Экспрессионизм. Изображение человека нестандартными выразительными средствами на основе работ Эгона Шиле

Подробнее о Культорологии: Скачать курсовую работу

Вид работы: Курсовая работа (т)
Предмет: Культурология
Язык: Русский , Формат файла: MS Word 670,7 Кб

Экспрессионизм. Изображение человека нестандартными выразительными средствами на основе работ Эгона Шиле

Министерство образования и науки Российской Федерации

Нижнетагильская государственная социально-педагогическая академия

Факультет художественного образования

Кафедра художественного образования

Курсовая работа на тему:

Экспрессионизм. Изображение человека, нестандартными выразительными средствами, на основе работ Эгона Шиле

Выполнила: Воробьева Е.Н. студентка 3 курса, ФХО.

Руководитель: Бахтеева Л.А., к.п.н.,

доцент кафедры ХО

Нижний Тагил

СОДЕРЖАНИЕ

Введение

Глава I. Понятие экспрессионизма

.1 Сущность экспрессионизма

.2 Художники экспрессионисты. Эгон Шиле, как наиболее яркий представитель экспрессионизма

Глава II. Особенности изображения человека

.1 Выразительные средства в изображение человека Эгона Шиле

.2 Женский и мужской образ в творчестве Эгона Шиле

.3 Мое видение человека в стиле экспрессионизм

Заключение

Список литературы

Приложения

ВВЕДЕНИЕ

Несмотря на то, что термин «экспрессионизм» широко используется в качестве справочного, в реальности не существовало никакого определенного художественного движения, называющего себя «экспрессионизмом». Считается, что экспрессионизм зародился в Германии, и важную роль в его становлении сыграл немецкий философ Фридрих Ницше, привлекший внимание к незаслуженно забытым ранее течениям в античном искусстве. В книге «Рождение трагедии или Эллинство и пессимизм» (1871) Ницше излагает свою теорию дуализма, постоянной борьбы между двумя типами эстетического переживания, двумя началами в древнегреческом искусстве, которые он называет аполлоническим и дионисическим. Ницше спорит со всей немецкой эстетической традицией, оптимистически трактовавшей древнегреческое искусство с его светлым, аполлоническим в своей основе началом. Он впервые говорит о другой Греции – трагической, опьяненной мифологией, дионисической, и проводит параллели с судьбами Европы. Аполлоническое начало являет собой порядок, гармонию, спокойный артистизм и порождает пластические искусства (архитектура, скульптура, танец, поэзия), дионисическое начало – это опьянение, забвение, хаос, экстатическое растворение идентичности в массе, рождающее непластическое искусство. Аполлоническое начало противостоит дионисическому как искусственное противостоит естественному, осуждая все чрезмерное, непропорциональное. Тем не менее, эти два начала неотделимы друг от друга, всегда действуют вместе. Они борются, по мнению Ницше, в художнике, и всегда оба присутствуют в любом художественном произведении. Под влиянием идей Ницше немецкие (а вслед за ними и другие) художники и литераторы обращаются к хаосу чувств, к тому, что Ницше называет дионисическим началом. В наиболее общем виде термин «экспрессионизм» относится к произведениям, в которых художественными способами выражены сильные эмоции, и само это выражение эмоций, общение посредством эмоций становится основной целью создания произведения.

Полагают, что сам термин "экспрессионизм" был введен чешским историком искусств Антонином Матешеком в 1910 году в противоположность термину "импрессионизм: "Экспрессионист желает, превыше всего, выразить себя. Экспрессионист отрицает мгновенное впечатление и строит более сложные психические структуры. Впечатления и умственные образы проходят через человеческую душу как через фильтр, который освобождает их от всего наносного, чтобы открыть их чистую сущность и объединяются, сгущаются в более общие формы, типы, которые он, автор, переписывает их через простые формулы и символы".

Экспрессионизм – одно из наиболее сложных и противоречивых направлений в художественной культуре первых десятилетий XX столетия. В наше время очень велик интерес к течению «экспрессионизма». Меня так же заинтересовало данное течение, и я решила подробнее изучить историю возникновения направления, его развития и представителей экспрессионизма. Мое внимание привлек одни из ярких представителей этого направления Эгон Шиле, но информации о нем очень мало и она редко встречается, т.к. в России он слабо известен. Именно поэтому исследованию данной темы стоит уделить отдельное внимание.

Объект исследования: Художники экспрессионисты. Эгон Шиле, как наиболее яркий представитель экспрессионизма.

Предмет исследования: Выразительные средства в изображение человека Эгона Шиле.

Цель исследования: раскрыть историю возникновения и развития направления «экспрессионизм», выявить особенности выразительных средств Эгона Шиле при передачи пластики и образов человека

Задачи:

раскрыть сущность экспрессионизма;

познакомиться с наиболее яркими представителями экспрессионизма;

рассмотреть особенности творчества Эгона Шиле;

исследовать особенности изображения человека различными выразительными средствами на основе работ Эгона Шиле;

разработать серию работ отображающих мое видение человека в стиле экспрессионизм.

шиле экспрессионизм выразительный человек

1. ПОНЯТИЕ ЭКСПРЕССИОНИЗМА

.1 Сущность экспрессионизма

Экспрессионизм (от лат. expressio, «выражение») – течение в европейском искусстве эпохи модернизма, получившее наибольшее развитие в первые десятилетия XX века, преимущественно в Германии и Австрии. Экспрессионизм стремится не столько к воспроизведению действительности, сколько к выражению эмоционального состояния автора. Он представлен во множестве художественных форм, включая живопись, литературу, театр, архитектуру, музыку и танец. Это первое художественное течение, в полной мере проявившее себя в кинематографе.

Экспрессионизм возник как острейшая, болезненная реакция на уродства капиталистической цивилизации, Первую мировую войну и революционные движения. Поколение, травмированное бойней мировой войны, воспринимало действительность крайне субъективно, через призму таких эмоций, как разочарование, тревога, страх. Эстетизму и натурализму старшего поколения они противопоставляли идею непосредственного эмоционального воздействия на публику. Для экспрессионистов превыше всего субъективность творческого акта. Принцип выражения преобладает над изображением. Очень распространены мотивы боли и крика.[6,c.24]

Для экспрессионизма характерен принцип всеохватывающей субъективной интерпретации реальности, возобладавшей над миром первичных чувственных ощущений, как было в первом модернистском направлении – импрессионизме. Отсюда тяготение экспрессионизма к абстрактности, обостренной и экстатической, подчеркнутой эмоциональности, мистике, фантастическому гротеску и трагизму.

Искусство экспрессионизма было поневоле социально ориентированным, так как развивалось на фоне резких социально-политических переломов, крушения австро-венгерской империи и первой мировой войны.[3,c.47]

Однако было бы неверно думать, что экспрессионизм лишь направление искусства. Экспрессионизм был крайним выражением самой сути тогдашнего времени, квинтэссенцией идеологии предвоенных, военных и первых послевоенных лет, когда вся культура на глазах деформировалась. Эту деформацию культурных ценностей и отразил экспрессионизм. Его едва ли не главная особенность состояла в том, что объект в нем подвергался особому эстетическому воздействию, в результате чего достигался эффект именно характерной экспрессионистской деформации. Самое важное в объекте предельно заострялось, результатом чего был эффект специфического экспрессионистского искажения. Путь, по которому пошел экспрессионизм, мы называем логаэдизацией, суть которой в том, что система ужесточается до предела, чем демонстрирует свою абсурдность.

Существует мнение, что явлением экспрессионизма был классический психоанализ Фрейда. Об этом говорит сам пафос деформации исходных "викторианских" представлений о счастливом и безоблачном детстве человека, которое Фрейд превратил в кошмарную сексуальную драму. В духе экспрессионизма само углубленное заглядывание в человеческую душу, в которой не находится ничего светлого; наконец, мрачное учение о бессознательном. Вне всякого сомнения, пристальное внимание к феномену сновидения также роднит психоанализ с экспрессионизмом.

Итак, в центре художественной вселенной экспрессионизма – истерзанное бездушием современного мира, его контрастами живого и мёртвого, духа и плоти, «цивилизации» и «природы», материального и духовного сердце человека. В экспрессионизме "ландшафт потрясенной души" предстает как потрясения самой действительности. Преображение действительности, к которому страстно призывали многие экспрессионисты, должно было начаться с преображения сознания человека. Художественным следствием этого тезиса явилось уравнивание в правах внутреннего и внешнего: потрясённость героя, «ландшафт души» представлялись как потрясения и преобразования действительности. Экспрессионизм не предполагал изучения сложности жизненных процессов; многие произведения мыслились как воззвания. Искусство же левого экспрессионизма по самой сути агитационно: не «многоликая», полнокровная, воплощённая в осязательных образах картина реальности (познание), а заострённое выражение важной для автора идеи, достигаемое путём любых преувеличений и условностей.[10,c.127]

Экспрессионизм задал глобальную парадигму эстетики ХХ в., эстетики поисков границ между вымыслом и иллюзией, текстом и реальностью. Эти поиски так и не увенчались успехом, потому что, скорее всего таких границ либо не существует вовсе, либо их так же много, как субъектов, которые занимаются поисками этих границ.

С конца XIX в. в немецкой культуре сложился особый взгляд на произведение искусства. Считалось, что оно должно нести в себе лишь волю творца, создаваться «по внутренней необходимости», которая в комментариях и оправданиях не нуждается. Одновременно происходила переоценка эстетических ценностей. Появился интерес к творчеству готических мастеров, Эль Греко, Питера Брейгеля Старшего. Заново открывались художественные достоинства экзотического искусства Африки, Дальнего Востока, Океании. Всё это отразилось на формировании нового течения в искусстве.

Экспрессионизм – это попытка показать внутренний мир человека, его переживания, как правило, в момент предельного духовного напряжения. Своими предшественниками экспрессионисты считали и французских постимпрессионистов, и швейцарца Фердинанда Ходлера, и норвежца Эдварда Мунка, и бельгийца Джеймса Энсора. В экспрессионизме было много противоречий. Громкие декларации о рождении новой культуры, казалось бы, плохо согласовались со столь же яростными проповедями крайнего индивидуализма, с отказом от действительности ради погружения в субъективные переживания. А кроме того, культ индивидуализма в нём сочетался с постоянным стремлением объединяться.[10,c.158]

Первой значительной вехой в истории экспрессионизма считается возникновение объединения «Мост» (нем. Bracke). В 1905 г. четверо студентов-архитекторов из Дрездена – Эрнст Людвиг Кирхнер, Фриц Блейль, Эрих Хеккель и Карл Шмидт-Ротлуфф создали нечто вроде средневековой цеховой коммуны – вместе жили и работали. Название «Мост» предложил Шмидт-Ротлуфф, считая, что оно выражает стремление группы к объединению всех новых художественных течений, а в более глубоком смысле символизирует её творчество – «мост» в искусство будущего. В 1906 г. к ним присоединились Эмиль Нольде, Макс Пехштейн, фовист Кес ван Донген и другие художники.

Хотя объединение появилось тотчас же за выступлением парижских фовистов в Осеннем салоне, представители «Моста» утверждали, что действовали самостоятельно. В Германии, как и во Франции, естественное развитие изобразительного искусства привело к изменению художественных методов. Экспрессионисты также отреклись от светотени, передачи пространства. Поверхность их холстов кажется обработанной грубой кистью без всякой заботы об изяществе. Художники искали новые, агрессивные образы, стремились выразить средствами живописи тревогу, дискомфорт. Цвет, считали экспрессионисты, обладает собственным смыслом, способен вызывать определённые эмоции, ему приписывали символическое значение.

Первая выставка «Моста» состоялась в 1906 г. в помещении завода осветительной аппаратуры. И эта и последующие выставки мало интересовали публику. Лишь экспозиция 1910 г. была снабжена каталогом. Но с 1906 г. «Мост» ежегодно издавал так называемые папки, каждая из которых воспроизводила работы одного из членов группы.

Постепенно члены «Моста» перебирались в Берлин, ставший центром художественной жизни Германии. Здесь они выставлялись в галерее «Штурм» .

В 1913 г. Кирхнер опубликовал «Хронику художественного объединения «Мост»». Она вызвала резкое несогласие остальных «мостовцев», посчитавших, что автор слишком завысил оценку собственной роли в деятельности группы. В результате объединение официально прекратило существование. Между тем для каждого из этих художников участие в группе «Мост» оказалось важной вехой творческой биографии.

Стремительный взлет экспрессионизма определен редким соответствием нового направления характерным чертам эпохи. Его расцвет недолговечен. Прошло немногим более десятилетия, и направление утратило былое значение. Однако за короткий срок экспрессионизм успел заявить о себе новым миром красок, идей, образов.

В 1910 г. группа художников-экспрессионистов во главе с Пехштейном отделилась от Берлинского сецессиона и образовала Новый сецессион. В 1912 г. в Мюнхене оформилась группа «Синий всадник», идеологом которой выступал Василий Кандинский. Насчёт отнесения «Синего всадника» к экспрессионизму среди специалистов нет единого мнения. Художники этого объединения слабо озабочены кризисным состоянием общества, их произведения менее эмоциональны. Лирические и абстрактные ноты образуют в их работах новую гармонию, в то время как искусство экспрессионизма по определению дисгармонично.

Когда в Веймарской республике после 1924 года установилась относительная стабильность, невнятность идеалов экспрессионистов, их усложнённый язык, индивидуализм художественных манер, неспособность к конструктивной социальной критике привели к закату этого течения. С приходом к власти Гитлера в 1933 году экспрессионизм был объявлен «дегенеративным искусством», а его представители потеряли возможность выставлять свои работы или публиковаться.

Тем не менее отдельные художники продолжали работать в рамках экспрессионизма на протяжении многих десятилетий. Пастозные, резкие, нервные мазки и дисгармоничные, изломанные линии отличают работы крупнейших экспрессионистов Австрии – О. Кокошки и Э. Шиле. В поисках наивысшей эмоциональной выразительности французские художники Жорж Руо и Хаим Сутин резко деформируют фигуры изображаемых. Макс Бекман преподносит сцены богемной жизни в сатирическом ключе с налётом цинизма.

Из числа крупных представителей течения только Кокошка (1886-1980) застал возрождение всеобщего интереса к экспрессионизму в конце 1970-х гг. [4,c.79]

.2 Художники экспрессионисты. Эгон Шиле, как наиболее яркий представитель экспрессионизма

Стремление к «экспрессии», обостренному самовыражению, напряженности эмоций, гротескной изломанности, иррациональности образов, наиболее ярко проявилось в культуре Германии и Австрии. Наиболее яркими художниками были :

Август Маке

Один из ярких представителей немецкого экспрессионизма. Интерес к живописи проявился у Августа Маке ещё в родительском доме. В 1904 г. появился его первый альбом эскизов. Всего их в короткой жизни Маке было 78. В это время Август Маке познакомился с творчеством Арнольда Бёклина, однако со временем степень его влияния на творческое развитие Маке снизилось. В альбоме по следам своей поездки в Италию в 1905 г. этюды Маке значительно упростились и отражают эксперименты художника со светом. Картины Маке в этот период выполнены небольшим количеством тёмных тонов.

В Базеле Маке познакомился с творчеством импрессионистов – художественного течения, практически неизвестного в то время в Германии. Первые картины Маке отражают результаты творческой переработки художником идей импрессионизма. Во время одной из первых поездок в Париж Маке особенно поразили полотна Мане. Его альбом эскизов пополнился рисунками из жизни города на Сене. Очевидным является также влияние на Маке Тулуз-Лотрека. Позднее Маке учился у Ловиса Коринта. Во время этого краткого по времени обучения появилось 15 альбомов эскизов Маке. Основными темами для них служили театр, кафе и люди города.

Как и в Париже, в Берлине Маке проводит время в музеях, изучая искусство Ренессанса и живопись XIX в. К 1909 г. у Маке образовался широкий круг знакомых в художественной среде. Маке основал сообщество художников «Синий всадник». С 1911 г. Маке не только художник. Его обширные связи среди художников и руководства музеев по всему миру позволили ему заняться организацией выставок. Работы Пауля Клее, Кандинского и представителей художественного сообщества «Брюкке» («Мост») участвовали в выставках благодаря Маке.

Работы Маке участвовали и во второй выставке «Синего всадника» в мюнхенской галерее Ганса Гольтца в 1912 г. Благодаря дружеским отношениям художника с французским художником Робертом Делоне Маке познакомился с абстрактной живописью. В 1913 г. Маке переехал в Швейцарию. Для него этот год был чрезвычайно продуктивным. В его работах, посвящённых человеку и природе, чувствуется влияние многих художников.

Вместе с Паулем Клее и Луи Моллье Маке предпринял краткую поездку в Тунис, в ходе которой появилось большое количество знаковых акварелей художника. Сделанные в поездке эскизы и фотографии послужили основой для написанных им позднее маслом картин. Маке часто ездил во вдохновлявший его в творчестве южный Шварцвальд. Последняя картина Маке под названием «Прощание»[см.Приложение 1] оказалась пророческой. 8 августа 1914 г. Маке был призван в армию и погиб в бою 26 сентября в возрасте 27 лет. [2,c.248]

Пабло Пикассо

Пабло Пикассо – испанский художник и скульптор, с 1904 года проживавший во Франции. Пикассо – изобретатель новых форм живописи, новатор стилей и методов, и один из наиболее плодовитых художников в истории. Пикассо создал более чем 20 тысяч работ.

Родился в Малаге 25 октября 1881 года. Живописи учился сначала у своего отца X. Руиса, затем в школах изящных искусств: в Ла-Корунье (1894-1895 гг.), Барселоне (1895 г.) и Мадриде (1897- 1898 гг.). В 1901 – 1904 годы Пикассо создает картины так называемого "голубого периода", которые написаны в гамме синих, голубых и зеленых тонов; в 1905 – 1906 годах появляются работы с преобладанием золотисто-розовых и розово-серых оттенков ("розовый период"). Оба этих цикла картин посвящены теме трагического одиночества обездоленных людей, жизни странствующих комедиантов. В 1907 году Пабло Пикассо создал картину "Авиньонские девушки", которая стала началом перехода Пикассо от реалистических традиций к авангардизму. Вскоре Пикассо основывает новое направление в творчестве – кубизм, чему во многом способствовало увлечение художника африканской скульптурой. Пабло Пикассо разделяет предмет на составные геометрические элементы, превращая тем самым реальность в игру отвлеченных деталей. Позже Пикассо начинает эксперименты с фактурой, он использует в своих работах, например, обрывки газет и другие предметы. Период кубизма в творчестве Пабло Пикассо завершают такие его работы, как "Бутылка аперитива" (1913) и "Три музыканта" (1921). В дальнейшем в творчестве Пикассо возникли неоклассические тенденции, в его работах преобладают изящные линии ("Три женщины у источника" (1921), "Мать и дитя" (1922)). Начиная с 1936 года в творчестве Пикассо находят отражение современные события ("Плачущая женщина" (1937), "Кот и птица" (1939)), Пикассо становится участником Народного фронта во Франции, участвует в борьбе испанского народа с фашистской агрессией. Пабло Пикассо создает серию работ "Мечты и ложь генерала Франко", монументальное произведение "Герника" (1937)[см.Приложение 2]. В последующих работах Пикассо антивоенные сюжеты занимают большое место, в 1947 году он создает известного "Голубя мира", в 1952 году появляются его работы "Мир" и "Война".[8,c.96]

Марк Шагал

Однако, вглядываясь в архаику, в том числе и в русскую икону и лубок (которые оказали на него большое влияние), Шагал примыкает к футуризму и предугадывает будущие авангардные течения. Гротескно-алогичные сюжеты, резкие деформации и ирреально-сказочные цветовые контрасты его полотен ("Я и деревня", 1911[см.Приложение 3]; "Автопортрет с семью пальцами", 1911-1912,) оказывают большое влияние на развитие сюрреализма. По мере достижения пика славы его манера – в целом сюрреально – экспрессионистская – становится все легче и раскованней. Не только главные герои, но и все элементы образа парят, слагаясь в созвездия цветных видений.[3,c.196]

Кандинский Василий

Кандинский Василий – русский и немецкий художник, теоретик искусства и поэт, один из лидеров авангарда первой половины 20 века; вошел в число основоположников абстрактного искусства. С 1897 года жил в Мюнхене, где занимался в местной Академии художеств под руководством Франца фон Штука. Много путешествовал по Европе и Северной Африке (1903-1907), с 1902 года Василий Кандинский жил в основном в Мюнхене, а в 1908-1909 в селе Марнау (Баварские Альпы). От ранних, уже достаточно ярких импрессионистских картин-этюдов перешел к бравурным, цветистым и «фольклорным» по колориту композициям, где суммировались характерные мотивы русского национального модерна с его романтикой средневековых легенд и старинной усадебной культуры (картины "Пестрая жизнь"[см.Приложение 4], "Дамы в кринолинах" и другие).Василий Кандинский полагал, что лучше всего оно выражается прямым психофизическим воздействием чистых красочных созвучий и ритмов. В основе последующих «импрессий», «импровизаций» и «композиций» художника (так сам Кандинский различал циклы своих работ) лежит образ прекрасного горного пейзажа, как бы тающего в облаках, в космическом небытии, по мере мысленного воспарения созерцающего автора-зрителя. Драматургия картин маслом и акварелью строится за счет свободной игры цветовых пятен, точек, линий, отдельных символов.

Леже Фернан

Леже Фернан – французский художник-экспрессионист. Родился в 1881 году во Франции, в Аржантане. Леже получил двухлетнее архитектурное образование, позднее был вольным слушателем Школы изящных искусств в Париже. Начиная с 1910, Леже – активный участник салона des Independants. Его ранние картины ("Обнаженные в лесу", "Сидящая женщина") написаны в стиле кубизма. Вместе с Браком и испанским художником Пабло Пикассо Леже сыграл важную роль в формировании и распространении кубизма. Участие Леже в первой мировой войне повлияло на стиль его последующих работ. В своих картинах Леже стал использовать много технократических символов, изображая свои объекты и людей в урбанистических, техногенных формах. "Город" – одна из его наиболее примечательных картин в этом плане. Работы Леже оказали немаловажное влияние на формирование неопластицизма в Нидерландах и конструктивизма в Советском Союзе. В середине ХХ века Леже имел успех и как художник декоративно- прикладного искусства, и как скульптор. Создавая мозаику, керамику и гобелены, он также использовал принципы конструктивизма. В своих последних картинах Леже использовал выделение и наложение монохромного цвета в композиции. "Большой Парад", одна из его последних картин – монументальный пример этого оригинального стиля.[9,c.98]

Эгон Шиле

Эгон Шиле – австрийский художник, один из лучших мастеров европейского модерна.[см.Приложение 5] Учился в Венской Академии изящных искусств (1906-1909), где под влиянием Густава Климта обратился к эротической теме. Среди работ Шиле преобладают портреты и, после знакомства с творчеством Ван Гога в 1913, пейзажи. Живопись и графика Эгона Шиле, отмеченная нервными цветовыми контрастами, изощренно-гибким рисунком и драматическим эротизмом, являет смесь модерна и экспрессионизма.

Находясь под сильным влиянием психоанализа Зигмунда Фрейда, Шиле в своем творчестве давал волю собственным комплексам и сомнениям. Художественная карьера Эгона Шиле была короткой, но плодотворной, а многие произведения носили откровенно сексуальный характер. Это послужило даже причиной тюремного заключения художника за «создание аморальных рисунков». В 1912-1916 годах Шиле широко и успешно выставляется – его работы экспонированы в Вене, Будапеште, Мюнхене, Праге, Гамбурге, Штутгарте, Цюрихе, Хагене, Дрездене, Берлине, Риме,Кёльне, Брюсселе, Париже. В 1917 он вернулся в Вену. После смерти Климта весной 1918 года Шиле стал претендовать на роль крупнейшего художника Австрии. Наиболее яркими работами Эгона Шиле являются: «Сидящая женщина», 1917; «Молодая мать»,

; «Любовь», 1917; «Автопортрет», 1912; «Семья», 1918 и др. Шиле создает свой собственный стиль, сосредоточиваясь почти исключительно на контуре. Особенно выразительны были декоративные очертания тел в его многочисленных «ню». В качестве модели Шиле часто выступала его сестра Гертруда («Герти»), к которой, как утверждали, он испытывал сильное эмоциональное, и отнюдь не только родственное, влечение. Необычайная нервность каждого мазка его картин вызывала сильные эмоции у зрителя, и созерцание их всегда весьма сложно, а иногда даже мучительно.

Благодаря своему острому нервному стилю Шиле считается одним из важнейших представителей экспрессионизма. В наследие художника входят около 300 картин и несколько тысяч рисунков. Самое полное в мире собрание произведений Эгона Шиле (250 живописных и графических работ) находится в Музее Леопольда в Вене. Об Эгоне Шиле написано множество монографий, статей и даже два романа («Высокомерие» Джоаны Скотт и «Порнограф из Вены» Люиса Крофтса), а в 1981 году о нем снят художественный фильм «Эгон Шиле – Жизнь как эксцесс» (совместное производство ФРГ, Франции и Австрии).

Шиле умер совсем молодым от гриппа, в тот момент, когда его творчество получило признание.[1,c.17]

Творчество художников-экспрессионистов выражало собой протест против уродства и несовершенства буржуазной цивилизации, действительность в нём отображалась субъективно, фантастически гротескно, преувеличенно эмоционально и намеренно иррационально, что отличало новое направление от импрессионизма, в котором основу художественного образа составлял мир первичных чувственных ощущений. Границы между персонажами картин и той средой, что их окружала, уничтожались. Экспрессионизм всё больше противопоставляет себя эстетизму и натурализму, утверждая идею о сгущении мотивов боли и крика, повышенной аффектации, прямом эмоциональном воздействии на глубинное подсознание человека. В творчестве художников-экспрессионистов принцип выражения эмоций преобладает над самим изображением. Художественный язык был обусловлен установкой на своеобразную интуитивную “варварскую” непосредственность: тяжелые массы пастозных мазков, положенные на крупнозернистые холсты в черных рамах. В картинах выражено предчувствие какого-то ужаса через деформацию предметов, природных форм, как бы разрушается и дискредитируется все, что казалось незыблемым.

2. ОСОБЕННОСТИ ИЗОБРАЖЕНИЯ ЧЕЛОВЕКА

.1 Выразительные средства в изображение человека Эгона Шиле

Эгон Шиле на протяжении всего творчества автопортрет оставался непременным, постоянно выступающим на первый план мотивом. Художник создал около сотни собственных изображений. Живописец очень пристально наблюдает за собой, изучая объект с маниакальной настойчивостью. Он очень любил изображать себя, свой облик и свои позы. Жесты на автопортретах Шиле часто нарочиты и неестественны, а между индивидуальностью художника и ее изображением часто возникает напряженное отчуждение, похожее на противостояние и неприятие зеркального отражения. Это можно наблюдать на «Автопортрете» 1914[см.Приложение 6]. Белый фон листа абсолютно нейтрален. Мастер, работая жесткой линией и броским цветом, лишает свое тело уверенности и придает движениям резкий, нервозный характер. Очертания фигуры неправильны и угловаты. Единственный яркий, кричащий оранжевый тон усиливает экспрессию. Шиле как портретиста мало интересует внешняя физическая форма и совершенно не интересуют такие категории, как гармония и красота. Но изображенный облик имеет внутреннее, глубинное сходство с моделью.

Какое-либо изображение, выполняемое от руки с помощью графических средств – контурной линии, штриха, пятна. Различными сочетаниями этих средств (комбинации штрихов, сочетание пятна и линии и т. д.) в рисунке достигаются пластическая моделировка, тональные и светотеневые эффекты рисунка, как правило, выполняется одним цветом либо с более или менее органическим использованием разных цветов. Эгон Шиле с помощью линий и цвета передает очень ярко и иронично пластику человеческого тела. Как более выразительное средство линия выступает в качестве штриха, который на одном и том же рисунке может быть толще, тоньше, короче, длиннее, идти не сплошной линией, а прерываться или, наоборот, ложиться близко друг к другу, создавая впечатление тени. Например, Э.Шиле интересно изображает своеобразную фактуру одежды модели. При помощи линий художник передает положение предмета в пространстве и изменение его формы в разных ракурсах.

Линия помогает ярко выделить одну часть предмета, а другую его часть словно растворить, сделать малозаметной и т. д. Эгон Шиле использует агрессивные, ломанные линии для передачи движения и пластики человеческого тела. Не стандартные ракурсы раскрывают зрителю новый взгляд на тело человека. Художник, изображая на рисунке соотношение света и тени, может лучше передать объем и особенности формы. Цвет используется художником и с целью вычленения главного. Э.Шиле применяет контрасты цветовых сочетаний, чтобы еще ярче показать главное. Цвет является средством реального отображения действительности, но действует не изолированно, а в общей совокупности с композицией, линией рисунка, раскрывая и усиливая при этом содержание картины.

В основном в работах Эгона Шиле обнаженные модели. Для Шиле нагота является наиболее радикальной формой самовыражения, не потому что тело выставлено напоказ, а потому «я» выявлено полностью. Это с одной стороны демонстрация, а с другой изоляция собственного телесного «я» сопровождает отказом от обозначения в пространстве в автопортрете. Шиле как бы увечит тело, изображая только торс, руки без кистей, ноги без ступней, видно насколько мало его как портретиста занимает внешняя физическая форма. Глядя на некоторые автопортреты Шипе, сделанные после 1910 года, становится ясно, что художник рассматривал их как конкретную художественную реализацию духовной субстанции. Хотя, конечно, было бы неправильно, рассматривая обнаженные автопортреты, не отметить момента самолюбования и эксгибиционизма. Обнаженный художник, в конце концов, выставляет себя на обозрение как сексуальное существо. Однако, это объяснение не кажется полностью исчерпывающим в отношении его обнаженных автопортретов.[1,c.23] Друзья Шиле вовсе не описывают его как разнузданного эротомана; и в его частой неприглядной, вымученной наготе чрезмерное выделение эротического начала было бы ошибкой. Что кажется более важным (и что находит подтверждение в его письмах и стихах) – это тот факт, что Шиле придавал большое значение пониманию и изучению своего «я». Исследовать свое «я» всегда означает представить себя как двойственность, так как субъект, производящий исследование, одновременно является и объемом. Шиле старался противодействовать чувственной фрагментации собственного «я», передавая его множественность. Таким образом, это постепенно сформировалось в визуальную концепцию, которая помогла ему восстановить единство с миром.

.2 Женский и мужской образ в творчестве Эгона Шиле

Один из самых увлекательных и, как ни странно, новых сюжетов современного человековидения, – человеческое тело. Всего лишь несколько десятилетий тому назад его изучали только биологи, да и те интересовались не столько телом как целым, сколько его отдельными органами и их природными функциями. Быть голым – значит быть самим собой, натуральным, без прикрас. Быть нагим – значит быть выставленным напоказ. Чтобы голое тело стало нагим, его нужно увидеть как объект, объективировать. "Голое открывает себя. Нагота выставлена напоказ, голое обречено на то, чтобы никогда не быть нагим. Нагота – это форма одежды" (Джон Бергер).[12,c.152]

Изобразительное искусство переломной эпохи ищет не только новые формы, но и содержание. Появляется новый взгляд на мир, окружающую действительность и на личность. Своеобразное преломление образа женщины двадцатого столетия нашло отражение в творчестве Эгона Шиле. Художник пытается не только изобразить современного человека, но и найти свой идеал. Отсюда возникает серия блистательных автопортретов, образы роковых женщины, постоянная смена стиля и поиск чего-то нового. Э.Шиле пишет портреты. Портрет Валери Нойцель, (1912).[см.Приложение 7]. С одной – стороны легкость и невинность, которую придают портрету нежно-розовые тона, но с другой – тревожность и задумчивость, которая чуть заметно прослеживается, открывает галерею портретов Э.Шиле , которым будут присущи эти черты.

Картина «Сидящая женщина», (1917). [см.Приложение 8] символична. Это образ "роковой женщины".

Тему "роковой женщины" продолжают картины: «Обнаженная» (1910); «Женщина в зеленых чулках»(1917); «Женщина на корточках» (1910); «Сидящая обнаженная » (1914); «Лежащая женщина » (1917). Они – губительницы мужчин. Автор показывает, что от "роковой женщины" исходит мощная губительная сила.

Одним из самых ослепительных портретов считается «Сидящая женщина, с левой рукой в волосах» (1914)[см.Приложение 9]. Я бы назвала его воплощением идеала Шиле – уверенная в себе, немного самовлюбленная, но в то же время очаровательная и милая, она потрясает своей глубиной.

Попытка осознания женской сущности отражена на полотне «Переплетенные женщины».[см.Приложение 10]. Две сплетенные девушки представляют собой единое целое, куда нет входа мужчине. Они кружат в бесконечном потоке сознания автора. Чувствуется спокойствие и чувство гармонии, нежели экстаз. Эта картина, скорее всего, говорит о состоянии души автора. Женщины этого сюжета – отражение скрытого, бессознательного, сексуального желания мужчины (Фрейдовского Оно). А сплетение женских тел говорит об их загадочности и непознанности.

Вызывающим и интересным взглядом, отражающим суть женской природы, является картина «Молодая мать»(1914).[см.Приложение 11]. Орнамент картины с черными, квадратными вставками в верхних углах говорит о неполноте бытия всей слабой половине человечества. Дитя прижимается к груди матери. Их тела полны жизни и свежести.

Другое известное творение – «Любовь»(1917).[см.Приложение 12]. Если раньше мужчина отсутствовал или представлял собой отрицательный заряд: нечто контрастирующее и несовместимое с женским началом, то теперь автор показывает гармонию, слияние двух противоположностей. Мужчина и женщина слиты воедино, между ними трудно провести грань. Это не только физическая, но и духовная близость двух людей, которые способны противостоять злу, порождая добро, любовь и новую жизнь.

Как говорилось выше, Эгон Шиле часто писал автопортреты. Немалая часть его произведений он сам. Серия портретов 1910 года[см.Приложение 13] ,наполнена тревогой, строгостью, движения тела резки, неожиданны . Э.Шиле показывает себя в различных эмоциональных состояниях. Картина «Автопортрет с заломленными руками» (1910), олицетворяет спокойствие, задумчивость героя, исходит процесс осознания себя.

Но в основном Э.Шиле представляет себя с более яркими эмоциями, такими как: злость, гнев, возмущение, ненависть, обида, сердитость, досада, раздражение, мстительность, оскорбленность, воинственность, бунтарство, сопротивление, одиночество.

Практически все произведения Шиле пронизаны лучами чувственной, а порой, по выражениям многих, слишком откровенной эротикой. Э. Шиле нередко обвиняли в откровенности или даже в порнографии, в том, что он выносит на широкий круг зрителя то, о чем многие не осмеливались даже заговорить. В его автопортретах гораздо больше общечеловеческого, чем личного. Автопортрет для Шиле, современника Фрейда, был не зеркалом, фиксирующим внешнее отражение, а средством проникнуть в самые сокровенные области подсознания. Шиле-художник соотносится с Шиле-моделью как психоаналитик с пациентом, болезненно и скрупулезно изучая каждую черточку того, что составляет неуловимый образ нашего «Я». В своих исследованиях Шиле был пугающе откровенен – очень часто он изображал себя обнаженным, пристально рассматривающим свое худое тело, и некоторые его автопортреты шокируют даже современного зрителя.

С такой же яростью и экспрессией, с таким же исступлением и проникновением в скрытую суть натуры он рисовал портреты женщин и обнаженную женскую натуру.

Живопись Эгона Шиле необычайно графична. Он всегда использует контраст светлого и темного, что сразу же поражает и привлекает взгляд. Люди на картинах Шиле не только без одежды – они без кожи. Их тела с вывернутыми руками, открытые для мира и для боли, изломанны, скручены внутри и снаружи. Внутри человека даже в разгар лета – осеннее дерево. Изломанность веток у дерева снаружи, у человека – внутри. Ветви – трещины в небе и камне. Нервы – трещины в теле. Некоторые искусствоведы считают, что все произведения Шиле, включая ландшафты и городские виды, выражают душевные переживания художника и невероятным образом «автопортреты».

Так Шиле создает новый идеал красоты ХХ века, в корне отличающийся, например, от сецессиона и символизма, – это красота уродливого. С обретением ее Эгон продвинулся вперед и стал одним из столпов модерна, наряду с немецкими экспрессионистами и австрийцем Кокошкой.

Будучи еще совершенно молодым человеком, Эгон Шиле приходит к убеждению, что смерть и болезнь, страдание и бедность, дистрофия обостряют ощущение ценности жизни и красоты.

В экспрессивной манере у Шиле стираются границы между здоровьем и болезнью, между жизнью и приближением смерти. Красота наивысшая, наиболее проникновенная загорается на границе жизни и смерти. Судьба красоты в том, чтобы отцвести, заболеть, и свой триумф она справляет в тот момент, когда «искажается». «Alles ist lebend tot» («живя, все мертво») – смысл этих слов Эгона Шиле в том, что в живом гнездится смерть. Но смерть внутри жизни усиливает яркость последней. Было время, когда по разрешению знакомых докторов художник делал рисунки даже в гинекологической клинике, ибо беременные это для него – символ единства между жизнью, даже удвоенной жизнью матери и плода, и угрозой смерти. С 1913 года в своих многочисленных зарисовках Шиле разрабатывает глубоко индивидуальную манеру изображения обнаженных или полуобнаженных женских моделей, которые ныне считаются лучшими его работами. [см.Приложение 14]Для этих работ характерна сложная, эксцентрически выстроенная поза модели, которую художник видит на очень близком расстоянии сверху или снизу. Женщины Шиле, недвусмысленно демонстрируют себя под поднятыми одеждами. К тому же Шиле любил не дорисовывать некоторые части тела, что усиливает у зрителя шокирующие ощущения.

В 1918 году Шиле был приглашен для участия на 49-ой выставке венского Сецессиона. Для нее Шиле разработал эмблему, напоминающую сюжет Тайной вечери, с собственным портретом вместо Христа. Работы художника были выставлены в главном зале и имели огромный успех. Несмотря на войну, цены на картины и рисунки Шиле рвались вверх, а с ними росло и число заказов, особенно на портреты. К тому времени художник почти отказался от экспериментов с формальной живописью. Его картины приблизились к классическим нормам прекрасного: человеческие тела на картинах стали более пластичными и гармоничными, цвета более мягкими «Семья»(1918).

.3 Мое видение человека в стиле экспрессионизм

Быть художником – это большой вызов, и это означает, что у тебя есть миссия в жизни, ты должен всё время исследовать, изучать, пребывать в поиске. Мои работы искажают привычное видение души и тела. В процессе создания работ моё первичное усилие направлено на то, чтобы сохранить правильное соотношение моего видения и личности. Так же считаю, что мое творчество – это интерпретация, способ передачи фантазий, переживаний на холст посредствам изображения человека. Обнаженная человеческая фигура всегда привлекала мое внимание. Думаю потому, что в этом могу непосредственно выразить свои чувства и взгляды, и придать телу любую форму. На мой взгляд, нет "уродливой" или "красивой" обнаженной натуры. Каждый находит свое прекрасное, порой даже в том, что большинство считает безобразным.

Постоянное сомнение и поиск идеала и есть суть моих работ. В основном это и является целью искусства – сомневаться, видоизменять реальность, создавая новую чувственную действительность, свободную от общепринятых взглядов. Пытаюсь выразить, воплощении беспорядочного состояния человеческой природы, с помощью собственного характерного способа. Искажаю, обезображиваю и вытягиваю нормальную форму в пространстве, тем самым придавая этому свое измерение, призму. Фигуры находятся внутри времени в подвешенном состоянии, строго замерев и пребывая в различных эмоциональных состояниях. Пытаюсь передать стрессовый крик отчаяния, который вливаю в свои образы, показать различные эмоциональные состояния души человека. Создавая работы стремлюсь выработать нереалистичный стиль, с элементами экспрессионизма: серия работ «Лабиринт души»[см.Приложение 15]

ЗАКЛЮЧЕНИЕ

Подводя всему вышеизложенному итоги, представляется возможным сформулировать следующие выводы.

Экспрессионизм – модернистское течение в западноевропейском искусстве, главным образом в Германии, первой трети 20 века, сложившееся в определенный исторический период – в преддверие первой мировой войны. Мировоззренческой основой экспрессионизма стал индивидуалистический протест против уродливого мира, все большее отчуждение человека от мира, чувства бесприютности, крушения, распада тех начал, на которых, казалось, так прочно покоилась европейская культура.

Экспрессионизм ставит перед собой задачу не столько воспроизведения действительности, сколько выражения порождаемых этой действительностью эмоциональных переживаний. Среди распространенных приемов – различные смещения, преувеличения, упрощения, использование пронзительных, воспаленных красок и напряженных, острых контуров.

Эгон Шиле – австрийский художник, один из лучших мастеров экспрессионизма. Пастозные, резкие, нервные мазки и дисгармоничные, изломанные линии отличают работы Э.Шиле. Нестандартными выразительными средствами, Э.Шиле представляет человеческое тело и душу. Очертания фигуры неправильны и угловаты. Живопись Эгона Шиле необычайно графична. Он всегда использует контраст светлого и темного, что сразу же поражает и привлекает взгляд. Люди на картинах Шиле не только без одежды – они без кожи. Их тела с вывернутыми руками, открытые для мира и для боли, изломанны, скручены внутри и снаружи.

Была разработана серия работ, отражающая, мое личное представление образа человеческого тела и души. Образ представляет собой сложный и многомерный процесс. Образ складывается из получаемых представлений, которые формируются на основе получаемых впечатлений, включают в себя накопление и переработку их. Образ формируется на основе восприятия, чувственного познания, эмоционального состояния, воображения. При формировании образа в сознании, и передачи информации на холст, происходит глубокое осмысление и духовная переработка восприятий и представлений, в соответствии с взглядами, идеалами. В дальнейшем, представленная серия, будет разрабатываться, для практической реализации дипломной работы.

СПИСОК ЛИТЕРАТУРЫ

1. Erwin Mitsch .Egon Schiele ,.Phaidon, 1993.

2. Эшли Басси . Экспрессионизм. БММ.,2007.

. Ришар Лионель .Энциклопедия экспрессионизма: Живопись и графика. М.2003.

. Павлова Н. Экспрессионизм : В 5 т. Т. 4: 1848-1918. М.: Наука, 1968.

. Сумерки человечества. Лирика немецкого экспрессионизма. М., 1990.

. Экспрессионизм. М., 1966.

. Райнхард Штайнер. Эгон Шиле. Арт-Родник.2002.

. Барбара Хесс. Абстрактный экспрессионизм. Арт-Родник.2008.

. Русский авангард 1910-1920-х годов и проблема экспрессионизма / Отв. ред. Г. Ф. Коваленко; Государственный институт искусствознания Министерства культуры РФ. – М.: Наука, 2003.

. Вольф Ноберт. Экспрессионизм = Expressionismus / Ред. Ута Гросеник. – М.: Taschen, Арт-родник, 2006.

. Пестова Н. В. Случайный гость из готики: русский, австрийский и немецкий экспрессионизм: Монография / Уральский государственный педагогический институт. – Екатеринбург: [Б. и.], 2009.

. Джон Бергер. Искусство видеть., Клаудберри.,2012.

ПРИЛОЖЕНИЕ 1