояс “парящего в воздухе” актера. Существовало в древности латинское выражение Deus ex machina (бог из машины). С помощью этих машин на сцену являлось божество и легко разрешало чересчур усложнившиеся взаимотношения действующих лиц.” Наиболее употребительными были: эккиклема (в трагедиях, обычно сцены убийства), эорема

1.6 Виды древнегреческих театров (историография)

Театр классической эпохи

Театр Диониса в Афинах. Древнейшим из известных театральных зданий является театр Диониса в Афинах, расположенный в священной ограде Диониса на юго-восточном склоне Акрополя в последующие эпохи несколько раз перестраивавшийся. Его раскопки были завершены в 1895 г. Дёрпфельдом. По двум незначительным остаткам стены Дёрнфельд установил круглую орхестру — террасу с диаметром 27 м. (Э. Фихтер считает диаметр этой орхестры равным приблизительно 20 м). Она была расположена на склоне Акрополя таким образом, что её северная часть вдавалась в гору, а южная — подпиралась стеной, поднимавшейся в самой южной части на 2-3 м над уровнем священной ограды Диониса и на западе вплотную соприкасавшейся с старым храмом. Никаких каменных сидений в этом театре еще не было: зрители сидели на деревянных скамьях, а, может быть, на первых порах и просто стояли. Византийский учёный Свида сообщает, что в 70-ю олимпиаду (т. е. в 499—496 до и. э.) временные сидения обрушились и что после этого афиняне соорудили театрон, т. е. особые места для зрителей. Скена вначале не обозначала дворца или храма. Однако более поздние пьесы Эсхила и драмы Софокла уже требовали в качестве задника дворца или храма, и на касательной орхестры стали сооружать деревянное здание скены, на фасаде которого вскоре появились 3 двери. В это же время входит в обиход и сценическая живопись, причём расписные доски могли расставляться между колоннами проскения. При Перикле театр подвергся перестройке, закончившейся, вероятно, после его смерти. Старая орхестра была отодвинута к северу. Таким образом, было достигнуто несколько большее пространство для представления актёров и для сценических приспособлений, требовавшихся развитием драмы Софокла и Еврипида. Южная граница террасы была полностью перестроена, и вместо старой кривой опорной стены была сооружена из крупных глыб конгломерата длинная (около 62 м) прямая стена, поддерживавшая террасу. На расстоянии приблизительно 20,7 м от западного конца стены выступает к Скене примерно на 2,7 м солидный фундамент, имеющий в длину около 7,9 м. Предполагают, что он служил опорой для машин, применявшихся в театре. Но сама скена была еще из дерева. Несколько южнее старого храма был построен новый храм Диониса, в котором была помещена статуя бога из золота и слоновой кости, изваянная Алкаменом. Опорные стены зрительских мест соприкасались с одеоном — зданием для музыкальных состязаний, постройка которого была закончена Периклом в 443 до н. э. Сидения в этом перестроенном театре были всё еще из дерева, за исключением, может быть, некоторых почётных мест. Имелись параскении. Здание скены при постановке, требовавшей изображения дворца или дома, было обычно двухэтажным, причём верхний этаж, возможно, несколько отступал назад и оставлял актёрам пространство спереди и с боков. Храм мог иметь остроконечный фронтон. Перикловская реконструкция была завершена сооружением стоп — большого зала, идущего вдоль всей длины новой опорной стены, с открытой колоннадой на его южной стороне. Следующая большая перестройка афинского театра происходила во 2-й пол. 4 в. до н.э. (завершена ок. 330) и была связана с именем Ликурга, заведовавшего афинскими финансами. Вместо временных деревянных строений была построена постоянная каменная скена. Параскении выступали прибл. на 5 м от фасада скены. Фасад скены имел 3 двери. Вероятно, по фасаду и на своих внутренних сторонах параскении имели колонны. Некоторые учёные считают, что в каменном театре Ликурга существовал деревянный проскений, несколько отступавший от здания скены и образовывавший портик (подобно тому, как это было позднее в эллинистическом театре). Пьесы разыгрывались по-прежнему на уровне орхестры, перед скеной, фасад которой приспосабливался (с помощью подвижных ширм, перегородок и других приспособлении) для представления отдельных пьес. Зрительские места, значительную часть которых можно видеть в Афинах до сих пор), были сооружены из камня. Для поддержки их была построена двойная опорная стена. В нижнем ярусе пространство мест для зрителей делилось радиально подымающимися лестницами на 13 клиньев. В верхнем ярусе число лестниц удваивалось. Всего на склоне холма имелось 78 рядов. Орхестра была несколько отодвинута ещё дальше на север. Вокруг орхестры для стока дождевой воды был устроен канал.

Театр эллинистической эпохи

В эпоху эллионизма (III – I вв. до н.э.) театр стал одним из проводников греческой культуры на Востоке. Театры строились не только во вновь возникших крупных торговых центрах, но и в мелких городах. В Александрии – столице царства Птолемеев в Египте, при Птолемее II (285 – 246 до н.э.) происходили празднества в честь Диониса, обставлявшиеся с большой пышностью, во время которых устраивались представления трагедий и комедий. Монархический режим, установившийся в эллинистических государствах и происходивший постепенный упадок греческой классической культуры, проявляется в театре и в других видах искусства. Древняя комедия совсем исчезает. Новая комедия (Менандр, Филемон и другие) воспроизводила современную жизнь только в плане семейно-бытовых отношений и личных переживаний человека. В то же время бытовые тенденции новой комедии требовали от исполнителей соответствующего изменения стиля игры. На лице актера все еще сохранилась маска, но увеличилось число употребляемых масок (9 для ролей мужчин, 17 для женщин, 11 для юношей и 7 для рабов), выразительность этих масок указывает на стремление, возможно, более индивидуализировать традиционные типы комедии. В эллинистическую эпоху впервые выступают актеры-профессионалы. Появляются актерские товарищества, бравшие на себя защиту интересов своих членов, а также выступающие организаторами драматических и музыкальных состязаний. Членами товариществ были только мужчины и притом свободнорожденные. В эллинистическую эпоху актеры также пользовались большим уважением, и актерские товарищества имели права юридического лица. Для организации представлений актеры даже во время войны могли свободно выезжать в другие государства, их личность и имущество были не прикосновенны. Сами актеры получали освобождение от несения военной службы.

По своей архитектуре театр эллинистической эпохи отличается от театра классической эпохи. До нас дошли руины эллинистических театров, так как они сооружались уже из камня (хотя отдельные части строились иногда еще из дерева). Раскопки позволяют с большой точностью восстановить их план и составные части. Из театров эллинистической эпохи известны театры в Эпидавре, Мегало-поле (города в Пелопоннесе), Приене, Эфесе (Малая Азия). Перед нижним этажом скены каменную пристройку, состоящую из столбов с помещенными спереди полуколоннами (в некоторых театрах из полуколонн и полных колонн) и снабженную плоской крышей. Эта пристройка в надписи Оропа называется проскением, в строительных документах Делоса (ок. 300 доя. э.) — проскением и логейоном. Постановки новой комедии, в которой хор уже отсутствовал, осуществлялись не на орхестре, а на плоской крыше, идущей от колонн проскения ко 2-му этажу скены. Эту сценическую площадку называли логейоном (говорю), а иногда и просто проскением. Глубина логейона — 2,5—3,5 м при такой же примерно высоте. Помещение под проскением называлось гипоскением. За логейоном возвышался 2-й этаж скены—эпискений. Его фасад, по мнению ряда исследователей (Бете, Фих-тер. Булле, М. Бибер), представлял собой в начале эллинистической эпохи солидную стену с дверями, перед которой и разыгрывалось действие. Однако приблизительно во 2 в. до н.э. в стене были сделаны широкие проёмы и таким образом устроены выходы из эпискения на логейон. Эти проёмы, называемые фиромами, служили не только для появления актёров, но и для углубления сценической площадки; в них прятались актёры, которые по пьесе должны были укрываться или заниматься подслушиванием.

Витрувий в своём трактате «Об архитектуре» (кн. 5, гл. 6,8) упоминает о вращающихся вокруг своей оси трёхгранных призмах—периактах, с помощью которых происходила смена декораций. Эти периакты, вероятно, помещались в боковых фиромах. Во всех театрах эллинистической эпохи орхестра образует полный или почти полный круг. Её диаметр варьирует в зависимости от величины зданий приблизительно от 11 (0роп) до 30 м (Мегалополь). Скена обычно имеет повсюду форму удлиненного четырёхугольника, средняя глубина которого равна 4—7 м, а максимальная ширина 35—40 м. Параскении в эллинистическую эпоху постепенно отмирают, что объясняется появлением высокой сцены. При указанных чертах сходства каждый в отдельности из эллинистических театров имел в своём устройстве ряд особенностей. Некоторые из этих театров были построены еще в 5 (театр в Эретрии) и 4 вв. до н.э., но в эллинистическую эпоху подверглись значит, перестройке.

Театр в Эпидавре. Театр был построен середине 4 в. до н.э. архитектором Поликлетом Младшим. Этот театр, по свидетельству греческого историка и географа 2 в. н.э. Павсания, уже в древности считался самым знаменитым из всех греческих и римских театров по изяществу своей архитектурной формы. Сохранившийся лучше других греческих театров театр в Эпидавре— единственный театр, руины которого дают возможность получить представление о внутреннем устройстве скены. Пространство мест для зрителей представляет собой полукруг. Поперечный проход разделяет его на 2 яруса: 13 лестниц делят нижний ярус на 12 клиньев, 23 лестницы верхнего яруса делят его на 22 клина. Сиденья в нижнем и верхнем рядах первого яруса имеют спинки и являются, следовательно, почётными местами. Орхестра составляет полный круг диаметром 24,32 м. Вокруг орхестры идёт канал для стока воды. Поверхность орхестры, окаймленная каменным бордюром, представляет собой утрамбованную землю, цилиндрический камень обозначает центр орхестры. Здание скены в основных очертаниях хорошо сохранилось. Она представляет собой длинный прямоугольник, разделённый на 5 помещений. Центральное из них соответствует по своей длине диаметру орхестры. Перед тремя средними помещениями находился каменный проскений, состоявший из ионических полуколонн диаметром 0,33 м и высотой св. 3,5 м. По мнению некоторых исследователей (Дёрпфельд, Фликингер, Пикард-Кембридж), он был выстроен только в 3 или 2 в. до н.э. и заменил собой деревянный проскений. На обоих концах каменного проскения выступают небольшие параскении, сооруженные, по-видимому, в это же время. В каждом народе стоят красивые ворота с двумя дверями: одна дверь вела на орхестру, другая — на покатый подъём, ведущий на крышу проскения. С сооружением каменного проскения действие, по всей вероятности, было перенесено на логейон.

Театр в Мегалополе. Театр был сооружен перед Терсилионом — помещением для собраний 10 тыс. аркадян. Великолепное здание Терсилиона было построено в сер. 4 в. до н. э., тогда же был построен и театр. Терсилион поддерживался множеством колонн, его вестибюль служил вместо скены как завершение орхестры. Театр в Мегалополе, считавшийся самым большим во всей Греции (вмещал св. 40 тыс. зрителей), был известен, кроме того, особым театр, приспособлением, которое позже римляне обозначали как «подвижную сцену» (scaena ductilis). В одном из пародов театра существовало помещение, обозначавшееся, согласно клеймам на кирпичах, как скенотека. Дерпфельд полагает, что это помещение служило для хранения «подвижной сцены», которую он определяет как кулису, выдвигавшуюся в случае необходимости перед вестибюлем Терсилиона. Однако Бете и Фихтер считают, что «подвижная сцена», хранившаяся в скенотеке, представляла собой подвижный деревянный помост, сооружавшийся для драматических представлений между орхестрой и Терсилионом и заменявший скену. Около 200 до н.э. (а по мнению Пикард-Кембриджа — около середины 2 в. до н.э.) в театре был построен мраморный проскений и с этого времени представления шли уже на высокой сцене.

Театр в Приене. Театр был построен между 350 и 330 до н. э. (немецкий учёный А.Геркан указывает 300 до н.э.). Вначале скена была деревянной. Каменная скена была выстроена не раньше начала 3 в. до н.э. Она представляла собой двухэтажное строение с одноэтажным зданием спереди, выходящим на орхестру. Плоская крыша этого более никакого здания состояла из деревянных досок, помещенных между каменными балками. Передняя стена состояла из каменных полуколонн, прислонённых к опорным столбам. Так как имелись отверстия по бокам опор, то, очевидно, к ним могли быть прикреплены деревянные панели. Следовательно, колонны представляли собой постоянную декорацию, а расписанные доски между ними — меняющуюся декорацию. По мнению А.Геркана, верхний этаж над плоской крышей был сперва закрыт за исключением одной двери. Существование только одной двери для выхода на крышу проскения, а также наличие приспособлений для укрепления декораций между колонами проскения заставляют сделать вывод, что действие развивалось вначале перед проскением. Однако приблизительно к середине II в. до н. э. действие было перенесено на крышу проскения, на логейон. Это вытекает из некоторых изменений, произведенных в театральном здании: места для почётных гостей были отнесены из первого ряда зрительских мест в пятый, в фасаде скены на 2-м этаже появились широкие фиромы, на орхестре перед проскением были поставлены статуи.

Театр в Пергаме. Пергам — столица эллинистического Пергамского царства в Малой Азии (создано в 283 до н. э. Филетером), перешедшего в 133 до н.э. к римлянам и превращённого ими в провинцию Азию. Театр был построен на склоне путей горы в узкой лощине (узость использованной лощины объясняет то обстоятельство, что число лестниц, идущих вверх, уменьшается, вместо того чтобы увеличиваться). 2 поперечных прохода разделяют зрительские места на 3 яруса. Скена и проскений были сделаны из дерева. Если в классическую эпоху это было правилом, то в эллинистическую эпоху скена и проскений сооружались почти всегда из камня, деревянные конструкции там, где они имелись, были заменены, вероятно, еще в 3 в. до н.э. каменными. Таким образом, Пергамский театр один сохранял значительные остатки деревянной конструкции от 2 в. до н. э. В позднее эллинистическое время (1 в. до н.э.) в Пергаме была сооружена каменная скена. В римское время перед фасадом скены соорудили низкую глубокую сцену, которая стоит на стилобате эллинистического проскения. От обоих концов сцены высотой в 1 м вели на орхестру рядом с пародами лестницы с 5 ступеньками.

Театр Ликурга. Построен в эллинистическую эпоху в Афинах, получивший по образцу древних театров этой эпохи высокую сцену, поддерживавшуюся впереди колоннами проскения (фундамент которого еще до сих пор можно различить). Параскении были укорочены, выступая только на 1,8 м от фасада проскения. Благодаря этому было выиграно пространство для устройства более широких пародов и облегчения доступа к зрительским местам. О фасаде скены, её внутреннем устройстве в эллинистическом театре в Афинах нет никаких сведений. Существуют разногласия о времени появления высокой сцены в афинском театре. Вероятно, она появилась незадолго до середины 2 в. до н.э. С этого времени пьесы стали разыгрываться, возможно и в Афинах, не перед проскением, а на логейоне, за исключением, быть может, тех случаев, когда возобновлялись старые трагедии с хором (Дёрпфельд считал, что проскений всегда был только декорационной стеной и что в эпоху эллинизма актеры играли не на высокой сцене, а на орхестре перед проскением

2. Древнегреческая скульптура

2.1 Геометрика

Основой греческого искусства в эпоху геометрики (IX—VIII вв. до н. э.) стали схематичные бронзовые статуэтки и большие расписные сосуды. В росписях преобладал геометрический стиль, получивший свое название по четким, логически ясным формам основных приемов росписи: ромб, квадрат, прямоугольник, круг, зигзаг, линия. Изделия, произведенные в различных художественных центрах — на острове Фера (ныне Санторин), в пелопонесском Аргосе, в Афинах и т. д. — все были выполнены в едином стиле.

Амфоры эпохи геометрики, большие и стройные, отчасти напоминают фигуру богини — владычицы подземного мира. Отдельные части сосудов строго отделены друг от друга: тулово (основная часть), горло, шейка, венчик, ручки и ножки. В каждом таком сосуде заключена информация о мире — не только в его внешней форме, но также и в росписи. Каждый символ росписи сосуда являлся деталью условного изображения устройства мира. По мере развития греческого искусства геометрики форма ваз и характер их росписей становятся все монументальнее и строже, а их декор от схематической волнистой горизонтали, передающей образ первостихии — воды, переходит к все более продуманным, сложным и строго выстроенным образам.

Стиль эпохи великолепно передает амфора VIII в. до н. э. из Афин, некогда служившая надгробием. Впервые у греков громадный сосуд оказался связанным с захоронением, но при этом оставался на земле как памятник человеку. Высота сосуда достигает полутора метров, его форма отчасти является человекоподобной. В могиле был найден скромный двойник этой амфоры, хранящий прах усопшего. Эти два сосуда были установлены на одном уровне и сообщались друг с другом. По особым, памятным дням в большой сосуд наливали жертвенную жидкость, которая просачивалась в могилу, ибо у большого сосуда перед его установкой отбивали ножку и часть донышка. Таким образом, большая амфора выполняла функции ритуального сосуда. Здесь загробный мир уже совершенно четко отделен от земного. У многих народов (например, у египтян, этрусков) такая грань так и не была достигнута, и их искусство до конца оставалось «загробным». Большая амфора всецело связана с ритуалом перехода. В сплошном поле геометрических узоров-знаков особенно выделяется ленточный орнамент, образованный изломанной под прямым углом линией, — меандр. Обращает на себя внимание фигурная сцена, исполненная очень схематично. Это оплакивание лежащего на ложе человека. Оплакивание — один из важнейших ритуалов, исполнявшихся после смерти человека, чтобы снова вернуть его к жизни. Идея «вечного возвращения», свойственная древности вообще, нашла здесь особое признание. Она выразилась в двух основных мотивах, использовавшихся для украшения геометрических ваз, — оплакивание и траурный выезд к некрополю. Появление фигурных композиций знаменовало рождение нового стиля.

В VIII в. до н. э. в Греции еще не было ни развитых архитектурных стилей, ни монументальной скульптуры, ни живописи. В силу этого язык росписей был знаковым, сродни идеографическому письму, использующему условные письменные знаки, фигуры. Например, лежащая фигура символизирует смерть, стоящая — жизнь, стоящая со склоненной головой — готовность к жертвоприношению.

Для геометрических сосудов характерна чрезвычайно хорошая устойчивость (статуарность), впечатление внутренней весомости. Именно это качество стало неотъемлемым свойством архитектуры, которая зародилась в VIII в. до н. э., но начала бурно развиваться лишь в эпоху архаики (VII—VI вв. до н. э.).

2.2 Архаика

Скульптура эпохи архаики тесно связана с архитектурой, т. к. обычно скульптура предназначалась для религиозных комплексов и украшала фронтоны зданий. Живопись, по традиции, тоже была очень близка и к архитектуре, и к скульптуре, ибо скульптуру раскрашивали, иногда в невероятно яркие, фантастические цвета. Композиции архаических храмов, которые часто помещались на фронтонах (в частности, замечательные фрагменты афинского Акрополя), также связывались с идеей происхождения мира, а потому их главной героиней часто выступала Горгона Медуза. В древнегреческой мифологии герой Персей обезглавил ее, что означало сотворение мира. В скульптуре того времени этот подвиг выглядит наивно, празднично: фигуры обращают свои головы к зрителю, а превосходящая их размерами Медуза предстает сказочным монстром. Статуи уменьшались соответственно склонам фронтона, и если Горгону помещали в центре, то в углах изображали каких-нибудь зверей или крошечных человечков-героев. Архаический мир был насквозь мифичен, однако он уже лишен «страха и ужаса», которым наполнен мир Древнего Востока. Он драматичен по содержанию, но ярок и светел по духу. Отдельные статуи вначале слишком напоминают колонны: руки тесно прижаты к телу, ступни стоят на одном уровне. У мужских и женских фигур сходные пропорции: тонкие талии и широкие плечи, с той лишь разницей, что мужские фигуры, как правило, предстают обнаженными, в то время как женские изображаются в одеяниях. Вместе с тем фигуры ранней поры удивительно органичны, они словно живут внутри камня и сохраняют в нем свою божественную душу. Таковы, например, знаменитые статуи Геры Самосской и Артемиды с острова Делос.

Однако со временем фигуры стали отделяться от каменного блока и «выходить» в реальное пространство. К концу VI — началу V в. до н. э. пропорции женских фигур, называемых статуями кор, и мужских фигур, называемых статуями куросов, становятся более естественными, а их движения — более свободными. При этом куросы остаются обнаженными, а коры предстают в сложных одеяниях, как показывают прекрасные памятники, найденные исследователями на афинском Акрополе. Девушки кокетливо поддерживают сбоку свои тонкие гофрированные хитоны. На их лицах сияет радостная улыбка. Сложные одеяния, принадлежностью которых был короткий косой хитон, наброшенный на грудь, скрывают пластику тела. В 30-е гг. VI в. до н. э. у кор появились строгие дорийские уборы — пеплосы, которые стали основным одеянием классической эпохи. Формы тела становятся более крепкими, реальными, а к началу греко-персидских войн с архаических лиц исчезает улыбка. Позднее статуи куросов, например Аристодика, служившего надгробным памятником, приобретают свободный пластический объем.

Архаическая скованность гораздо дольше сохранялась в рельефе. Мемориальная стела воина Аристиона, выполненная скульптором Аристоклом, создана около 510 г. до н. э. Его образ еще очень условен, лишен индивидуальных черт. Изображенная в профиль фигура скована, она скорее похожа на силуэт и в архаическом стиле богато раскрашена. Однако здесь появляется некое новшество, а именно: рельеф изображает воина в его торжественном воинском одеянии, в отличие от микенских рельефов, представлявших жестокие сцены войны или охоты. Фигура является частью высокой узкой стелы (на таких стелах фигуры изображались далеко не всегда, иногда лишь высекалось имя). Фигура воина выполнена в технике барельефа (низкого рельефа). В дальнейшем стремление художника отделить изображение от плоскости стены приведет к развитию техники горельефа (высокого рельефа).

2.3 Ранняя классика

Тема искоренения произвола и воцарения здравомыслия проходит сквозь все памятники той эпохи. В 60-е гг. V в. до н. э. был заново отстроен храм Зевса в Олимпии — важнейшее общеэллинское святилище, где раз в четыре года проводились всемирно известные Олимпийские игры. Оба фронтона в храме, выстроенном архитектором Либоном, имели мраморные скульптурные группы (ныне хранятся в музее Олимпии). На западном фронтоне изображена битва лапифов с кентаврами, произошедшая во время брачного пира царя Пирифоя. На восточном фронтоне представлена композиция, на которой Эномай и Пелопс готовятся к состязанию на колесницах. Пелопс прибыл из Малой Азии просить руки Гипподамии, дочери царя Эномая. Как и прежних претендентов, Эномай вызвал Пелопса на состязание. Пелопс хитростью погубил старого царя, заручившись поддержкой возничего. Спокойствие героев иллюзорно, они все напряжены в ожидании исхода. Эномай подбоченился, Пелопс, как победитель, одет в золотой панцирь. Рядом с ними стоят женщины, а чуть дальше — загадочные статуи жрецов, мальчиков, а также возлежащие фигуры мужчин, символизирующие реки Алфей и Кладей, в долине которых проходили состязания.

Древнегреческие святилища, в том числе и дельфийское, были настоящими музеями под открытым небом. Города, правители и отдельные граждане преподносили им ценные дары — вотивы. Это фигурки людей, животных и демонов, изготовленные как из золота, так и из обычных материалов, которые посвящались богам, ибо были обещаны им в «особых» ситуациях. Вотивы ставились как вдоль священной дороги, так и в прочих доступных местах. Павсаний упоминает, что одним только Нероном из Дельф было вывезено семьдесят тысяч памятников. Многочисленные вотивы, находившиеся на территории святилища, не нарушали его гармонии, ибо находились с ним в единой смысловой и эстетической связи.

Образы строгого стиля — в прямом смысле строгие. Так, статуя возничего из Дельф глубоко отражает идеалы эпохи. Она была посвящена Аполлону одним из правителей Южной Италии. Фигура до половины закрыта колесницей, однако все видимые детали проработаны с величайшей тщательностью: и пальцы ног, и вздувшиеся вены, и каннелюры — вертикальные желобки, покрывающие одеяния. Лица строгого стиля суровы. Для них характерны правильные черты, тяжелый, массивный подбородок, гладкая, низко опускающаяся на лоб прическа.

В это время творил один из величайших ваятелей V в. до н. э. Мирон. Им была создана знаменитая статуя метателя диска — «Дискобол», несохранившаяся до наших дней, но реконструированная благодаря римским копиям. Статуя была сделана из бронзы, как и большинство других статуй строгого стиля, что вполне соответствовало духу времени. «Дискобол» замечателен остроумием замысла: он и стремительно движется, и одновременно неподвижен. Отличительной чертой этой статуи являются диспропорции, специально внесенные в нее с учетом оптических поправок: лицо юноши, если его рассматривать анфас, ассиметрично, голова расположена в сильном наклоне, в результате возникают оптические эффекты, способствующие удивительно цельному восприятию этого лица. Такой же необычностью замысла отмечена его бронзовая скульптурная группа «Афина и Марсий», стоявшая на афинском Акрополе.

2.4 Высокая классика

К середине V в. до н. э. острота раннеклассического стиля постепенно изжила себя. Искусство Греции вступило в полосу расцвета. Повсюду после персидских разрушений отстраивали города, возводили храмы, общественные здания и святилища. В Афинах с 449 г. до н. э. правил Перикл, высокообразованный человек, объединивший вокруг себя все лучшие умы Эллады: его друзьями были философ Анаксагор, художник Поликлет и скульптор Фидий. Именно Фидий заново отстроил афинский Акрополь, ансамбль которого считается красивейшим в мире.

Афинский акрополь стоял на высокой отвесной скале, возвышающейся над городом. Акрополь был средоточием всех афинских святынь. По замыслу архитектора Мнесикла был возведен великолепный входной портик в святилище, оформленный ионическими колоннами. Слева к Пропилеям (парадным воротам) примыкало здание пинакотеки — картинной галереи, в которой находились изображения славных героев Аттики, а при входе стояли статуи богов-охранителей: Гермеса и Гекаты — трехтелой, трехликой богини ночи и призраков. Справа, на самом уступе скалы, приютился крошечный, очень изящный храм Ники Аптерос (Бескрылой). Храм Ники был обнесен балюстрадой — ограждением, состоящим из невысоких рельефных плит со сценами жертвоприношений. Среди рельефов, принесших этому сооружению мировую известность, — знаменитое изображение «Ники, развязывающей сандалию». Пройдя Пропилеи, посетитель оказывался на удлиненной площади, в древности разделенной на несколько участков, где почитали Артемиду-медведицу, змееногого бога Кекропса и трех его дочерей — богинь росы. При Перикле в южной части площади начали строить большой дорический храм — Парфенон, посвященный Афине Парфенос (Деве). Напротив него, в северной части, начали возводить Эрехтейон, хранивший самые древние реликвии и посвященный Афине Полиаде (Матери) и ее супругу Посейдону Эрехтею. В Эрехтейоне находился архаичный ритуальный бассейн (Эрехтеево море), по преданию высеченный в скале Посейдоном во время спора с Афиной. Рядом росла священная олива, согласно тому же преданию, посаженная богиней.

Парфенон, выстроенный в середине V в. до н. э. архитекторами Иктином и Калликратом, стал одним из прекраснейших эллинских храмов. Огромный и могучий, он стоял на возвышающемся над городом участке голой скалы. По торцевым фасадам храм имел по восемь колонн, по боковым — семнадцать. Храм производил впечатление в высшей степени гармоничного сооружения благодаря одновременному использованию двух ордеров — дорического и ионического. Дорическими были наружные колонны храма, а стены храма венчал непрерывный ионический фриз. Если снаружи храм украшали сцены жестоких сражений, исполненные в традициях строгого стиля, то внутренний фриз изображал вполне мирное событие — торжественное шествие афинян на празднике Великих Панафиней (праздник в честь богини Афины, проходивший раз в четыре года). Во время праздника на корабле везли новое одеяние для богини — пеплос. Этот дар был знаком ее воскресения. На фризе всеафинское шествие было представлено в мерном, праздничном ритме: знатные старцы с ветвями в руках, девушки в новых хитонах и пеплосах, музыканты, жрецы, всадники на вздыбленных, волнующихся конях. Рельеф имел высоту один метр и был высечен на самом здании. По своей красоте, гармоничности, совершенству форм и единству ритма это произведение не имеет себе равных в мировом искусстве.

Фронтоны храма были заполнены скульптурой (Фидий. Лапиф и кентавр), прославившей эллинов на все времена, ваятели работали под наблюдением Фидия и по его программе. На западном фронтоне, обращенном к Пропилеям, был представлен миф о споре Афины с Посейдоном за обладание греческой областью Аттикой. Афиняне, как известно, предпочли богиню, даровавшую им оливковую рощу. Оба бога были изображены в центре на колесницах со вздыбленными конями. За ними сидели боги и герои Аттики, присутствовавшие во время исторического спора. Главный (восточный) фронтон представлял миф о рождении Афины из головы Зевса (статуи богинь с восточного фронтона). В XVII в. скульптуры Парфенона были сильно повреждены. Остатки уцелевших памятников, а также ряд плит фриза в 1801 г. выломал лорд Эльджин, благодаря которому они попали в Британский музей.

Строгий стиль подошел вплотную к портретному видению людей. Герои Мирона имеют индивидуальные, неповторимые черты. Фидий же нивелирует все особенное, мешающее воплощению общего. Красивые овальные лица приобретают идеальные черты: большие глаза, выразительный рот, высокий, сливающийся с линией носа лоб — черты, которые впоследствии получили название классического греческого профиля. Формы тела также приобретают идеальные пропорции, наливаются силой и мощью. Эпоха классики, особенно высокой (450—400 гг. до н. э.), не терпела моделей с изъянами, считалось, что в человеке все должно быть совершенным. Даже на Перикла, блиставшего умом и красотой, равно как и благородством духа, скульптор Кресилай надел шлем, чтобы скрыть слегка удлиненную форму черепа.

Внутри Парфенона стояла колоссальная статуя Афины Парфенос работы Фидия. Статуя была выполнена из слоновой кости и золота на деревянном каркасе. Статуя сохранилась лишь в римских копиях, из которых наиболее достоверна мраморная «Статуэтка из Варвакиона». Богиня представлена как средоточие всех духовных ценностей Парфенона, она воплощает идеи и образы храма. На пьедестале статуи изображено рождение первой женщины — Пандоры. На ребрах божественных сандалий — битва греков с кентаврами (которая изображена также на южном фризе храма), на гребне шлема — сфинкс и пегасы, на внешней стороне огромного щита — битва греков с амазонками (изображенная также на западной стене). На внутренней поверхности щита, полузакрытой свернувшейся фигурой змея, брат Фидия Панен написал сцену битвы богов с гигантами, вышитую на панафинейском пеплосе богини (та же сцена на восточном фризе). В руке Афина держала подпираемую массивной колонной статую богини победы Ники.

Воинственный образ Афины Фидий представил также в другом материале — бронзе. Огромная статуя Афины Промахос (Путеводительницы в битвах) стояла на акропольской площади, золоченый кончик ее копья был виден морякам, подплывающим к Аттике.

Эрехтейон был достроен позднее, около 410 г. до н. э. Здание неоднократно перекладывалось в XX в. н. э. На фоне грандиозного Парфенона изящный Эрехтейон с тремя портиками и статуями кариатид (девушек, несущих перекрытие) кажется волшебной игрушкой.

Великое и малое, архаичное и современное, грандиозное и интимное гармонично слилось в афинском Акрополе. Этот грандиозный архитектурный комплекс и сегодня остается эталоном естественности, красоты и благородного вкуса.

Младший современник Фидия, аргосский скульптор Поликлет, прославился статуями атлетов. В массе римских копий были найдены скульптуры, известные в описаниях древних авторов под названиями «Дорифор» и «Диадумен». Обе статуи, замечательные своей пластической красотой, были отлиты из бронзы. «Дорифор», возможно, представляющий героя Троянской войны, показан спокойно стоящим. В то же время он кажется шагающим: правая нога выдвинута вперед, левая отставлена. На плече его копье. Могучая фигура героя создана скульптором не «на глаз», а в строгом соответствии с пропорциями, определяющими строение идеальной человеческой фигуры. Итог своим теоретическим изысканиям скульптор подвел в своем трактате «Канон». В последние годы Поликлет стал вносить в свои произведения ноты лиризма. Его «Диадумен» широко раскинул руки, ритм его движений более легкий и стремительный. Завязывая диадему вокруг головы, этот юноша (возможно, это сам бог Аполлон) целиком погружен в свое занятие, замкнувшись в сфере самосозерцания.

2.5. Поздняя классика

В 30-е гг. V в. до н. э. Эллада переживала политический кризис (была проиграна война со Спартой, в конце десятилетия погиб Перикл), который отразился в искусстве поздней классики (400—323 гг. до н. э.). В этот период в искусстве проявились две основные тенденции. Традиция Фидия сохранялась до гибели античного мира под ударами варварских племен (IV в. н. э.). На ее фоне наметился, с одной стороны, уход в патетическую героику, с другой — в индивидуальный, возвышенно-лирический мир. Выразителями этих двух направлений были великие мастера IV в. до н. э. — паросец Скопас и афинянин Пракситель.

Скопас тяготел к пафосу. Работал по заказам в разных уголках мира, в том числе и в Малой Азии, где трудился над сценой битвы амазонок — амазономахии, предназначенной для Галикарнасского мавзолея. Мавзолей в Галикарнасе соорудил для себя и своей жены правитель Карии Мавсол. Рельеф Скопаса изображал поединок греков с амазонками, фигуры сражающихся были насыщены драматизмом.

Голова раненого воина из храма Афины Аллеи в Теге показывает Скопаса глубинным реформатором концепции Фидия. Под его резцом прежде прекрасная форма искажается: физическое страдание делает человека некрасивым, обезображивает его лицо. Таким образом, фундаментальный нравственный принцип древнегреческого искусства оказался нарушен: красота уступает место боли, боль изменяет облик человека, из его груди вырывается стон. Пропорции лица искажены: голова становится почти кубической и сплюснутой. Такой выразительности образ скорби еще не достигал.

Знаменитая «Вакханка» — небольшая статуэтка служительницы культа Диониса — представляет Скопаса мастером новых пластических решений. Полуобнаженная, в дикой пляске, фигура уже не стоит и не поворачивается, а вращается вокруг своей оси в стремительном движении. В страстном порыве вакханка разрывает на части животное, на глазах зрителя совершается кровавый ритуал.

К лучшим творениям эллинов принадлежит скульптура «Аполлона Бельведерского», приписываемая скульптору Леохару. Аполлон идет, осеняя все вокруг своей ослепительной славой.

Скульптор Пракситель был мастером лирических божественных образов. Сохранилось много римских копий его работ: «Молодой сатир», «Аполлон, убивающий ящерицу», «Эрот» и др. Наибольшей известностью пользуется его скульптура Афродиты, сделанная по заказу острова Коса, но перекупленная жителями острова Книд и потому получившая название «Афродита Книдская». Сохранившиеся копии не передают красоту богини, которая была изумительна, судя по элегантности работ этого мастера. Впервые в древнегреческом искусстве Афродита предстает обнаженной. Готовые скульптуры Пракситель обычно отдавал для дальнейшей обработки Никию, который тонировал их воском и слегка оживлял цветом.

Одна из работ великого мастера дошла до наших дней в подлиннике. Это «Гермес с младенцем Дионисом». Группа была посвящена в храм Геры в Олимпии, где ее и нашли при раскопках. Утрачены лишь ноги и кисть руки Гермеса, держащая виноградную гроздь. Посланец богов, несущий младенца на воспитание нимфам, отдыхает в пути.

На рубеже греческой классики и эллинизма работал еще один великий ваятель — Лисипп, придворный скульптор Александра Македонского. Лисипп пробовал себя в разных жанрах («Гермес, завязывающий сандалию», «Геркулес Фарнезский»), но более всего ему удавались изображения атлетов. Главная его работа — «Апоксиомен» — изображает юношу, счищающего с себя песок после состязаний (греческие атлеты натирали тело маслом, поэтому во время состязаний к ним прилипал песок). Она существенно отличается от произведений поздней классики, в том числе от работ Поликлета. У Лисиппа поза атлета становится более свободной, изменяются и пропорции тела: в частности, голова составляет одну седьмую часть тела, а не одну шестую, как у Поликлета. Фигуры Лисиппа более стройные, естественные и подвижные. Однако, по сравнению с творениями высокой классики, в них исчезает нечто важное — персонаж перестает быть героем, низводится до уровня обыкновенного человека.

В эпоху поздней классики возник особый жанр мемориальных стел. Искусство надгробного рельефа достигло своего расцвета в IV в. до н. э. В погребения клали изумительные по тонкости исполнения и выразительности белые лекифы (сосуды), на которых изображались встречи живых с умершими в ритуальные дни. Над захоронениями же ставили мраморные надгробия, украшенные высокими рельефами, которые уже почти «вышли» из стены, вплотную приблизившись к скульптурным телам, помещавшимся в эдикулы — ниши, обрамленные двумя небольшими колоннами или пилястрами с антаблементом и фронтончиком над ними. Такое оформление делало их похожими на храм, в котором происходит воображаемая встреча живых и умерших.

2.6 Искусство эпохи эллинизма

К концу IV в. до н. э. классический греческий мир, раздираемый внутренними противоречиями, практически изжил себя. Наступила новая эпоха: стирались границы, объединялись народы и культуры всей ойкумены (известного обитаемого мира). Этому способствовали великие завоевательные походы выдающегося македонского полководца Александра Великого. Со своей армией Александр покорил многие древние народы, дойдя до Индии и создав огромную империю. После смерти Александра в 323 г. до н. э. колоссальная монархия распалась на несколько областей, которыми управляли сподвижники покойного царя — диадохи. Наиболее развитыми областями бывшей империи Александра Македонского были Сирия с центром в Антиохии, Египет со столицей Александрией, Пергамское царство с центром в Пергаме. Греция же все больше пустела и превращалась в провинцию: мастера находили заказы при дворах новых правителей. При этом она оставалась главным средоточием эллинизма — художественной системы восприятия мира, запечатленной в творчестве великих мастеров. Искусство эпохи, наступившей после Александра Македонского, назвали эллинистическим, т. к. местные традиции и школы в каждой стране во многом подражали общепризнанному эллинскому стилю.

Были общие черты, роднившие искусство разных областей в IV—I вв. до н. э. Оно воплощало новую идею величия мира, объединенного на громадном пространстве эллинской культурой. Осуществлялись фантастические проекты: горы превращались в города, создавались исполины вроде медного Колосса Родосского (бога солнца Гелиоса) в гавани острова Родос. Стремление выйти за рамки человеческого и проникнуть в мир богов — одна из характерных черт искусства той эпохи. Александр Македонский называл себя новым Гераклом и новым Дионисом. Культ обожествленных правителей и их жен был традиционно популярен на Востоке и в Египте.

Раннеклассическое искусство до Фидия тоже любило драматические темы, но там конфликты не доводились до жестокого конца: боги всего лишь предупреждают провинившихся о последствиях их непослушания. В эпоху эллинизма они физически расправляются с врагами. В известном мифе об Аполлоне и Марсии скульпторы показывают сцену казни незадачливого флейтиста.

Одним из признанных шедевров эллинистического искусства является скульптурная группа «Лаокоон и его сыновья», созданная скульпторами Агесандром, Афинодором и Полидором. Боги наказали троянского жреца Лаокоона, наслав на него и его сыновей двух громадных змей. Лаокоон убеждал своих сограждан не вводить в Трою огромного деревянного коня, в котором спрятались лучшие греческие воины, утверждая, что это ловушка, придуманная хитроумным Одиссеем. Лаокоон тщетно пытается сорвать с себя змеиные путы. Яд постепенно разливается по телу жреца: его ноги уже онемели, но руки и торс продолжают бороться. В лице жреца читается страдание и боль, в то же время облик его сохраняет благородство и величие. Работа исполнена виртуозно. Анатомия человека передана с невиданной ранее тщательностью, доходящей до натурализма. Однако фигуры сыновей неубедительны — они напоминают уменьшенные копии взрослых.

Другим шедевром эллинистического искусства является скульптура богини победы — «Ника Самофракийская», созданная во II в. до н. э. Богиня изображена слетающей со своего постамента, представленного в виде кормы корабля. Ее прекрасное тело, облаченное в намокшие от воды одежды, показано в винтообразном повороте, широко применявшемся со времен Скопаса. Могучие крылья богини тяжело трепещут за ее спиной, каждое перо высечено с большой тщательностью. По своей поэтичности образ «Ники Самофракийской» превосходит все ранее созданные творения.

Помимо идеи величия и грандиозности мира, искусство эллинизма развивалось также и в ином направлении. Появились камерные образы, главным содержанием которых стала духовная жизнь. Одним из лучших памятников этого рода является так называемая «Венера Милосская», найденная на острове Мелос (ныне Милос). Богиня изображена полуобнаженной: ее одеяние, закутывая ноги и торс, одновременно является постаментом для открытых рук, которые показаны в движении. В эпоху эллинизма Афродита, безусловно, была одной из любимых богинь. Ее представляли то кокетливой, то задумчивой, то шаловливой. Афродита с острова Мелос строга и сдержанна. Ее волосы убраны в простую и строгую прическу с прямым пробором, лицо и фигура представлены скульптором довольно обобщенно. От всей ее позы, выражения лица и взгляда веет покоем и умиротворением.

Об интересе к духовному миру говорят портретные статуи, появившиеся уже в IV в. до н. э. Однако теперь, менее скованные классической традицией, они становятся более выразительными. Особенно выделяются портретные головы правителей эпохи эллинизма, часто изображаемые в необычных ситуациях и зачастую отличающиеся подлинным психологизмом. К ним можно причислить портрет Евтидема Бактрийского. Отсутствие нарочитости и идеальности, глубина передачи образа явились, безусловно, новым словом в скульптурном портрете.

Портреты философов знаменуют отход от классической системы, приверженной героическим идеалам, когда было принято изображать лишь «прекрасных и доблестных» граждан. Однако по мере того как стареет мир, стареет и культура. В этом смысле эпоху эллинизма можно назвать «осенью» древнегреческой культуры. Характерен для той эпохи и нетрадиционный выбор сюжетов: пьяные старухи, старые морщинистые рыбаки, слащавые женщины с томными взглядами и пухленькими губками, оригинальные сюжеты на грани жанрового искусства. Так, например, в Афинском музее хранится скульптурная группа «Афродита и Пан» (ок. 100 г. до н. э.). Козлоногий Пан, сын Гермеса, пытается ухаживать за прекрасной богиней. Шалун Эрот, изображенный в полете, предостерегающе хватает Пана за рога, давая понять, что тот переходит всякие границы. Афродита и сама отбивается от поклонника-урода, замахиваясь на него сандалией.

Заключение

Древнегреческая драматургия оказала огромное влияние на развитие мирового театра. Особенно в древнегреческой драматургии привлекает постановка больших общественно-политических и философских вопросов, насыщенность произведений античного театра идеями патриотизма, внимание к человеку со всем богатством его духовной жизни, глубокая обрисовка героических характеров, воспитывающая сознание зрителей.

Греческое искусство впервые достигло свободы в своих творениях не только в натуралистическом направлении, точно передавая анатомию тела и движения души, но и в независимости этого изображения от всех прочих духовных сил и от соседних миров искусств.

Красота греческого искусства состоит в его правде и свободе, кроме того, как и всякая художественная красота, она заключается в полном согласии формы с содержанием. Идеализм и реализм, стиль и природа сливаются в греческом искусстве в одно неразрывное целое. Греческое искусство воспроизводило действительность и выросло непосредственно из состязаний, объединивших эллинские племена со времени учреждения Олимпийских игр.

Ваяние – это та отрасль искусства, в которой греки научились наиболее совершенным образом сливать форму с содержанием и изображать небесное в земной оболочке, и притом лучше, чем это удавалось каким-либо другим народам.

Иллюстрации